Resumen en PDF:Formas de ver, de John Berger

¿Cómo influye la forma en que ves algo en lo que ves ? ¿Realmente necesita el público que los museos y los críticos de arte le expliquen el significado de una obra de arte? En *Formas de ver*, publicado en 1972, el crítico John Berger sostiene que a lo largo de la historia, la forma en que vemos el arte ha sido manipulada por una minoría privilegiada para preservar su dominio social y económico. El libro « » cuestiona la idea de que, para comprender y apreciar las obras de arte, necesitamos que los expertos nos las «traduzcan». Más bien, Berger nos insta a correr el telón y mirar las imágenes que tenemos ante nosotros con nuestros propios ojos.

En esta guía, analizamos la tesis de Berger de que, a lo largo de la historia, la clase dominante ha utilizado el arte y la crítica artística para «misterializar» a la clase trabajadora. Además, aportamos contexto histórico tanto sobre las obras de arte que analiza Berger como sobre el panorama en el que escribe, y comparamos las ideas de Berger con las del arte y la cultura contemporáneos.

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Mitología

Según Berger, las pinturas de mitos antiguos e historias religiosas constituían la categoría pictórica más respetada. Dado que la élite adinerada era culta, era la única minoría de la sociedad que tenía acceso a esos mitos. Pero, en lugar de inspirar a sus acaudalados propietarios a vivir de acuerdo con la moralidad representada en las pinturas, Berger afirma que estas solo servían para reafirmar la alta opinión que sus propietarios tenían de sí mismos, ya que eran lo suficientemente cultos como para conocer las historias que se narraban.

Breve comentario: Una pintura mitológica contemporánea: Leda y el cisne

Pintado en 1962 como parte de una serie de seis, «Leda y el cisne» es un cuadro mitológico contemporáneo de Cy Twombly. Se aprecia de inmediato que esta obra está realizada en un estilo diferente al de los óleos mitológicos de la tradición europea, aunque cumple con los criterios del género. La obra se basa en la historia griega de Zeus seduciendo a Leda al adoptar la forma de un cisne. Esta pintura en concreto se vendió por más de 50 millones de dólares en 2017, lo que demuestra que el valor de mercado de este género sigue encabezando la lista jerárquica mencionada anteriormente. Otra obra de este conjunto se encuentra actualmente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Pinturas de género

Las pinturas de «género» eran lo contrario de las imágenes mitológicas. En lugar de representar la moralidad y la virtud, las pinturas de género mostraban una vulgaridad sin refinamiento. Los protagonistas de estas pinturas eran la clase trabajadora: personas anónimas que vivían sus vidas. Las pinturas de género que siguen esta tradición representan a la clase trabajadora como pobre, pero feliz. A menudo, el personaje incluso sonríe al espectador de la pintura, que se supone que es un miembro de la burguesía. Berger afirma que esta representación no es realista, pero que evitó que los ricos se sintieran culpables por sus privilegios (mistificación).

(Nota breve: Muchos de los maestros del «género» procedían de los Países Bajos, entre ellos Vermeer y Steen. Las escenas más habituales que representaban incluían eventos sociales, placeres cotidianos, la vida de los soldados y escenas de embriaguez.)

Colonialismo

Del mismo modo que las pinturas de temas mitológicos aseguraban a las élites que ellas también eran morales y, por lo tanto, merecedoras de su riqueza, las pinturas que representaban a pueblos y lugares colonizados les recordaban que (en su opinión) su cultura era superior y, por lo tanto, justificaba la conquista violenta. Berger explica que tanto la pintura en sí misma (una mercancía) como el tema que representaba contribuían a esta visión.

(Nota breve: La teoría poscolonial es un conjunto de ideas que sostiene que no podemos comprender el mundo en el que vivimos sin tener en cuenta cómo lo han moldeado el imperialismo y el dominio colonial. Se añade el prefijo «pos» a la palabra «colonial» porque se centra principalmente en el colonialismo de los siglos XVIII al XX, pero la teoría no implica que el colonialismo haya llegado a su fin.)

La mistificación de las pinturas al óleo europeas

Debido a los temas representados en las pinturas de este periodo, así como al valor monetario que estas obras tienen como productos de mercado, las pinturas al óleo europeas son propicias para la mistificación. Una de las formas más destacadas en que se mistifica el arte hoy en día es la manera en que se representa y explica a través de la teoría y la historia del arte. Según Berger, los artistas y las obras que más se presentan por parte de los guías de museo y los historiadores no reflejan con precisión las normas de la tradición de la pintura al óleo europea. Como resultado, la historia de la época resulta invisible para el público espectador, lo que significa que este no puede aprender de ella.

El auge de la pintura al óleo coincidió con el auge del mercado libre del arte en Europa. Casi todas las pinturas de esta época se realizaban por encargo, en gran parte debido al elevado coste de la empresa. Cuanto más rica era una persona, más cuadros podía encargar. Al tratarse de encargos, el mecenas tenía control sobre lo que representaba el cuadro. Berger explica que esto es una forma de mistificación, porque si se estudian los cuadros de este periodo, no se está viendo un registro de lo que fue, sino cómo la clase más rica quería ser retratada. Estas representaciones protegían su estatus social, que está intrínsecamente ligado a la riqueza, a lo largo de toda la historia.

(Nota breve: Berger explica cómo la mistificación beneficia a los ricos, pero no ofrece un argumento claro sobre cómo la desmitificación de pinturas centenarias afectaría al capitalismo actual. Podríamos deducir que, si las masas llegaran a comprender la estratificación de clases y la opresión del pasado, sería más probable que las reconocieran en la sociedad moderna y cuestionaran su autoridad.)

Desnudez y objetividad

Las mujeres desnudas fueron un tema destacado en la pintura al óleo europea. Berger señala que, del mismo modo que las pinturas al óleo representaban la riqueza mediante imágenes de tierras y objetos, las mujeres también eran consideradas una propiedad que había que exhibir. Los desnudos, afirma Berger, se caracterizan por la cosificación del «sujeto» femenino, que, a través de la mirada supuesta del espectador masculino, se convierte en un objeto.

Las mujeres desnudas que aparecen en los óleos europeos están ahí para el disfrute y el uso del supuesto espectador masculino, a quien Berger denomina«espectador-propietario». Las llama así porque el hombre que posee el cuadro «posee» a la mujer desnuda y (en su mente) él es también la razón por la que la mujer desnuda está ahí: para exhibirse ante él, el espectador.

(Nota breve: Según Berger, los desnudos de la tradición de la pintura al óleo se centraban en gran medida en el espectador-propietario y reflejaban también la mirada masculina en las propias pinturas. Los desnudos actuales se centran menos en ser deseables y más en romper tabúes. En muchos ejemplos, la mujer se toca su propio cuerpo y desprende una sexualidad que, hasta hace poco, se consideraba un defecto de carácter. Desde el movimiento «Me Too» de 2017, las mujeres han avanzado hacia la aceptación sin complejos de su sexualidad y la rebelión contra la objetivación histórica de sus cuerpos.)

Desnudo frente a desnudo

No todas las pinturas de personas desnudas son desnudos artísticos. Según Berger, estar desnudo es ser uno mismo y que los demás te vean tal y como eres: es vulnerabilidad y honestidad. Por el contrario, posar desnudo es ocultarse y que los demás te vean como un objeto, normalmente para satisfacer una fantasía sexual. No podemos saber con certeza qué siente el sujeto de una imagen, pero Berger afirma que hay tres diferencias principales entre el desnudo artístico y la desnudez que se pueden apreciar visualmente en una imagen:

1. El desnudo es convencionalmente atractivo: el cuerpo de la mujer se representa de una manera que satisface el deseo masculino en una época determinada. La desnudez pone de manifiesto «imperfecciones» según los cánones convencionales.
2. El desnudo está ahí para ser contemplado: ella es plenamente consciente deque es el centro de la atención de un hombre, como se desprende de su mirada y/o de la postura de su cuerpo. La desnudez no implica exhibicionismo ni voyeurismo. La mujer simplemente vive su vida como lo haría cualquiera, lo que en ocasiones requiere estar desnuda.
3. El desnudo es pasivo e inmóvil; a menudo se le representa tumbado en posición supina, y resulta inanimado, tal y como lo sería un objeto. Su rostro es plácido o recatado. La desnudez se plasma mediante el movimiento y la expresión: una toalla que se desliza, una mujer que se mueve con sensualidad o que parece sorprendida son ejemplos que demuestran que se trata de un ser humano vivo.

En términos porcentuales, Berger explica que los desnudos son habituales en la pintura al óleo europea, mientras que la desnudez es poco frecuente. Deduce que esta escasez se debe a que la imagen de una mujer desnuda que no «pertenece» al espectador-propietario no es comercializable.

(Nota breve: Sir Kenneth Clarke, el principal adversario de Berger, sostiene que estar desnudo es carecer de ropa y sentirse expuesto o avergonzado por ello. Es un estado de vulnerabilidad. Estar desnudo, afirma, es algo intencionado y cómodo. Un desnudo representa la figura ideal de una sociedad concreta. Esto significa que un desnudo en un país o en una época será diferente al de otro.)

El impacto de la reproducción

La invención de la cámara (y, por ende, de un medio para reproducir imágenes) cambió para siempre la forma en que se veía, se entendía y se apreciaba el arte. Por primera vez en la historia, el arte podía llegar hasta el espectador, y este podía encontrarse en cualquier parte del mundo. Al desaparecer una forma de mistificación, se abrió paso otra muy distinta: la distorsión intencionada del significado mediante la manipulación física de la imagen.

«La obra de arte en la era de su reproductibilidad técnica», de Walter Benjamin

Berger señala que su análisis en esta sección se inspira en gran medida en el ensayo del filósofo Walter Benjamin«La obra de arte en la era de su reproductibilidad técnica». Benjamin sostenía que la reproducción del arte devalúa lo que él denomina su «aura», es decir, ese poder especial, noble y generador de significado que está presente en la obra original. Sin la conexión con su lugar físico o con esa cualidad del arte que lo hace atemporal —esa cualidad de momento único en el tiempo—, el arte queda expuesto a la cooptación política.

La reproducción aleja la obra de arte de su lugar natural

El significado original de un cuadro se distorsiona cada vez que se contempla en un nuevo lugar. Imagina que estás contemplando un cuadro de Jesucristo en la cruz. Te encuentras frente al cuadro original en una hermosa catedral, rodeado de susurros, vitrales ornamentados y techos altísimos. Ahora imagina que estás mirando una réplica de ese mismo cuadro, colgada en la pared del salón de tu abuela. Es razonable suponer que tu reacción (y tu interpretación de la obra) sería diferente en cada una de estas dos experiencias.

(Nota breve: Aunque los teléfonos inteligentes son, sin duda, una forma de desvincular el arte y la música del lugar, algunos artistas los utilizan para crear obras deliberadamente vinculadas a un lugar concreto. Gracias al GPS, una banda de Washington D. C. creó un álbum que solo se puede escuchar si uno se encuentra en el National Mall y lo reproduce en su teléfono. Si uno se aleja demasiado del Mall, el álbum deja de sonar.)

La reproducción divide el todo en partes

Antes de la reproducción, las pinturas solo se contemplaban y analizaban en su totalidad. Tras la reproducción, las pinturas podían interpretarse basándose en secciones individuales. ¿Por qué alguien mostraría una parte de un cuadro en lugar del conjunto? Berger explica el motivo: cuando una persona tiene la libertad de elegir qué secciones de un cuadro mostrar, adquiere control sobre el mensaje que este transmite. (Nota de Shortform: la tecnología moderna ha hecho que recortar fotos sea fácil e instantáneo. Casi todos los teléfonos inteligentes cuentan con una función de edición de fotos que permite dividir una imagen en partes en un abrir y cerrar de ojos. Se considera poco ético que los periodistas recorten una foto si ello va a alterar su significado, pero algunos medios de comunicación lo hacen de todos modos.)

Cercanía a las palabras

El contenido de las palabras que aparecen debajo o junto a una imagen no es tan importante como la forma en que influye en nuestra interpretación de la misma. Berger señala que, cuando una obra de arte se presenta por sí sola, el espectador la asimila (junto con el entorno, como hemos comentado anteriormente en este capítulo) y le da sentido. Sin embargo, cuando hay palabras, ese proceso creativo se detiene. En su lugar, la imagen se convierte en una ilustración de las palabras.

(Nota breve: Un ejemplo actual de cómo las palabras pueden cambiar el significado de una imagen lo encontramos en los memes. Un meme es una imagen digital que se copia una y otra vez con ligeras variaciones y se difunde, normalmente con fines humorísticos.)

Proximidad a otra imagen

Del mismo modo que las palabras pueden alterar el significado de una imagen, dos imágenes colocadas una al lado de la otra pueden tener el mismo efecto. Berger sostiene que lo que se ve inmediatamente después de una imagen, cuando no hay tiempo para asimilarla, cambia su significado. (Nota de Shortform: Esta es otra estrategia que suelen emplear los medios de comunicación para transmitir un mensaje concreto. Por ejemplo, un periódico podría publicar una foto de una protesta justo al lado de una foto de un político. Esto no significa que la protesta sea sobre él, pero ese es el significado que se deriva de su proximidad.)

La publicidad en la era moderna

Se puede apreciar una línea de continuidad entre la pintura al óleo tradicional y la publicidad moderna.

Cada anuncio que ves ofrece un producto o servicio diferente, pero Berger explica que todos prometen lo mismo: una vida mejor. Al gastar dinero en esto o aquello, tu vida será más divertida, más relajada y más cómoda. Mejorarás como persona. Los demás te envidiarán y te imitarán. (Nota de Shortform: Los ejemplos que utiliza Berger se centran casi exclusivamente en la promesa de ser envidiado. Hoy en día, los anuncios tienden a centrarse más en ofrecer comodidad. Podemos deducir que las exigencias de la época dictan lo que se promete al consumidor.)

Publicidad y reproducción

La mayoría de los anuncios no muestran explícitamente obras de arte, pero cuando lo hacen, Berger señala que recurren a todas las técnicas analizadas en el capítulo sobre la reproducción: la separación de la obra de arte de su ubicación original, la división del conjunto en partes, así como la proximidad a textos y otras imágenes.

Anuncios y pinturas al óleo

Berger establece un vínculo directo entre la tradición de la pintura al óleo y la publicidad de la era moderna, con una clara diferencia: quién es el espectador. En lugar de reflejar la riqueza y el deseo de vuelta hacia los ricos y los deseados, como hacían las pinturas al óleo, los anuncios utilizan las cualidades de estas (objetos deseables que se pueden comprar y vender, las expresiones de autosatisfacción de los propietarios y las élites del pasado) para reflejar un ideal de riqueza, atractivo y estatus dirigido a la persona común. En lugar de imponer un sistema de clases claro y rígido, como hacían las pinturas al óleo bajo las aristocracias, los anuncios imponen el sistema de clases menos rígido, pero aún claro, del presente, en el que es técnicamente posible, aunque improbable, ascender a lo más alto en riqueza y estatus.

(Nota breve: Se ha demostrado que los anunciantes adaptan sus estrategias y la selección de productos en función del estatus socioeconómico del cliente, por lo que tienen un incentivo para mantener a sus clientes dentro de los segmentos que ya han identificado.)

La mistificación de los anuncios

Berger sostiene que el público (especialmente las personas de menor nivel económico) está sometido a una constante mistificación a través de la publicidad. La realidad del mundo queda oculta u oscurecida por los anuncios cada día, y aunque prometen una vida mejor, su objetivo es mantener el statu quo. Tan pronto como compras lo que te anuncian, te ofrecen algo nuevo: la meta se aleja constantemente, quedando siempre fuera de tu alcance. (Nota breve: Facebook ha sido objeto recientemente de un intenso escrutinio por sus prácticas publicitarias, y muchos afirman que sus algoritmos son discriminatorios y opresivos. La ACLU, el Departamento de Vivienda y Desarrollo Urbano de EE. UU., la Ley de Vivienda Justa y otras entidades han presentado demandas contra Facebook).