Resumo em PDF:História, por Robert McKee

As histórias são misteriosas — tal como a música, têm um poder emocional sobre nós que é impossível de explicar. No entanto, o argumentista e especialista em narrativa Robert McKee defende que o poder emocional das histórias não só é explicável, como também é algo que se pode aprender a criar. Em Story, McKee analisa o funcionamento das histórias e utiliza esta teoria para explicar como se pode escrever uma história cativante. O livro destina-se a argumentistas, mas os seus princípios aplicam-se a qualquer tipo de narrativa.

Neste guia, explicaremos quais ingredientes permitem que as histórias envolvam o público tanto no nível emocional quanto intelectual. Você aprenderá como os “ritmos” de ação e reação atuam como força motriz de cenas envolventes e como cenas, sequências e atos se encaixam para formar histórias que prendem a atenção. Forneceremos informações sobre obras anteriores que provavelmente inspiraram Story, como O Herói com Mil Faces, de Joseph Campbell. Também complementaremos os conselhos de escrita de McKee com dicas de outros livros populares, como On Writing, de Stephen King, e Save the Cat!, de Blake Snyder .

(continuação)...

Cada cena termina com uma mudança de valor

Uma série de acontecimentos em que as ações do protagonista acabam por provocar uma ou mais mudanças significativas é o que McKee denomina cena. A cena é a menor unidade narrativa que parece uma história completa. Em Procurando Nemo, uma cena seria os eventos em que Marlin encontra Nemo em sua viagem de classe, acidentalmente incita Nemo a nadar para o mar e não consegue salvar Nemo de ser capturado por um mergulhador. A mudança de valor de Marlin perder seu filho marca o fim da cena.

Como alternativa, combine cenas com sequências

Tal como acontece com os ritmos, os escritores discordam quanto à definição exata da palavra cena. Uma definição comum e potencialmente útil vem de Techniques of the Selling Writer , de Dwight V. Swain. O que Swain chama de cena é mais próximo do que McKee chama de batida — um protagonista tem um objetivo, surge um obstáculo e algo acontece para impedir que o protagonista alcance seu objetivo. No entanto, Swain inclui uma ideia que McKee não inclui, argumentando que toda cena deve ser seguida por uma sequência— o protagonista tem uma reação emocional ao novo obstáculo, contempla sua nova situação e então decide sua próxima ação.

Embora McKee reconheça a importância de fazer com que seus personagens reajam a obstáculos inesperados, ele não enquadra essas sequências como uma contrapartida igualmente importante às próprias cenas, como faz Swain. Dito isso, pensar em sua história em termos de sequências pode ajudá-lo a lembrar-se de dedicar mais tempo aos pensamentos e emoções de seus personagens. Se bem escritas, sequências como essa ajudam seu público a se identificar melhor com seu protagonista (o primeiro ingrediente da história), aumentando o impacto emocional da sua história.

Como intensificar o significado da sua história

Definimos a estrutura narrativa específica que dá significado e emoção a qualquer evento da sua história para o seu público: um protagonista persegue um objetivo, encontra uma série de obstáculos inesperados e faz com que sua vida mude. No entanto, para aumentar o significado e o impacto emocional da sua história, McKee argumenta que você precisa incluir dois ingredientes adicionais:

1. Risco crescente
2. Coerência temática

Vamos discutir como usar cada um desses intensificadores para realçar o significado da sua história.

Intensificador nº 1: Risco crescente

Para aumentar o impacto significativo da sua história, McKee explica que você deve forçar o protagonista a arriscar perder o que ele mais valoriza na busca por um objetivo valioso. Por quê ? Na vida, julgamos o valor de algo pelo quanto estamos dispostos a arriscar ou sacrificar por ele. Assim, criar um protagonista que está disposto a arriscar tudo o que ele valoriza é a maneira mais direta de fazer o público sentir que as ações do protagonista são importantes e significativas. Por outro lado, se o seu protagonista não tiver nada a perder, a história parecerá enfadonha e sem importância.

(Nota resumida: Em Skin in the Game, Nassim Nicholas Taleb inverte essa ideia, argumentando que, se você não está disposto a arriscar algo importante na busca por algo valioso, você não realmente valoriza isso, não importa o que diga. Taleb usa essa ideia para criticar aqueles que afirmam se importar com os outros apenas para lucrar com uma imagem pública “virtuosa”, por exemplo, um político que afirma apoiar ideais igualitários para ganhar mais apoio político.)

Além disso, o ritmo com que você aumenta o risco em sua história é importante: para tornar uma história continuamente interessante, você deve aumentar gradualmente o risco do protagonista ao longo da história, explica McKee. Se o protagonista realizar os mesmos tipos de ações que realizou no início da história, o público saberá que pode esperar os mesmos tipos de resultados e ficará entediado. Em vez disso, se você forçar seu protagonista a tomar medidas cada vez mais arriscadas e extremas, o público saberá que essas ações terão consequências novas e interessantes e ficará cativado.

(Nota resumida: uma estratégia fácil para aumentar naturalmente o risco em sua história é estabelecer um relógio correndo— um limite de tempo que ameaça consequências específicas se seu protagonista não conseguir atingir seu objetivo com rapidez suficiente. Os roteiristas costumam incluir relógios que marcam o tempo; por exemplo, em Matrix, Neo deve resgatar Morpheus na simulação antes que os Sentinels encontrem e matem seu corpo no mundo real. Com um relógio marcando o tempo, seu protagonista tomará medidas cada vez mais arriscadas à medida que o tempo se esgota e ele fica cada vez mais desesperado.)

A história aumenta naturalmente o risco

McKee observa que a necessidade de aumentar o risco é outra razão pela qual o ritmo é a unidade básica da narrativa. Quando a ação de um protagonista encontra uma reação inesperada, isso pode aumentar o risco das ações do protagonista de uma forma crível. É da natureza humana querer satisfazer nossos desejos com o mínimo de risco ou esforço possível. No entanto, quando a maneira mais fácil e óbvia de um protagonista alcançar seu objetivo não funciona, ele precisa tentar uma ação mais trabalhosa e arriscada se ainda quiser alcançá-lo. Depois que isso acontecer várias vezes seguidas, você terá construído uma história crível com altos riscos.

Por exemplo, imagine que um protagonista vê uma criança parada no meio de um cruzamento perigoso. O protagonista grita para a criança se colocar em segurança, mas ela o ignora. Essa reação inesperada força o protagonista a tomar uma atitude mais arriscada: pular na rua e puxar a criança para um local seguro.

Aumente o risco com um arco de personagem

Se você usou batidas para aumentar lentamente as apostas da sua história, mas ainda assim parece que o seu protagonista não tem o suficiente em risco, talvez seja porque o objetivo dele não é importante o suficiente para que ele arrisque tudo para alcançá-lo de forma crível. Se for esse o caso, talvez você precise mudar o objetivo do seu protagonista para algo mais importante no meio da história.

Isso se relaciona com a ideia de um arco de personagem — quando os eventos da sua história mudam fundamentalmente o seu protagonista. Em muitas histórias, o protagonista percebe que o objetivo que tinha no início da história é menos importante do que acreditava e começa a perseguir um novo objetivo que o satisfaz mais profundamente. Então, ele está disposto a se sacrificar mais para alcançar esse novo objetivo, aumentando os riscos da história. Por exemplo, em Mad Max: Estrada da Fúria, Max inicialmente só quer escapar da escravidão, mas no final da história, ele está disposto a arriscar a vida para salvar a vida daqueles com quem está viajando.

McKee provavelmente argumentaria que reviravoltas na história que subvertem as expectativas são a maneira de realizar esse tipo de transformação de personagem. Por padrão, ninguém quer mudar. No entanto, como reviravoltas inesperadas na história fazem com que o protagonista aprenda mais sobre o mundo do que sabia antes, você pode usá-las para mostrar ao seu protagonista as verdades necessárias para desencadear sua mudança de caráter.

Intensificador nº 2: Coerência temática

Além de aumentar o risco, para que uma história tenha o impacto mais significativo possível sobre o público, é necessário que todas as partes da história transmitam o mesmo significado. Esse significado é o tema da sua história, que McKee chama de “ideia controladora”. Embora alguns possam supor que restringir sua história a um único tema limita seu significado, McKee insiste que focar em um tema central oferece ao público uma infinidade de implicações a serem consideradas. Em contrapartida, tentar incluir várias ideias principais confundirá sua história e impedirá o público de encontrar o significado.

(Nota resumida: McKee defende que você construa sua história em torno de um tema para maximizar a chance de o público achar sua história significativa. No entanto, seu público pode interpretar o tema de maneira diferente da que você pretendia. Muitos acreditam que o significado inerente a um texto se sobrepõe a qualquer intenção do autor, uma estrutura teórica conhecida como anti-intencionalismo. Quando você lança uma história ao mundo, deve aceitar o fato de que ela não pertence mais totalmente a você — o público pode usá-la para transmitir suas próprias mensagens. Dito isso, estruturar sua história em torno de uma única ideia, como sugere McKee, provavelmente tornará mais difícil para o público interpretar erroneamente o tema pretendido.)

De acordo com McKee, um tema é sempre uma afirmação específica e verdadeira sobre o mundo que expressa causa e efeito. Essa causa e efeito serão normalmente a mudança final de valor da sua história e a razão para essa mudança. Por exemplo, o tema de Finding Nemo poderia ser expresso como “As crianças vivem vidas plenas quando os pais lhes permitem correr riscos”.

(Nota resumida: a definição de tema de McKee é indiscutivelmente mais útil para escritores do que definições mais comuns e amplas de tema. Temas vagos, de uma única palavra, como “família”, podem fazer com que você escreva uma história que você acha que é tematicamente coesa, mas que, na realidade, não diz nada concreto. Por exemplo, se você estiver tentando escrever uma história sobre “família”, poderá escrever uma cena sobre uma reunião familiar e outra sobre o nascimento de uma criança, mas elas não terão nada a ver uma com a outra em um nível mais profundo. Em contrapartida, se o seu tema for “Você alcança a realização pessoal quando faz sacrifícios pela família”, você poderá identificar imediatamente se essas duas cenas estão transmitindo o mesmo significado coeso.)

Todas as alterações de valor refletem o tema

Como você conecta todas as cenas da sua história a um tema coeso? Lembre-se de que, para criar significado, todas as cenas da sua história terminam com algum tipo de mudança de valor. McKee explica que, para criar coerência temática, a mudança de valor culminante de cada cena deve comprovar a veracidade do seu tema ou o oposto do seu tema, que chamaremos de antitema.

Além disso, McKee afirma que sua história deve alternar entre os dois, de modo que pareça provar uma ideia e, em seguida, seu oposto, repetidamente até o clímax, no qual o tema triunfa definitivamente sobre o antítema. Essa tensão incerta entre duas ideias contraditórias reflete a complexidade da vida de uma forma muito mais crível e significativa do que se você fizesse com que todas as cenas da sua história provassem o mesmo ponto. Isso permite que sua história transmita uma mensagem específica sem nunca dizê-la explicitamente ao público.

Por exemplo, se o tema de Procurando Nemo é “As crianças vivem vidas plenas quando os pais lhes permitem correr riscos”, seu antítese está igualmente presente ao longo do filme: “As crianças se machucam irreversivelmente quando os pais são descuidados o suficiente para colocá-las em perigo”. Isso fica mais evidente no clímax do primeiro ato, quando Nemo é sequestrado, mas está igualmente presente sempre que surgem obstáculos entre Marlin e Nemo. As cenas que dão a impressão de que Marlin não conseguirá encontrar Nemo servem como prova de que Marlin deveria ter sido mais protetor com seu filho desde o início.

A estrutura temática de McKee é dialética

O conceito de narrativa temática de McKee é uma forma de dialética—um padrão de raciocínio com raízes na filosofia grega antiga. A escrita persuasiva, uma discussão em grupo ou um debate construtivo podem ser expressos na forma dialética.

Para apresentar uma ideia como dialética, primeiro você estabelece uma tese— essa é a opinião popular ou suposição básica que a maioria das pessoas tem. Em seguida, você desafia a tese com uma antítese —um ou mais fatos que contradizem a tese. Por fim, conclua com uma síntese— uma nova declaração de verdade que leve em consideração os fatos da tese e da antítese e resolva quaisquer contradições. (Em dialéticas mais longas ou complexas, desafie a síntese com uma antítese adicional e resolva essa lógica em uma nova síntese até ter dito tudo o que precisa dizer.)

Por ser um diálogo equilibrado e imparcial, a dialética é uma forma persuasiva de apresentar qualquer ideia — o que explica por que McKee a utiliza como uma ferramenta poderosa para expressar o tema da sua história. No entanto, essa compreensão da dialética contradiz, sem dúvida, uma das conclusões de McKee. Se as histórias são dialéticas, o tema revelado no clímax da sua história será uma síntese — em vez de um tema triunfando sobre o antítese, você fica com uma visão complexa da vida, argumentando que tanto o tema quanto o antítese são verdadeiros até certo ponto.

Como estruturar uma história

Estabelecemos como as histórias geram significado, bem como quais dispositivos intensificam esse significado (risco crescente e tema coerente). McKee argumenta que, por precisarem incluir todos esses ingredientes, todas as histórias mais impactantes seguem um padrão consistente, ou estrutura narrativa.

As partes essenciais de uma história: clímax e incidente desencadeador

McKee argumenta que a cena mais importante em todas as histórias é o clímax: a mudança final, mais extrema e irreversível em sua história. O clímax da sua história é a cena mais significativa e impacta o público mais intensamente do que qualquer outra cena, devido aos intensificadores que discutimos na seção anterior. O clímax é onde o protagonista arrisca mais e consegue ou falha em atingir seu objetivo. Além disso, o clímax “prova” definitivamente o seu tema, revelando as consequências finais de todas as ações do seu protagonista.

Para criar um clímax significativo de forma eficaz, você também precisa escrever um incidente instigante bem elaborado: uma cena no início da história que crie a primeira grande mudança na vida do seu protagonista. Essa grande mudança lança a vida do protagonista no caos e na incerteza, levando-o a agir em direção ao objetivo que acredita que lhe dará uma vida previsível, desejável e normal. Esse é o objetivo que o protagonista perseguirá durante toda a história, até o clímax.

Em resumo, o incidente desencadeador levanta a questão central da sua história, e o clímax responde a ela. Esses dois eventos formam o núcleo da sua história. O incidente desencadeador de Procurando Nemo é quando Nemo é sequestrado por um mergulhador, e o clímax é quando Marlin e Nemo se reencontram em segurança.

Contrastando as estruturas narrativas ocidentais e orientais

Embora McKee considere essa estrutura narrativa como universal, alguns argumentam que ela é principalmente ocidental, com raízes na Grécia antiga. Por exemplo, muitas histórias na China, Coreia e Japão seguem uma estrutura de quatro atos chamada Kishōtenketsu, e não incluem um incidente desencadeador ou clímax como normalmente os concebemos. Você pode estar familiarizado com Kishōtenketsu pelos filmes de anime do Studio Ghibli, como A Viagem de Chihiro e Meu Amigo Totoro, que normalmente seguem essa estrutura.

O foco das histórias Kishōtenketsu é o crescimento interno, em vez do conflito externo. Elas geralmente retratam um momento comum na vida dos personagens, em vez de uma reviravolta dramática que muda suas vidas. Portanto, elas não precisam de um incidente desencadeador que perturbe radicalmente a vida dos personagens.

Da mesma forma, não há realmente um clímax no final das histórias Kishōtenketsu. Embora às vezes terminem resolvendo um dos principais problemas dos personagens, essa resolução raramente tem como objetivo criar uma sensação de conclusão ou finalidade. Em vez disso, mostra ao público o novo normal dos personagens — muitas vezes o resultado de uma mudança sutil e incompleta de caráter — e dá uma ideia de como suas vidas continuarão daqui em diante.

Tudo o que está entre: cenas, sequências e atos

McKee afirma que as partes da sua história entre o incidente desencadeador e o clímax também seguem um padrão consistente. Esse padrão baseia-se nos meios de criação de significado que já discutimos: em uma cena, um protagonista persegue um objetivo, encontra um obstáculo que subverte suas expectativas e causa uma mudança em sua vida. Para escrever uma história completa, repita esse padrão em um nível mais amplo.

Em outras palavras, a história é fractal: assim como os beats se complementam para formar uma cena, McKee explica que as cenas se complementam para formar uma sequência, que termina com uma mudança mais significativa na vida do protagonista do que qualquer cena isolada. Da mesma forma, uma série de sequências que leva a uma mudança extrema é o que McKee chama de ato, e um pequeno número de atos compõe toda a sua história.

Esse design garante que cada momento contribua para várias mudanças de valor consequentes: o clímax da próxima cena, o clímax da sequência e o clímax do ato. Portanto, cada momento em cada cena parece importante, e os momentos da sua história parecem cada vez mais importantes e significativos à medida que a soma de todas as ações do seu protagonista leva a mudanças maiores.

Por exemplo, o segundo ato de Procurando Nemo envolve uma cena em que Marlin faz amizade com um peixe chamado Dory, criando uma mudança de valor positiva (ganhando um aliado). Essa mudança de valor no nível da cena (entre outras) ajuda Marlin a alcançar uma mudança de valor maior no nível da sequência, em que Dory ajuda Marlin a descobrir o endereço do sequestrador de seu filho (ganhando orientação). Essa sequência (entre outras) ajuda Marlin a chegar com sucesso ao consultório do dentista onde Nemo está sendo mantido — apenas para Marlin descobrir que seu filho Nemo está morto (ou assim ele pensa) em um clímax negativo do segundo ato. Todas as decisões que Marlin toma no segundo ato levaram diretamente a essa mudança climática de valor (perda da família) — se Marlin não tivesse feito amizade com Dory, ele não teria chegado ao consultório do dentista.

McKee afirma que os longas-metragens precisam ter pelo menos três atos para causar o impacto mais significativo no público: três mudanças extremas que viram o mundo do protagonista de cabeça para baixo. Você pode incluir mais de três atos, se quiser, mas incluir menos de três atos faz com que o filme pareça incompleto.

(Nota resumida: Embora McKee defenda que sua história pode ter quantos atos forem necessários, muitos argumentam que todas as histórias eficazes são contadas em no máximo três atos. Essa ideia foi popularizada por Syd Field em seu livro Screenplay, no qual Field estabelece os três atos de Preparação, Confronto e Resolução. Aristóteles também discorda de McKee em Poética, no qual ele argumenta que as histórias devem ter apenas dois atos— antes e depois de uma tragédia ocorrer.)

Atalho: Remova tudo o que puder

A ideia de McKee de que cada momento da história deve contribuir simultaneamente para várias mudanças de valor maiores pode ser mais complexa do que o necessário. Há uma maneira fácil de saber se um momento da história não se encaixa em uma estrutura maior: se você puder remover um momento e a história ainda fizer sentido, esse momento não resulta em uma mudança e, portanto, não contribui para o enredo. Isso porque, se um momento da história causa uma mudança significativa, você verá essa mudança mais adiante na história.

Desde que você se certifique de que sua história tenha pelo menos três mudanças significativas, do tamanho de um ato, e tenha cortado tudo o que não causa essas mudanças, você terá uma história bem estruturada. Você pode aplicar essa mesma lógica a cenas, sequências e até mesmo atos inteiros, se necessário — remova tudo o que não contribua para uma mudança significativa.

Como escrever uma história

Agora que explicamos como as histórias funcionam, vamos descrever especificamente como escrever uma história. McKee detalha o que ele acredita ser o processo ideal de escrita: comece com um esboço, desenvolva-o em um tratamento e, em seguida, refine-o até chegar ao roteiro final. McKee enquadra isso como um processo para roteiristas, mas você pode aplicá-lo a histórias em qualquer meio.

Passo 1: Crie um esboço

O primeiro passo de McKee ao escrever uma história é criar um esboço: uma descrição detalhada de cada um dos momentos importantes da história e das mudanças de valor. Esse esboço é apenas uma descrição do enredo e intencionalmente não inclui diálogos ou descrições no estilo de um roteiro. Como você está essencialmente escrevendo toda a sua história em forma de esboço, essa etapa ocupará a maior parte do seu tempo.

McKee recomenda esboçar muito mais cenas do que você acabará usando. A maneira de encontrar as melhores ideias é escrever o máximo possível, selecionar as melhores e descartar o resto.

(Nota resumida: a razão pela qual escrever mais cenas do que o necessário lhe dá as melhores ideias é que julgar suas ideias enquanto as escreve inibe as partes do seu cérebro necessárias para a criatividade. Se você planeja escrever apenas uma cena, estará constantemente julgando-a para ter certeza de que está boa. No entanto, se você planeja escrever mais cenas do que o necessário, pode se concentrar em ser criativo e julgar suas ideias mais tarde.)

Continue escrevendo cenas envolventes, desenvolvendo o mundo da sua história, até encontrar um clímax que o toque profundamente em um nível emocional. Esse clímax revelará qual é o tema da sua história: a mudança final da sua história e a causa por trás dessa mudança. Então, você pode começar a construir sua história de trás para frente. Como cada momento da sua história deve apoiar o clímax de forma lógica e temática, o clímax lhe dá a direção necessária para começar a solidificar as cenas, sequências e atos da sua história.

Depois de ter uma história completa, McKee recomenda apresentá-la a um amigo. Conte toda a história, detalhe por detalhe. Continue ajustando seu esboço até ter uma história que cause um impacto emocional confiável em seus ouvintes. Dessa forma, você não perde tempo desenvolvendo uma história que não funciona.

(Nota resumida: Em On Writing, Stephen King recomenda escolher um único amigo próximo ou membro da família que será o primeiro a ouvir sua história todas as vezes. De acordo com King, quando você imagina como essa pessoa reagirá à sua história enquanto você está escrevendo, é mais provável que você escreva algo que ressoe com ela.)

Você pode querer pular o esboço

Ao contrário do conselho de McKee, muitos escritores preferem começar o primeiro rascunho de suas histórias sem um esboço. Esse é um processo comumente conhecido como “pantsing”, que significa “improvisar”. Esses escritores acham que podem descobrir ideias melhores escrevendo sem saber para onde a história vai levar. Além disso, eles acham que esboçar suas histórias leva muito tempo e faz com que elas fiquem mais formulaicas e previsíveis.

Se você se sente mais à vontade escrevendo de forma espontânea ou tem dificuldade em estabelecer um esboço, considere escrever um rascunho completo e, em seguida, aplicar a teoria narrativa de McKee. Identifique o clímax, o tema e a estrutura do ato da sua história existente e, em seguida, revise-a para garantir que todos esses elementos estejam alinhados no próximo rascunho.

Como escrever cenas envolventes

Já abordamos o que fazer com as cenas depois de criá-las, mas como criar cenas atraentes em primeiro lugar?

Para criar cenas realistas, você deve criar ritmos realistas. Para isso, McKee recomenda que você coloque seus personagens em uma situação e, em seguida, mergulhe fundo em sua imaginação para descobrir o que você acredita que cada personagem estaria realmente pensando e sentindo nessa situação. Anote qual ação esse personagem tomaria honestamente.

Em seguida, para garantir que cada batida avance sua história, examine sua cena objetivamente e imagine o que poderia acontecer realisticamente que fosse o oposto do que seu protagonista espera. Anote isso, depois volte ao ponto de vista do protagonista e imagine seu próximo movimento. Repita até chegar a uma mudança de valor que marque o fim da cena. McKee afirma que essa oscilação repetida entre pontos de vista subjetivos e objetivos é a chave para escrever cenas envolventes.

O processo de McKee se encaixa na nossa maneira de pensar

O processo de escrita de cenas de McKee faz sentido quando se considera como o nosso cérebro funciona. Em A Mind for Numbers, Barbara Oakley explica que, ao longo do dia, o cérebro alterna naturalmente entre dois modos de pensamento: o modo focado, quando você se concentra em executar uma tarefa lógica, e o modo difuso, quando você relaxa e deixa a mente vagar. Oakley afirma que a maneira mais eficaz de resolver um problema é alternar entre esses dois modos, fazendo uma pausa em uma tarefa lógica intensa sempre que sentir que está ficando preso.

Pode-se dizer que o processo de escrita de cenas de McKee é eficaz, em parte porque obriga você a alternar constantemente entre esses dois modos de pensamento. É principalmente uma atividade do modo difuso — você imagina como seria ser outra pessoa e registra tudo o que parece natural. Em seguida, você muda para o modo focado e determina qual poderia ser o próximo acontecimento inesperado da história. Como você está constantemente mudando para o modo difuso, onde parece não haver respostas erradas, é menos provável que se sinta preso do que se estivesse constantemente quebrando a cabeça para encontrar o próximo acontecimento lógico da trama.

Passo 2: Escreva um tratamento

O segundo passo de McKee na escrita de uma história é transformar seu esboço em um tratamento: uma descrição mais detalhada de cada cena, que cuida de esboçar tanto o texto quanto o subtexto. Ou seja, você não apenas escreve com extremo detalhe o que acontece em cada cena, mas também o que cada personagem está pensando e sentindo — o que realmente os motiva. Se você estiver criando uma história fiel à vida real, esse subtexto interno muitas vezes contradirá o que os personagens parecem estar fazendo superficialmente. Voltando ao nosso exemplo de Procurando Nemo, quando Marlin grita para Nemo: “Você vai ficar preso lá fora!” (texto), ele está expressando: “Espero poder controlar Nemo agindo com raiva. Só estou fazendo isso porque tenho medo que algo aconteça com ele” (subtexto).

Devido a essa diferença entre texto e subtexto, você deve anotar ambas as camadas textuais para garantir que compreende totalmente o que está acontecendo em sua história em cada cena. De acordo com McKee, esse é o objetivo de um tratamento.

(Nota resumida: McKee recomenda delinear seu subtexto como uma ferramenta de diagnóstico para garantir que tudo em sua cena seja fiel à realidade. No entanto, você também pode injetar intencionalmente subtexto em uma cena para torná-la mais atraente, apenas fazendo com que seus personagens evitem dizer o que realmente querem dizer. O subtexto torna uma cena mais envolvente de duas maneiras. Primeiro, ele oculta informações do leitor, gerando curiosidade. Quando o público não tem certeza do que seus personagens estão realmente dizendo, isso os motiva a examinar sua história mais profundamente. Segundo, o subtexto cria conflitos de forma orgânica. Quando os personagens evitam dizer o que realmente estão sentindo, a comunicação se torna mais difícil, o que pode aumentar a tensão nas relações interpessoais.)

Passo 3: Finalize seu roteiro

O último passo na escrita de uma história é aperfeiçoá-la até chegar à sua forma final, explica McKee. É nesse momento que você adiciona diálogos, descrições de cenas e tudo o mais que acabará no produto final. Se você delineou extensivamente o enredo e o subtexto da sua história nas duas etapas anteriores, escrever diálogos será extremamente fácil e natural, já que você compreende profundamente seus personagens como seres humanos.

(Nota resumida: se o diálogo ainda não estiver fluindo facilmente para você nesta fase, há muitos lugares onde você pode buscar inspiração. Preste mais atenção à forma como as pessoas que você conhece na vida real falam. Pesquise dialetos específicos ou jargões técnicos para dar aos seus personagens um vocabulário mais autêntico. Estude como os personagens falam nas suas histórias favoritas.)

McKee observa que qualquer uma dessas três etapas pode exigir uma revisão extensa. Você pode não perceber que sua história não funciona até depois de ter escrito metade do diálogo. Nesse caso, McKee afirma que você deve ter coragem para descartar tudo o que não funciona, não importa quanto tempo tenha gasto escrevendo. Depois de fazer isso, você terá uma história poderosa e bem escrita.

(Nota resumida: essa ideia ecoa o conselho frequentemente repetido aos escritores de “matar seus queridinhos”— em outras palavras, revisar qualquer parte da sua história que não funcione para o público, não importa o quanto você queira mantê-la. Se você está com dificuldade para criar coragem para cortar uma parte da sua história que você adora, tente deixar essa passagem de lado temporariamente (em vez de cortá-la). Saber que você sempre pode colocar a passagem original de volta muitas vezes lhe dará a tranquilidade necessária para escrever algo novo para substituí-la — o que pode ser ainda melhor.)