Resumo do PDF:História, por Robert McKee

As histórias são misteriosas — assim como a música, exercem sobre nós um poder emocional impossível de explicar. No entanto, o roteirista e especialista em narrativa Robert McKee defende que o poder emocional das histórias não só é explicável, como também é algo que se pode aprender a criar. Em *Story*, McKee analisa detalhadamente como as histórias funcionam e usa essa teoria para explicar como se pode escrever uma história envolvente. O livro é voltado para roteiristas, mas seus princípios se aplicam a qualquer tipo de narrativa.

Neste guia, explicaremos quais são os elementos que permitem que as histórias envolvam o público tanto no plano emocional quanto no intelectual. Você aprenderá como os “momentos” de ação e reação funcionam como a força motriz de cenas cativantes e como cenas, sequências e atos se encaixam para formar histórias que prendem a atenção. Apresentaremos o contexto de obras anteriores que provavelmente inspiraram Story, como O Herói de Mil Faces, de Joseph Campbell. Também complementaremos os conselhos de escrita de McKee com dicas de outros livros populares, como On Writing, de Stephen King, e Save the Cat!, de Blake Snyder !

(continuação)...

Cada cena termina com uma mudança de valor

Uma sequência de momentos em que as ações do protagonista acabam por provocar a mudança de um ou mais valores significativos é o que McKee denomina de cena. A cena é a menor unidade narrativa que transmite a sensação de uma história completa. Em Procurando Nemo, uma cena seria os eventos em que Marlin encontra Nemo em sua excursão escolar, acidentalmente incita Nemo a nadar para o mar aberto e não consegue impedir que Nemo seja capturado por um mergulhador. A mudança de valor representada por Marlin perder seu filho marca o fim da cena.

Como alternativa, combine cenas com suas sequências

Assim como no caso dos “beats”, os escritores divergem quanto a uma definição exata da palavra “cena”. Uma definição comum e potencialmente útil vem de Techniques of the Selling Writer , de Dwight V. Swain. O que Swain chama de cena se aproxima mais do que McKee chama de beat — um protagonista tem um objetivo, surge um obstáculo e algo acontece para impedir que o protagonista alcance seu objetivo. No entanto, Swain inclui uma ideia que McKee não menciona, argumentando que toda cena deve ser seguida por uma sequência— o protagonista tem uma reação emocional ao novo obstáculo, reflete sobre sua nova situação e, então, decide qual será sua próxima ação.

Embora McKee reconheça a importância de fazer com que seus personagens reajam a obstáculos inesperados, ele não considera essas sequências como um complemento igualmente importante às próprias cenas, ao contrário do que faz Swain. Dito isso, pensar na sua história em termos de sequências pode ajudá-lo a lembrar-se de dedicar mais tempo aos pensamentos e emoções dos seus personagens. Se bem escritas, sequências como essas ajudam o público a se identificar melhor com o protagonista (o primeiro ingrediente da história), aumentando o impacto emocional da sua narrativa.

Como aprofundar o significado da sua história

Definimos a estrutura narrativa específica que confere significado e emoção a qualquer evento da sua história para o público: um protagonista busca um objetivo, enfrenta uma série de obstáculos inesperados e faz com que sua vida mude. No entanto, para aumentar o significado e o impacto emocional da sua história, McKee argumenta que é preciso incluir dois ingredientes adicionais:

1. Risco crescente
2. Coerência temática

Vamos discutir como usar cada um desses intensificadores para realçar o significado da sua história.

Fator agravante nº 1: Risco crescente

Para intensificar o impacto significativo da sua história, McKee explica que você deve forçar o protagonista a arriscar perder aquilo com que mais se importa na busca por um objetivo valioso. Por quê ? Na vida, avaliamos o valor de algo pelo quanto estamos dispostos a arriscar ou sacrificar por ele. Assim, criar um protagonista disposto a arriscar tudo o que lhe é caro é a maneira mais direta de fazer com que o público sinta que as ações do protagonista são importantes e significativas. Em contrapartida, se o seu protagonista não tem nada a perder, a história parecerá chata e sem importância.

(Nota resumida: Em Skin in the Game, Nassim Nicholas Taleb inverte essa ideia, argumentando que, se você não está disposto a arriscar algo importante na busca por algo valioso, você na verdade não o valoriza, não importa o que afirme. Taleb usa essa ideia para criticar aqueles que afirmam se importar com os outros apenas para lucrar com uma imagem pública “virtuosa”, por exemplo, um político que afirma apoiar ideais igualitários para obter mais apoio político.)

Além disso, o ritmo com que você aumenta o risco na sua história é importante: para manter a história sempre interessante, é preciso elevar gradualmente o risco do protagonista ao longo da narrativa, explica McKee. Se o protagonista realizar o mesmo tipo de ações que realizou no início da história, o público saberá que pode esperar os mesmos resultados e acabará ficando entediado. Em vez disso, se você forçar seu protagonista a tomar ações cada vez mais arriscadas e extremas, o público sabe que essas ações terão consequências novas e interessantes, e ficará cativado.

(Nota rápida: uma estratégia simples para aumentar naturalmente o risco na sua história é criar um relógio de areia— um prazo que ameaça consequências específicas caso o protagonista não consiga atingir seu objetivo a tempo. Os roteiristas costumam incluir relógios que marcam o tempo; por exemplo, em Matrix, Neo precisa resgatar Morpheus na simulação antes que os Sentinelas encontrem e matem seu corpo no mundo real. Com um relógio que marca o tempo, seu protagonista tomará, de forma crível, ações cada vez mais arriscadas à medida que o tempo se esgota e ele fica cada vez mais desesperado.)

Os momentos-chave da história aumentam naturalmente o risco

McKee observa que a necessidade de aumentar o risco é outra razão pela qual o “beat” é a unidade básica da narrativa. Quando a ação de um protagonista encontra uma reação inesperada, isso pode aumentar o risco de suas ações de maneira crível. É uma característica da natureza humana que desejemos realizar nossos anseios com o mínimo de risco ou esforço possível. No entanto, quando a maneira mais fácil e óbvia de um protagonista alcançar seu objetivo não funciona, ele precisa então tentar uma ação que exija mais esforço e seja mais arriscada, caso ainda queira alcançá-lo. Depois que isso acontecer várias vezes seguidas, você terá construído, de forma crível, uma história com altos riscos.

Por exemplo, imagine que um protagonista vê uma criança parada no meio de um cruzamento perigoso. O protagonista grita com a criança para levá-la para um local seguro, mas a criança o ignora. Essa reação inesperada obriga o protagonista a tomar uma atitude mais arriscada: pular para a rua e puxar a criança para um local seguro.

Intensifique o risco com a evolução do personagem

Se você usou momentos-chave para aumentar gradualmente a tensão da sua história, mas ainda assim parece que o protagonista não tem o suficiente em jogo, talvez seja porque o objetivo dele não é importante o suficiente para que ele arrisque tudo de forma convincente para alcançá-lo. Se for esse o caso, talvez seja necessário mudar o objetivo do protagonista para algo mais importante no decorrer da história.

Isso se relaciona com a ideia do arco de desenvolvimento do personagem — quando os acontecimentos da história transformam profundamente o protagonista. Em muitas histórias, o protagonista percebe que o objetivo que tinha no início da trama é menos importante do que imaginava e passa a buscar um novo objetivo que o realize mais profundamente. Então, ele está disposto a se sacrificar mais para alcançar esse novo objetivo, aumentando o que está em jogo na história. Por exemplo, em Mad Max: Estrada da Fúria, Max inicialmente só quer escapar da escravidão, mas, no final da história, ele está disposto a arriscar a vida para salvar aqueles com quem tem viajado.

McKee provavelmente argumentaria que os momentos narrativos que subvertem as expectativas são a maneira de alcançar esse tipo de transformação de personagem. Por natureza, ninguém quer mudar. No entanto, como esses momentos narrativos inesperados levam o protagonista a aprender mais sobre o mundo do que ele sabia antes, você pode usá-los para mostrar ao seu protagonista as verdades necessárias para desencadear sua transformação.

Intensificador nº 2: Coerência temática

Além de aumentar o suspense, para que uma história tenha o maior impacto possível sobre o público, é preciso que pareça que cada parte dela transmita o mesmo significado. Esse significado é o tema da sua história, que McKee denomina de “ideia central”. Embora alguns possam supor que restringir a história a um único tema limite seu significado, McKee insiste que concentrar-se em um tema central oferece ao público uma infinidade de implicações a serem consideradas. Em contrapartida, tentar incluir várias ideias principais confundirá sua história e dificultará que o público encontre um significado.

(Nota resumida: McKee defende que se construa a história em torno de um tema para maximizar a chance de o público considerá-la significativa. No entanto, o público pode interpretar o tema de maneira diferente daquela que você pretendia. Muitos acreditam que o significado inerente a um texto se sobrepõe a qualquer intenção do autor, uma estrutura teórica conhecida como anti-intencionalismo. Ao lançar uma história ao mundo, você deve aceitar o fato de que ela não lhe pertence mais totalmente — o público pode usá-la para transmitir suas próprias mensagens. Dito isso, estruturar sua história de forma coesa em torno de uma única ideia, como sugere McKee, provavelmente tornará mais difícil para o público interpretar erroneamente o tema que você pretendia transmitir.)

Segundo McKee, um tema é sempre uma afirmação específica e verdadeira sobre o mundo que expressa causa e efeito. Essa relação de causa e efeito geralmente corresponde à mudança final de valor da sua história e à razão dessa mudança. Por exemplo, o tema de “Procurando Nemo” poderia ser expresso da seguinte forma: “As crianças levam uma vida plena quando os pais lhes permitem correr riscos”.

(Nota do Shortform: a definição de tema de McKee é, sem dúvida, mais útil para os escritores do que as definições mais comuns e amplas do termo. Temas vagos, resumidos a uma única palavra, como “família”, podem levar você a escrever uma história que parece tematicamente coesa, mas que , na realidade, não diz nada concreto. Por exemplo, se você estiver tentando escrever uma história sobre “família”, pode escrever uma cena sobre uma reunião familiar e outra sobre o nascimento de uma criança, mas elas não têm nada a ver uma com a outra em um nível mais profundo. Em contrapartida, se o seu tema for “Você alcança a realização pessoal quando faz sacrifícios pela família”, você pode perceber imediatamente se essas duas cenas estão transmitindo o mesmo significado coeso.)

Todas as alterações de valor refletem o tema

Como você conecta todas as cenas da sua história a um tema coeso? Lembre-se de que, para criar significado, cada cena da sua história termina com algum tipo de mudança de valor. McKee explica que, para criar coerência temática, a mudança de valor culminante de cada cena deve comprovar a veracidade do seu tema ou, ao contrário, o oposto do seu tema, ao qual chamaremos de antitéma.

Além disso, McKee afirma que a história deve alternar entre as duas, de modo a parecer provar uma ideia e, em seguida, seu oposto, repetidamente até o clímax, no qual o tema triunfa definitivamente sobre o antitéma. Essa tensão incerta entre duas ideias contraditórias reflete a complexidade da vida de uma forma muito mais crível e significativa do que se você fizesse com que todas as cenas da história provassem o mesmo ponto. Isso permite que sua história transmita uma mensagem específica sem nunca dizê-la explicitamente ao público.

Por exemplo, se o tema de “Procurando Nemo” é “As crianças levam uma vida plena quando os pais lhes permitem correr riscos”, seu antitéma está igualmente presente ao longo do filme: “As crianças se machucam de forma irreversível quando os pais são descuidados a ponto de colocá-las em perigo”. Isso fica mais evidente no clímax do primeiro ato, quando Nemo é sequestrado, mas está igualmente presente sempre que surgem obstáculos entre Marlin e Nemo. Cenas que dão a impressão de que Marlin não conseguirá encontrar Nemo servem como prova de que Marlin deveria ter sido mais protetor com seu filho desde o início.

A estrutura temática de McKee é dialética

O conceito de narrativa temática de McKee é uma forma de dialética—um padrão de raciocínio com raízes na filosofia grega antiga. A redação persuasiva, uma discussão em grupo ou um debate construtivo podem todos ser expressos na forma dialética.

Para apresentar uma ideia de forma dialética, primeiro se estabelece uma tese— essa é a opinião popular ou o pressuposto básico que a maioria das pessoas tem. Em seguida, desafia-se a tese com uma antítese —um ou mais fatos que a contradizem. Por fim, conclui-se com uma síntese— uma nova declaração de verdade que leva em conta os fatos tanto da tese quanto da antítese e resolve quaisquer contradições. (Em dialéticas mais longas ou complexas, desafia-se então a síntese com uma antítese adicional e resolve-se essa lógica em uma nova síntese até que se tenha dito tudo o que é necessário dizer.)

Por ser um diálogo equilibrado e imparcial, a dialética é uma forma persuasiva de apresentar qualquer ideia — o que explica por que McKee a utiliza como uma ferramenta poderosa para expressar o tema da sua história. No entanto, essa compreensão da dialética contradiz, sem dúvida, uma das conclusões de McKee. Se as histórias são dialéticas, o tema revelado no clímax da sua história será uma síntese — em vez de um tema triunfando sobre o antitéma, você fica com uma visão complexa da vida, argumentando que tanto o tema quanto o antitéma são verdadeiros até certo ponto.

Como estruturar uma história

Já vimos como as histórias geram significado e quais recursos intensificam esse significado (o aumento do risco e um tema coerente). McKee argumenta que, por precisarem incluir todos esses ingredientes, todas as histórias mais impactantes seguem um padrão consistente, ou seja, uma estrutura narrativa.

Os elementos essenciais de uma história: o clímax e o incidente desencadeador

McKee argumenta que a cena mais importante em todas as histórias é o clímax: a mudança final, mais radical e irreversível da sua história. O clímax da sua história é a cena mais significativa e impacta o público mais intensamente do que qualquer outra cena, devido aos intensificadores que discutimos na seção anterior. O clímax é onde o protagonista arrisca mais e consegue ou não atingir seu objetivo. Além disso, o clímax “comprova” definitivamente o seu tema, revelando as consequências finais de todas as ações do seu protagonista.

Para criar um clímax significativo de forma eficaz, você também precisa escrever um incidente desencadeador bem elaborado: uma cena no início da história que provoque a primeira grande mudança na vida do seu protagonista. Essa grande mudança lança a vida do protagonista no caos e na incerteza, levando-o a agir em direção ao objetivo que acredita que lhe proporcionará uma vida previsível, desejável e normal. Esse é o objetivo que o protagonista perseguirá durante toda a história, até o clímax.

Em resumo, o incidente desencadeador levanta a questão central da sua história, e o clímax a responde. Esses dois eventos constituem o cerne da sua história. O incidente desencadeador de “Procurando Nemo” é quando Nemo é sequestrado por um mergulhador, e o clímax é quando Marlin e Nemo se reencontram em segurança.

Contraste entre as estruturas narrativas ocidentais e orientais

Embora McKee apresente essa estrutura narrativa como universal, há quem argumente que ela é essencialmente ocidental, com raízes na Grécia Antiga. Por exemplo, muitas histórias na China, na Coreia e no Japão seguem uma estrutura de quatro atos chamada Kishōtenketsu, e não incluem um incidente desencadeador ou um clímax tal como normalmente os concebemos. Você talvez conheça o Kishōtenketsu dos filmes de anime do Studio Ghibli, como A Viagem de Chihiro e Meu Amigo Totoro, que geralmente seguem essa estrutura.

O foco das histórias de Kishōtenketsu é o crescimento interior, e não o conflito externo. Elas costumam retratar um momento comum na vida dos personagens, em vez de uma reviravolta dramática que mude o rumo de suas vidas. Assim, não precisam de um incidente desencadeador que perturbe radicalmente a vida dos personagens.

Da mesma forma, não há realmente um clímax no final das histórias do tipo Kishōtenketsu. Embora às vezes terminem com a resolução de um dos principais problemas dos personagens, essa resolução raramente tem o objetivo de criar uma sensação de conclusão ou finalidade. Em vez disso, ela mostra ao público o novo cotidiano dos personagens — muitas vezes resultado de uma mudança sutil e incompleta na personalidade — e dá uma ideia de como suas vidas continuarão daqui em diante.

Tudo o que está entre: cenas, sequências e atos

McKee afirma que as partes da sua história entre o incidente desencadeador e o clímax também seguem um padrão consistente. Esse padrão se baseia nos meios de criar significado que já discutimos: em uma cena, o protagonista busca um objetivo, depara-se com um obstáculo que subverte suas expectativas e provoca uma mudança em sua vida. Para escrever uma história completa, repita esse padrão em um nível mais amplo.

Em outras palavras, a história é fractal: assim como os momentos se encadeiam para formar uma cena, McKee explica que as cenas se encadeiam para formar uma sequência, que culmina em uma mudança mais significativa na vida do protagonista do que qualquer cena isolada. Da mesma forma, uma série de sequências que conduz a uma mudança radical é o que McKee chama de ato, e um número muito reduzido de atos compõe toda a história.

Essa estrutura garante que cada momento contribua para várias mudanças significativas: o clímax da cena seguinte, o clímax da sequência e o clímax do ato. Assim, cada momento em cada cena parece importante, e os momentos da sua história ganham cada vez mais importância e significado à medida que a soma de todas as ações do protagonista leva a mudanças cada vez maiores.

Por exemplo, o segundo ato de “Procurando Nemo” inclui uma cena em que Marlin faz amizade com um peixe chamado Dory, gerando uma mudança de valor positiva (ganhar uma aliada). Essa mudança de valor no nível da cena (entre outras) ajuda Marlin a alcançar uma mudança de valor mais ampla no nível da sequência, na qual Dory ajuda Marlin a descobrir o endereço do sequestrador de seu filho (ganhar uma direção). Essa sequência (entre outras) ajuda Marlin a chegar com sucesso ao consultório do dentista onde Nemo está sendo mantido — apenas para Marlin descobrir que seu filho Nemo está morto (ou assim ele pensa) em um clímax negativo do Segundo Ato. Cada decisão que Marlin toma no Segundo Ato levou diretamente a essa mudança de valor culminante (perda da família) — se Marlin não tivesse feito amizade com Dory, ele não teria chegado ao consultório do dentista.

McKee afirma que os longas-metragens precisam ter pelo menos três atos para causar o maior impacto possível no público: três mudanças radicais que viram o mundo do protagonista de cabeça para baixo. Você pode incluir mais de três atos, se quiser, mas incluir menos de três faz com que o filme pareça incompleto.

(Nota resumida: Embora McKee defenda que sua história pode ter quantos atos forem necessários, muitos argumentam que todas as histórias eficazes são contadas em no máximo três atos. Essa ideia foi popularizada por Syd Field em seu livro Screenplay, no qual Field estabelece os três atos: Introdução, Conflito e Resolução. Aristóteles também discorda de McKee em Poética, onde defende que as histórias devem ter apenas dois atos— antes e depois de uma tragédia ocorrer.)

Dica rápida: Remova tudo o que puder

A ideia de McKee de que cada momento da história deve contribuir simultaneamente para várias mudanças de valor mais amplas pode ser mais complexa do que o necessário. Há uma maneira fácil de saber se um momento da história não se encaixa em uma estrutura maior: se você puder remover um momento e a história ainda fizer todo o sentido, esse momento não resulta em uma mudança e, portanto, não está contribuindo para o enredo. Isso porque, se um momento da história causa uma mudança significativa, você verá essa mudança mais adiante na história.

Desde que você se certifique de que sua história tenha pelo menos três mudanças significativas, do tamanho de um ato, e tenha eliminado tudo o que não contribua para essas mudanças, você terá uma história bem estruturada. Você pode aplicar essa mesma lógica a cenas, sequências e até mesmo a atos inteiros, se necessário — remova tudo o que não contribua para uma mudança significativa.

Como escrever uma história

Agora que explicamos como as histórias funcionam, vamos descrever especificamente como escrever uma história. McKee detalha o que ele considera ser o processo de escrita ideal: comece com um esboço, desenvolva-o em um tratamento e, por fim, refine-o até chegar ao roteiro final. McKee apresenta isso como um processo para roteiristas, mas você pode aplicá-lo a histórias em qualquer meio de comunicação.

Passo 1: Crie um esboço

O primeiro passo de McKee ao escrever uma história é criar um esboço: uma descrição detalhada de cada um dos momentos-chave e mudanças de tom da história. Esse esboço é apenas uma descrição do enredo e, intencionalmente, não inclui diálogos nem descrições no estilo de roteiro. Como você está, essencialmente, escrevendo toda a sua história na forma de esboço, essa etapa ocupará a maior parte do seu tempo.

McKee recomenda esboçar muito mais cenas do que aquelas que você acabará usando. A maneira de encontrar as melhores ideias é escrever o máximo possível delas, depois selecionar as melhores e descartar o resto.

(Nota resumida: a razão pela qual escrever mais cenas do que o necessário gera as melhores ideias é que julgar suas ideias à medida que as escreve inibe as partes do cérebro necessárias para a criatividade. Se você planeja escrever apenas uma cena, ficará constantemente avaliando-a para ter certeza de que está boa. No entanto, se planeja escrever mais cenas do que o necessário, poderá se concentrar em ser criativo e avaliar suas ideias mais tarde.)

Continue escrevendo cenas envolventes, desenvolvendo o universo da sua história, até encontrar um clímax que o toque profundamente no plano emocional. Esse clímax revelará qual é o tema da sua história: a transformação final da sua história e a causa por trás dessa transformação. Então, você pode começar a construir sua história de trás para frente. Como cada momento da sua história deve apoiar o clímax de forma lógica e temática, o clímax lhe dá a direção necessária para começar a solidificar as cenas, sequências e atos da sua história.

Quando tiver uma história completa, McKee recomenda apresentá-la a um amigo. Conte a história inteira, passo a passo. Continue aprimorando seu esboço até ter uma história que cause um impacto emocional garantido nos seus ouvintes. Dessa forma, você não perde tempo desenvolvendo uma história que não funciona.

(Nota resumida: Em Sobre a Escrita, Stephen King recomenda escolher um único amigo íntimo ou membro da família que será o primeiro a ouvir sua história todas as vezes. Segundo King, quando você imagina como essa pessoa reagirá à sua história enquanto escreve, é mais provável que você escreva algo que a toque.)

Talvez seja melhor pular o esboço

Ao contrário do que aconselha McKee, muitos escritores preferem começar o primeiro rascunho de suas histórias sem um esboço. Esse é um processo comumente conhecido como “pantsing”, ou seja, “improvisar”. Esses escritores acreditam que conseguem descobrir ideias melhores ao escrever sem saber para onde a história está indo. Além disso, eles acham que esboçar suas histórias toma muito tempo no início e faz com que elas fiquem mais padronizadas e previsíveis.

Se você se sente mais à vontade escrevendo “na hora”, ou se está tendo dificuldade para traçar um esboço, considere escrever um rascunho completo e, só depois, aplicar a teoria narrativa de McKee. Identifique o clímax, o tema e a estrutura em atos da sua história atual e, em seguida, revise-a para garantir que todos esses elementos estejam alinhados no próximo rascunho.

Como escrever cenas envolventes

Já falamos sobre o que fazer com as cenas depois de criá-las, mas como é que se cria cenas envolventes para começar?

Para criar cenas que pareçam reais, é preciso criar momentos realistas. Para isso, McKee recomenda que você coloque seus personagens em uma situação e, em seguida, mergulhe fundo na sua imaginação para descobrir o que você acredita que cada personagem estaria realmente pensando e sentindo naquela situação. Anote qual ação aquele personagem tomaria honestamente.

Em seguida, para garantir que cada momento faça a história avançar, examine sua cena de forma objetiva e imagine o que poderia acontecer na realidade que fosse o oposto do que seu protagonista espera. Anote isso e, em seguida, volte ao ponto de vista do protagonista e imagine qual será o próximo passo dele. Repita esse processo até chegar a uma mudança de valor que marque o fim da cena. McKee afirma que essa oscilação repetida entre os pontos de vista subjetivo e objetivo é a chave para escrever cenas envolventes.

O processo de McKee se encaixa na nossa maneira de pensar

O processo de criação de cenas de McKee faz sentido quando se leva em conta como funciona o nosso cérebro. Em A Mind for Numbers, Barbara Oakley explica que, ao longo do dia, o cérebro alterna naturalmente entre dois modos de pensamento: o modo focado, quando você se concentra na execução de uma tarefa lógica; e o modo difuso, quando você relaxa e deixa a mente vagar. Oakley afirma que a maneira mais eficaz de resolver um problema é alternar entre esses dois modos, fazendo uma pausa em uma tarefa lógica intensa sempre que sentir que está ficando preso.

Pode-se dizer que o processo de criação de cenas de McKee é eficaz, em parte, porque nos obriga a alternar constantemente entre esses dois modos de pensamento. Trata-se principalmente de uma atividade no modo difuso — você imagina como seria ser outra pessoa e registra tudo o que parecer natural. Em seguida, você muda para o modo focado e determina qual poderia ser o próximo giro inesperado da história. Como você está constantemente alternando para o modo difuso, onde parece que não há respostas erradas, é menos provável que você se sinta bloqueado do que se estivesse constantemente quebrando a cabeça para encontrar o próximo evento lógico do enredo.

Passo 2: Escreva um tratamento

O segundo passo de McKee na escrita de uma história é transformar seu esboço em um tratamento: uma descrição mais detalhada de cada cena que se preocupe em delinear tanto o texto quanto o subtexto. Ou seja, você não apenas descreve com extremo detalhe o que acontece em cada cena, mas também o que cada personagem está pensando e sentindo — o que realmente os motiva. Se você estiver criando uma história fiel à vida real, esse subtexto interno frequentemente contradirá o que os personagens aparentam estar fazendo superficialmente. Voltando ao nosso exemplo de Procurando Nemo, quando Marlin grita com Nemo: “Você vai ficar preso lá fora!” (texto), ele está expressando: “Espero conseguir controlar Nemo fingindo estar com raiva. Só estou fazendo isso porque estou apavorado com a possibilidade de algo acontecer com ele” (subtexto).

Devido a essa diferença entre texto e subtexto, é preciso registrar ambas as camadas textuais para garantir que você compreenda plenamente o que está acontecendo na sua história em cada cena. Segundo McKee, esse é o objetivo de um tratamento.

(Nota resumida: McKee recomenda esboçar o subtexto como uma ferramenta de diagnóstico para garantir que tudo na cena seja realista. No entanto, você também pode inserir subtexto intencionalmente em uma cena para torná-la mais envolvente, simplesmente fazendo com que seus personagens evitem dizer o que realmente pensam. O subtexto torna uma cena mais envolvente de duas maneiras. Primeiro, ele retém informações do leitor, gerando curiosidade. Quando o público não tem certeza do que seus personagens estão realmente dizendo, isso o motiva a se aprofundar na sua história. Segundo, o subtexto cria conflito de forma orgânica. Quando os personagens evitam dizer o que realmente estão sentindo, isso dificulta a comunicação, o que pode aumentar a tensão nas relações interpessoais.)

Passo 3: Finalize seu roteiro

A última etapa na redação de uma história é aperfeiçoá-la até sua forma final, explica McKee. É nesse momento que você adicionará diálogos, descrições de cenas e tudo o mais que fará parte do produto final. Se você tiver esboçado detalhadamente o enredo e o subtexto da sua história nas duas etapas anteriores, escrever diálogos será extremamente fácil e natural, já que você compreende profundamente seus personagens como seres humanos.

(Nota rápida: se ainda estiver com dificuldade para criar diálogos nesta fase, há muitos lugares onde você pode buscar inspiração. Preste mais atenção à maneira como as pessoas que você conhece na vida real falam. Pesquise dialetos específicos ou jargões técnicos para dar aos seus personagens um vocabulário mais autêntico. Estude como os personagens falam nas suas histórias favoritas.)

McKee observa que qualquer uma dessas três etapas pode exigir uma revisão profunda. Você pode não perceber que sua história não funciona até chegar na metade da redação dos diálogos. Nesse caso, McKee afirma que você deve reunir coragem para descartar tudo o que não funcionar, independentemente do tempo que tenha dedicado à redação. Depois de fazer isso, você ficará com uma história impactante e bem escrita.

(Nota rápida: essa ideia ecoa o conselho de escrita frequentemente repetido de “matar seus queridinhos”— em outras palavras, revise qualquer parte da sua história que não funcione para o público, por mais que você queira mantê-la. Se você está tendo dificuldade em reunir coragem para cortar uma parte da sua história pela qual é apaixonado, tente deixar essa passagem de lado temporariamente (em vez de cortá-la). Saber que você sempre pode recolocar a passagem original frequentemente lhe dará a tranquilidade necessária para escrever algo novo para substituí-la — o que pode ser ainda melhor.)