Resumen en PDF:Historia, por Robert McKee

Las historias son misteriosas: al igual que la música, ejercen sobre nosotros un poder emocional imposible de explicar. Sin embargo, el guionista y experto en narrativa Robert McKee sostiene que el poder emocional de las historias no solo es explicable, sino que también se puede aprender a crear. En Story, McKee analiza cómo funcionan las historias y utiliza esta teoría para explicar cómo se puede escribir una historia apasionante. El libro está dirigido a guionistas, pero sus principios se aplican a cualquier tipo de narrativa.

En esta guía, explicaremos qué ingredientes permiten que las historias atraigan al público tanto a nivel emocional como intelectual. Aprenderás cómo los «ritmos» de acción y reacción actúan como fuerza motriz de escenas cautivadoras y cómo las escenas, secuencias y actos encajan entre sí para formar historias que mantienen la atención. Proporcionaremos información sobre obras anteriores que probablemente inspiraron Story, como El héroe de las mil caras, de Joseph Campbell. También complementaremos los consejos de escritura de McKee con sugerencias de otros libros populares, como On Writing, de Stephen King, y Save the Cat!, de Blake Snyder .

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Cada escena termina con un cambio de valor.

Una serie de acontecimientos en los que las acciones del protagonista provocan finalmente uno o varios cambios significativos es lo que McKee denomina «escena». La escena es la unidad más pequeña de la narración que se percibe como una historia completa. En Buscando a Nemo, una escena sería los acontecimientos en los que Marlin encuentra a Nemo en su viaje escolar, accidentalmente incita a Nemo a nadar hacia el mar y no consigue salvar a Nemo de ser capturado por un buceador. El cambio de valor de Marlin al perder a su hijo marca el final de la escena.

Como alternativa, empareja escenas con secuelas.

Al igual que con los ritmos, los escritores no se ponen de acuerdo sobre la definición exacta de la palabra «escena». Una definición común y potencialmente útil proviene de Técnicas del escritor comercial , de Dwight V. Swain. Lo que Swain denomina «escena» se acerca más a lo que McKee denomina «beat»: el protagonista tiene un objetivo, surge un obstáculo y ocurre algo que le impide alcanzar su objetivo. Sin embargo, Swain incluye una idea que McKee no tiene en cuenta, al argumentar que cada escena debe ir seguida de una secuela: el protagonista tiene una reacción emocional ante su nuevo obstáculo, reflexiona sobre su nueva situación y luego decide cuál será su siguiente acción.

Aunque McKee reconoce la importancia de que tus personajes reaccionen ante obstáculos inesperados, no considera estas secuelas como una contrapartida igualmente importante de las propias escenas, como hace Swain. Dicho esto, pensar en tu historia en términos de secuelas puede ayudarte a recordar que debes dedicar más tiempo a los pensamientos y emociones de tus personajes. Si están bien escritas, las secuelas como estas ayudan a tu público a empatizar mejor con tu protagonista (el primer ingrediente de la historia), lo que aumenta el impacto emocional de tu historia.

Cómo intensificar el significado de tu historia

Hemos definido la estructura narrativa específica que le da significado y emoción a cualquier evento de tu historia para tu público: un protagonista persigue un objetivo, se encuentra con una serie de obstáculos inesperados y provoca un cambio en su vida. Sin embargo, para aumentar el significado y el impacto emocional de tu historia, McKee sostiene que es necesario incluir dos ingredientes adicionales:

1. Riesgo creciente
2. Coherencia temática

Analicemos cómo utilizar cada uno de estos intensificadores para realzar el significado de tu historia.

Intensificador n.º 1: Riesgo creciente

Para aumentar el impacto significativo de tu historia, McKee explica que debes obligar a tu protagonista a arriesgarse a perder lo que más le importa en la búsqueda de un objetivo valioso. ¿Por qué ? En la vida, juzgamos el valor de algo por lo que estamos dispuestos a arriesgar o sacrificar por ello. Por lo tanto, crear un protagonista que esté dispuesto a arriesgar todo lo que le importa es la forma más directa de hacer que el público sienta que las acciones del protagonista son importantes y significativas. Por el contrario, si tu protagonista no tiene nada que perder, la historia resultará aburrida e intrascendente.

(Nota breve: En Skin in the Game, Nassim Nicholas Taleb da la vuelta a esta idea y sostiene que, si no estás dispuesto a arriesgar algo importante en la búsqueda de algo valioso, en realidad no lo valoras, digas lo que digas. Taleb utiliza esta idea para criticar a aquellos que afirman preocuparse por los demás únicamente para beneficiarse de una imagen pública «virtuosa», por ejemplo, un político que afirma apoyar los ideales igualitarios para obtener más apoyo político).

Además, el ritmo al que aumentas el riesgo en tu historia es importante: para que una historia sea interesante de principio a fin, debes aumentar gradualmente el riesgo al que se enfrenta el protagonista a lo largo de la trama, explica McKee. Si el protagonista realiza el mismo tipo de acciones que al principio de la historia, el público sabe que puede esperar el mismo tipo de resultados y se aburrirá. En cambio, si obligas al protagonista a realizar acciones cada vez más arriesgadas y extremas, el público sabrá que estas acciones tendrán consecuencias nuevas e interesantes, y quedará cautivado.

(Nota breve: una estrategia sencilla para aumentar el riesgo de forma natural en tu historia es establecer un reloj que marque el tiempo, un límite de tiempo que amenace con consecuencias específicas si tu protagonista no logra su objetivo con la suficiente rapidez. Los guionistas suelen incluir relojes que marcan el tiempo; por ejemplo, en Matrix, Neo debe rescatar a Morfeo en la simulación antes de que los centinelas encuentren y maten su cuerpo en el mundo real. Con un reloj que marca el tiempo, tu protagonista tomará medidas cada vez más arriesgadas a medida que se le acaba el tiempo y se vuelve cada vez más desesperado).

Los giros argumentales aumentan naturalmente el riesgo.

McKee señala que la necesidad de aumentar el riesgo es otra razón por la que el ritmo es la unidad básica de la narración. Cuando la acción de un protagonista se encuentra con una reacción inesperada, puede aumentar el riesgo de las acciones del protagonista de una manera creíble. Es una realidad de la naturaleza humana que queramos satisfacer nuestros deseos con el menor riesgo o esfuerzo posible. Sin embargo, cuando la forma más fácil y obvia de que un protagonista alcance su objetivo no funciona, debe intentar una acción más laboriosa y arriesgada si aún quiere alcanzarlo. Después de que esto suceda varias veces seguidas, habrás construido de forma creíble una historia con mucho en juego.

Por ejemplo, imagina que un protagonista ve a un niño parado en medio de una intersección peligrosa. El protagonista le grita al niño para que se ponga a salvo, pero el niño lo ignora. Esta reacción inesperada obliga al protagonista a tomar una medida más arriesgada: saltar a la calle y tirar del niño para ponerlo a salvo.

Aumenta el riesgo con un arco narrativo del personaje

Si has utilizado ritmos para aumentar lentamente la tensión de tu historia, pero sigues sintiendo que tu protagonista no tiene lo suficiente en juego, puede que sea porque su objetivo no es lo suficientemente importante como para que arriesgue todo por conseguirlo de forma creíble. Si este es el caso, puede que tengas que cambiar el objetivo de tu protagonista por algo más importante a mitad de la historia.

Esto se relaciona con la idea del arco del personaje, es decir, cuando los acontecimientos de la historia cambian radicalmente al protagonista. En muchas historias, el protagonista se da cuenta de que el objetivo que tenía al principio de la historia es menos importante de lo que creía, y comienza a perseguir un nuevo objetivo que le llena más profundamente. Entonces, está dispuesto a sacrificar más para alcanzar este nuevo objetivo, lo que aumenta el interés de la historia. Por ejemplo, en Mad Max: Fury Road, Max inicialmente solo quiere escapar de la esclavitud, pero al final de la historia, está dispuesto a arriesgar su vida para salvar la de aquellos con los que ha estado viajando.

McKee probablemente argumentaría que los giros argumentales que subvierten las expectativas son la forma de lograr este tipo de transformación del personaje. Por defecto, nadie quiere cambiar. Sin embargo, dado que los giros argumentales inesperados hacen que el protagonista aprenda más sobre el mundo de lo que sabía antes, puedes utilizarlos para mostrarle las verdades necesarias para provocar su cambio de carácter.

Intensificador n.º 2: Coherencia temática

Además de aumentar el riesgo, para que una historia tenga el mayor impacto posible en el público, debe dar la sensación de que cada parte de la historia transmite el mismo significado. Este significado es el tema de tu historia, lo que McKee denomina «idea controladora». Aunque algunos pueden suponer que limitar tu historia a un solo tema restringe su significado, McKee insiste en que centrarse en un tema central ofrece al público una multitud de implicaciones que considerar. Por el contrario, intentar incluir varias ideas principales confundirá tu historia y dificultará que el público encuentre su significado.

(Nota breve: McKee recomienda construir la historia en torno a un tema para maximizar las posibilidades de que el público la encuentre significativa. Sin embargo, es posible que el público interprete el tema de forma diferente a la que usted pretendía. Muchos creen que el significado inherente de un texto prevalece sobre cualquier intención del autor, un marco teórico conocido como antiintencionalismo. Cuando publicas una historia, debes aceptar el hecho de que ya no te pertenece por completo: el público puede utilizarla para transmitir sus propios mensajes. Dicho esto, estructurar tu historia en torno a una sola idea, como sugiere McKee, hará que sea más difícil que el público malinterprete el tema que tú pretendes transmitir).

Según McKee, un tema es siempre una afirmación específica y veraz sobre el mundo que expresa causa y efecto. Esta causa y efecto suelen ser el cambio de valor final de tu historia y la razón de ese cambio. Por ejemplo, el tema de Buscando a Nemo podría expresarse como «Los niños viven vidas plenas cuando los padres les permiten asumir riesgos».

(Nota breve: la definición de tema de McKee es posiblemente más útil para los escritores que las definiciones más comunes y amplias de tema. Los temas vagos y de una sola palabra, como «familia», pueden llevarte a escribir una historia que crees que es temáticamente coherente, pero que en realidad no dice nada concreto. Por ejemplo, si intentas escribir una historia sobre la «familia», podrías escribir una escena sobre una reunión familiar y otra sobre el nacimiento de un niño, pero estas no tendrían nada que ver entre sí a un nivel más profundo. Por el contrario, si tu tema es «Se alcanza la realización personal cuando se hacen sacrificios por la familia», puedes detectar inmediatamente si estas dos escenas transmiten el mismo significado coherente).

Todos los cambios de valor reflejan el tema.

¿Cómo conectas cada escena de tu historia con un tema coherente? Recuerda que, para crear significado, cada escena de tu historia termina con algún tipo de cambio de valor. McKee explica que, para crear coherencia temática, el cambio de valor culminante de cada escena debe demostrar la veracidad de tu tema o lo contrario de tu tema, lo que llamaremos antitema.

Además, McKee afirma que tu historia debe alternar entre ambos, de modo que parezca demostrar una idea y luego su contraria, una y otra vez hasta el clímax, en el que el tema triunfa definitivamente sobre el antitema. Esta tensión incierta entre dos ideas contradictorias refleja la complejidad de la vida de una manera mucho más creíble y significativa que si hicieras que todas las escenas de tu historia demostraran lo mismo. Esto permite que tu historia transmita un mensaje específico sin tener que decírselo explícitamente al público.

Por ejemplo, si el tema de Buscando a Nemo es «Los niños viven vidas plenas cuando los padres les permiten asumir riesgos», su antitema está igualmente presente a lo largo de la película: «Los niños se hacen daño irreversible cuando los padres son lo suficientemente descuidados como para ponerlos en peligro». Esto es más evidente en el clímax del primer acto, cuando Nemo es secuestrado, pero también está presente cada vez que surgen obstáculos entre Marlin y Nemo. Las escenas que dan a entender que Marlin no podrá encontrar a Nemo sirven como prueba de que Marlin debería haber protegido más a su hijo desde el principio.

La estructura temática de McKee es dialéctica.

El concepto de narración temática de McKee es una forma de dialéctica,un patrón de razonamiento con raíces en la filosofía griega antigua. La escritura persuasiva, una discusión en grupo o un debate constructivo se pueden expresar en forma dialéctica.

Para presentar una idea como dialéctica, primero se establece una tesis, que es la opinión popular o la suposición básica que tiene la mayoría de la gente. A continuación, se cuestiona la tesis con una antítesis, es decir,uno o varios hechos que contradicen la tesis. Por último, se concluye con una síntesis, una nueva declaración de verdad que tiene en cuenta los hechos tanto de la tesis como de la antítesis y resuelve cualquier contradicción. (En una dialéctica más larga o compleja, se cuestiona la síntesis con una antítesis adicional y se resuelve esa lógica en una nueva síntesis hasta que se haya dicho todo lo que se necesita decir).

Al tratarse de un diálogo equilibrado e imparcial, la dialéctica es una forma persuasiva de presentar cualquier idea, lo que explica por qué McKee la utiliza como una poderosa herramienta para expresar el tema de tu historia. Sin embargo, esta interpretación de la dialéctica contradice, posiblemente, una de las conclusiones de McKee. Si las historias son dialécticas, el tema revelado en el clímax de tu historia será una síntesis: en lugar de un tema que triunfa sobre el antitema, te quedas con una visión compleja de la vida que sostiene que tanto el tema como el antitema son ciertos hasta cierto punto.

Cómo estructurar una historia

Hemos establecido cómo las historias generan significado, así como qué recursos realzan ese significado (aumento del riesgo y tema coherente). McKee sostiene que, dado que deben incluir todos estos ingredientes, todas las historias más impactantes siguen un patrón coherente, o estructura narrativa.

Las partes clave de una historia: clímax e incidente desencadenante

McKee sostiene que la escena más importante de todas las historias es el clímax: el cambio final, más extremo e irreversible de tu historia. El clímax de tu historia es la escena más significativa y tiene un impacto más intenso en el público que cualquier otra escena debido a los intensificadores que hemos comentado en la sección anterior. El clímax es el momento en el que el protagonista se arriesga más y consigue o fracasa en su objetivo. Además, el clímax «demuestra» de forma definitiva tu tema al revelar las consecuencias finales de todas las acciones de tu protagonista.

Para crear eficazmente un clímax significativo, también es necesario escribir un incidente desencadenante bien elaborado: una escena al principio de la historia que provoque el primer cambio importante en la vida del protagonista. Este cambio importante sumerge la vida del protagonista en el caos y la incertidumbre, lo que le lleva a actuar para alcanzar el objetivo que cree que le proporcionará una vida predecible, deseable y normal. Este es el objetivo que el protagonista perseguirá durante toda la historia, hasta el clímax.

En resumen, el incidente desencadenante plantea la pregunta central de tu historia, y el clímax la responde. Estos dos acontecimientos forman el núcleo de tu historia. El incidente desencadenante de Buscando a Nemo es cuando Nemo es secuestrado por un buceador, y el clímax es cuando Marlin y Nemo se reencuentran sanos y salvos.

Contraste entre las estructuras narrativas occidentales y orientales

Aunque McKee presenta esta estructura narrativa como universal, hay quienes sostienen que se trata principalmente de una estructura occidental, con raíces en la antigua Grecia. Por ejemplo, muchas historias de China, Corea y Japón siguen una estructura de cuatro actos llamada Kishōtenketsu, y no incluyen un incidente desencadenante ni un clímax tal y como los concebimos habitualmente. Es posible que conozcas Kishōtenketsu por las películas de anime del Studio Ghibli, como El viaje de Chihiro y Mi vecino Totoro, que suelen seguir esta estructura.

Las historias de Kishōtenketsu se centran más en el crecimiento interno que en los conflictos externos. A menudo describen momentos cotidianos en la vida de los personajes, en lugar de acontecimientos dramáticos que cambian sus vidas. Por lo tanto, no necesitan un incidente desencadenante que altere radicalmente la vida de los personajes.

Del mismo modo, las historias Kishōtenketsu no tienen realmente un clímax al final. Aunque a veces terminan resolviendo uno de los principales problemas de los personajes, esta resolución rara vez tiene como objetivo crear una sensación de cierre o finalidad. Más bien, muestra al público la nueva normalidad de los personajes, a menudo resultado de un cambio sutil e incompleto en su personalidad, y da pistas sobre cómo continuarán sus vidas a partir de ese momento.

Todo lo demás: escenas, secuencias y actos

McKee afirma que las partes de tu historia entre el incidente desencadenante y el clímax también siguen un patrón coherente. Este patrón se basa en los medios para crear significado que ya hemos discutido: en una escena, un protagonista persigue un objetivo, se encuentra con un obstáculo que subvierte sus expectativas y provoca un cambio en su vida. Para escribir una historia completa, repite este patrón a nivel general.

En otras palabras, la historia es fractal: al igual que los ritmos se acumulan para formar una escena, McKee explica que las escenas se acumulan para formar una secuencia, que termina con un cambio más significativo en la vida del protagonista que cualquier escena individual. Del mismo modo, una serie de secuencias que conducen a un cambio extremo es lo que McKee llama un acto, y un puñado muy pequeño de actos conforman toda la historia.

Este diseño garantiza que cada uno de los momentos clave contribuya a varios cambios de valor consecuentes: el clímax de la siguiente escena, el clímax de la secuencia y el clímax del acto. Por lo tanto, cada momento clave de cada escena se percibe como importante, y los momentos clave de tu historia se perciben como cada vez más importantes y significativos a medida que la suma de todas las acciones de tu protagonista conduce a cambios más grandes.

Por ejemplo, el segundo acto de Buscando a Nemo incluye una escena en la que Marlin se hace amigo de un pez llamado Dory, lo que genera un cambio de valor positivo (ganar un aliado). Este cambio de valor a nivel de escena (entre otros) ayuda a Marlin a lograr un cambio de valor más amplio a nivel de secuencia, en el que Dory ayuda a Marlin a averiguar la dirección del secuestrador de su hijo (ganar orientación). Esta secuencia (entre otras) ayuda a Marlin a llegar con éxito a la consulta del dentista donde se encuentra Nemo, solo para descubrir que su hijo Nemo está muerto (o eso cree) en un clímax negativo del segundo acto. Cada decisión que Marlin toma en el segundo acto ha conducido directamente a este cambio de valor culminante (perder a la familia): si Marlin no se hubiera hecho amigo de Dory, no habría llegado a la consulta del dentista.

McKee afirma que los largometrajes deben tener al menos tres actos para causar el mayor impacto significativo en el público: tres cambios extremos que pongan patas arriba el mundo del protagonista. Se pueden incluir más de tres actos si se desea, pero incluir menos de tres hace que la película resulte incompleta.

(Nota breve: Aunque McKee sostiene que una historia puede tener tantos actos como sea necesario, muchos argumentan que todas las historias efectivas se cuentan en no más de tres actos. Esta idea fue popularizada por Syd Field en su libro Screenplay, en el que Field establece los tres actos de «preparación», «confrontación» y «resolución». Aristóteles también discrepa de McKee en Poética, en el que sostiene que las historias deben tener solo dos actos: antes y después de que ocurra una tragedia).

Atajo: elimina todo lo que puedas.

La idea de McKee de que cada momento clave de la historia debe contribuir simultáneamente a varios cambios de valor más amplios puede ser más compleja de lo necesario. Hay una forma fácil de saber si un momento de la historia no encaja en una estructura más amplia: si puedes eliminar un momento y la historia sigue teniendo sentido, ese momento no da lugar a un cambio y, por lo tanto, no contribuye a la trama. Esto se debe a que, si un momento de la historia provoca un cambio significativo, ese cambio se verá más adelante en la historia.

Siempre que te asegures de que tu historia tenga al menos tres cambios significativos, del tamaño de un acto, y hayas eliminado todo lo que no provoque esos cambios, tendrás una historia bien estructurada. Puedes aplicar esta misma lógica a las escenas, secuencias e incluso a actos completos, si es necesario: elimina todo lo que no contribuya a un cambio importante.

Cómo escribir una historia

Ahora que hemos explicado cómo funcionan las historias, describamos específicamente cómo escribir una historia. McKee detalla lo que él cree que es el proceso de escritura ideal: comenzar con un esquema, desarrollarlo hasta convertirlo en un tratamiento y, luego, pulirlo hasta obtener un guion final. McKee lo plantea como un proceso para guionistas, pero se puede aplicar a historias en cualquier medio.

Paso n.º 1: Crear un esquema

El primer paso de McKee para escribir una historia es crear un esquema: una descripción detallada de cada uno de los momentos clave y cambios de valor de la historia. Este esquema es únicamente una descripción de la trama y carece intencionadamente de diálogos o descripciones al estilo de un guion. Dado que, en esencia, estás escribiendo toda la historia en forma de esquema, este paso te llevará la mayor parte del tiempo.

McKee recomienda esbozar muchas más escenas de las que finalmente vas a utilizar. La forma de encontrar las mejores ideas es escribir tantas como sea posible, seleccionar las mejores y descartar el resto.

(Nota breve: La razón por la que escribir más escenas de las que necesitas te da las mejores ideas es que juzgar tus ideas mientras las escribes inhibe las partes de tu cerebro necesarias para la creatividad. Si planeas escribir solo una escena, estarás juzgándola constantemente para asegurarte de que sea buena. Sin embargo, si planeas escribir más escenas de las que necesitas, puedes concentrarte en ser creativo y juzgar tus ideas más tarde).

Sigue escribiendo escenas cautivadoras, desarrollando el mundo de tu historia, hasta que encuentres un clímax que te conmueva profundamente a nivel emocional. Este clímax te revelará cuál es el tema de tu historia: el cambio final de tu historia y la causa detrás de ese cambio. Entonces, podrás empezar a construir tu historia hacia atrás. Dado que cada momento de tu historia debe apoyar el clímax de forma lógica y temática, el clímax te da la dirección que necesitas para empezar a consolidar las escenas, secuencias y actos de tu historia.

Una vez que tengas una historia completa, McKee recomienda contársela a un amigo. Cuéntale toda la historia, paso a paso. Sigue perfeccionando tu esquema hasta que tengas una historia que transmita un impacto emocional fiable a tus oyentes. De esta manera, no perderás tiempo desarrollando una historia que no funciona.

(Nota breve: En On Writing, Stephen King recomienda elegir a un amigo íntimo o familiar que sea el primero en escuchar tu historia cada vez. Según King, cuando imaginas cómo reaccionará esta persona ante tu historia mientras escribes, es más probable que escribas algo que le resulte familiar).

Quizás prefieras saltarte el esquema.

Contrariamente al consejo de McKee, muchos escritores prefieren comenzar el primer borrador de sus historias sin un esquema. Este proceso se conoce comúnmente como «pantsing», es decir, «improvisar sobre la marcha». Estos escritores consideran que pueden descubrir mejores ideas escribiendo sin saber hacia dónde va la historia. Además, consideran que esbozar sus historias les lleva demasiado tiempo al principio y hace que sus historias sean más formulistas y predecibles.

Si te resulta más natural escribir «sobre la marcha» o te cuesta establecer un esquema, plantéate escribir un borrador completo y luego aplicar la teoría narrativa de McKee a posteriori. Identifica el clímax, el tema y la estructura de los actos de tu historia actual y, a continuación, revísala para asegurarte de que todos estos elementos encajan en el siguiente borrador.

Cómo escribir escenas convincentes

Ya hemos hablado de qué hacer con las escenas una vez que las tienes, pero ¿cómo se te ocurren escenas atractivas en primer lugar?

Para crear escenas que sean fieles a la vida real, debes crear ritmos realistas. Para ello, McKee recomienda que coloques a tus personajes en una situación y luego te sumerjas en tu imaginación para descubrir lo que crees que cada personaje pensaría y sentiría auténticamente en esa situación. Escribe qué acción tomaría honestamente ese personaje.

A continuación, para asegurarte de que cada giro hace avanzar tu historia, examina la escena de forma objetiva e imagina qué podría suceder de forma realista que fuera contrario a lo que espera tu protagonista. Anótalo y luego vuelve al punto de vista del protagonista e imagina su siguiente movimiento. Repite esto hasta que alcances un cambio de valor que marque el final de la escena. McKee afirma que esta oscilación repetida entre los puntos de vista subjetivo y objetivo es la clave para escribir escenas convincentes.

El proceso de McKee se ajusta a nuestra forma de pensar.

El proceso de escritura de guiones de McKee tiene sentido si se tiene en cuenta cómo funciona nuestro cerebro. En Una mente para los números, Barbara Oakley explica que, a lo largo del día, el cerebro alterna de forma natural entre dos modos de pensamiento: el pensamiento enfocado, cuando nos concentramos en ejecutar una tarea lógica, y el pensamiento difuso, cuando nos relajamos y dejamos que la mente divague. Oakley afirma que la forma más eficaz de resolver un problema es alternar entre estos dos modos, tomando un descanso de una tarea lógica intensa cada vez que sentimos que nos estamos atascando.

Podría decirse que el proceso de escritura de escenas de McKee es eficaz en parte porque te obliga a cambiar constantemente entre estos dos modos de pensamiento. Se trata principalmente de una actividad de modo difuso: imaginas cómo te sentirías si fueras otra persona y registras todo lo que te parece natural. A continuación, pasas al modo enfocado y determinas cuál podría ser el siguiente giro inesperado de la historia. Como estás cambiando constantemente al modo difuso, en el que parece que no hay respuestas incorrectas, es menos probable que te sientas bloqueado que si estuvieras constantemente devanándote los sesos para encontrar el siguiente acontecimiento lógico de la trama.

Paso n.º 2: Escribir un tratamiento

El segundo paso de McKee para escribir una historia es convertir el esquema en un tratamiento: una descripción más detallada de cada escena que se ocupa de esbozar tanto el texto como el subtexto. Es decir, no solo se escribe con gran detalle lo que ocurre en cada escena, sino también lo que piensa y siente cada personaje, lo que realmente les motiva. Si estás creando una historia fiel a la realidad, este subtexto interno a menudo contradirá lo que los personajes parecen estar haciendo superficialmente. Volviendo a nuestro ejemplo de Buscando a Nemo, cuando Marlin le grita a Nemo: «¡Te vas a quedar atrapado ahí fuera!» (texto), lo que está expresando es: «Espero poder controlar a Nemo actuando enfadado. Solo lo hago porque me aterra que le pase algo» (subtexto).

Debido a esta diferencia entre el texto y el subtexto, debes escribir ambas capas textuales para asegurarte de que comprendes completamente lo que está sucediendo en tu historia en cada escena. Según McKee, este es el propósito de un tratamiento.

(Nota breve: McKee recomienda esbozar el subtexto como herramienta de diagnóstico para garantizar que todo lo que aparece en la escena sea fiel a la realidad. Sin embargo, también se puede introducir subtexto de forma intencionada en una escena para hacerla más atractiva, simplemente haciendo que los personajes eviten decir lo que realmente piensan. El subtexto hace que una escena sea más atractiva de dos maneras. En primer lugar, oculta información al lector, lo que genera curiosidad. Cuando el público no está muy seguro de lo que realmente dicen los personajes, se siente motivado a profundizar en la historia. En segundo lugar, el subtexto crea conflicto de forma orgánica. Cuando los personajes evitan decir lo que realmente sienten, la comunicación se vuelve más difícil, lo que puede aumentar la tensión en las relaciones interpersonales).

Paso n.º 3: Termina tu guion

El último paso para escribir una historia es pulirla hasta darle su forma definitiva, explica McKee. Es entonces cuando se añaden los diálogos, la descripción de las escenas y todo lo demás que acabará en el producto final. Si has esbozado ampliamente la trama y el subtexto de tu historia en los dos pasos anteriores, escribir los diálogos te resultará extremadamente fácil y natural, ya que comprendes profundamente a tus personajes como seres humanos.

(Nota breve: si en esta etapa aún te cuesta escribir diálogos, hay muchos lugares donde puedes buscar inspiración. Presta más atención a cómo hablan las personas que conoces en la vida real. Investiga dialectos específicos o jerga técnica para dotar a tus personajes de un vocabulario más auténtico. Estudia cómo hablan los personajes de tus historias favoritas).

McKee señala que cualquiera de estos tres pasos puede requerir una revisión exhaustiva. Es posible que no te des cuenta de que tu historia no funciona hasta que hayas escrito la mitad del diálogo. En este caso, McKee afirma que debes armarte de valor y descartar todo lo que no funcione, sin importar cuánto tiempo hayas dedicado a escribirlo. Una vez hecho esto, te quedarás con una historia potente y bien escrita.

(Nota breve: esta idea se hace eco del consejo de escritura tan repetido de «matar a tus queridos», es decir, revisar cualquier parte de tu historia que no funcione para el público, por mucho que quieras mantenerla. Si te cuesta reunir el valor para eliminar una parte de tu historia que te encanta, prueba a dejar ese pasaje a un lado temporalmente (en lugar de eliminarlo). Saber que siempre puedes volver a incluir el pasaje original te dará la tranquilidad que necesitas para escribir algo nuevo que lo sustituya, y que puede que sea incluso mejor).