Resumen en PDF:El guión, por Robert McKee

Las historias son misteriosas. Como la música, tienen un poder emocional sobre nosotros imposible de explicar. Sin embargo, el guionista y experto en narración Robert McKee sostiene que el poder emocional de las historias no sólo se puede explicar, sino que también se puede aprender a crear. En El guiónMcKee desmenuza cómo funcionan las historias y utiliza esta teoría para explicar cómo se puede escribir una historia apasionante. El libro está dirigido a guionistas, pero sus principios se aplican a cualquier tipo de narración.

En esta guía le explicaremos qué ingredientes permiten que las historias atraigan al público tanto a nivel emocional como intelectual. Aprenderá cómo los "tiempos" de acción y reacción actúan como fuerza motriz de escenas convincentes y cómo las escenas, secuencias y actos encajan entre sí para formar historias que mantienen la atención. Proporcionaremos antecedentes de obras anteriores que probablemente inspiraron El guióncomo El héroe de las mil caras, de Joseph Campbell. También complementaremos los consejos de escritura de McKee con sugerencias de otros libros populares, como On Writing de Stephen King y Save the Cat! de Blake Snyder .

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Cada escena termina con un cambio de valor

McKee denomina escena a una serie de tiempos en los que las acciones de un protagonista acaban provocando el cambio de uno o varios valores significativos. La escena es la unidad narrativa más pequeña que puede considerarse una historia completa. En Buscando a Nemo, una escena serían los acontecimientos en los que Marlin encuentra a Nemo en su excursión de clase, induce accidentalmente a Nemo a nadar mar adentro y no consigue salvar a Nemo de ser capturado por un submarinista. El cambio de valor que supone que Marlin pierda a su hijo marca el final de la escena.

Alternativa: emparejar escenas con secuelas

Al igual que ocurre con los tiempos, los escritores no se ponen de acuerdo sobre la definición exacta de la palabra escena. Una definición común y potencialmente útil procede de Técnicas del escritor vendedor de Dwight V. Swain. Lo que Swain denomina escena se asemeja más a lo que Mckee llama ritmo: el protagonista tiene un objetivo, surge un obstáculo y ocurre algo que le impide alcanzarlo. Sin embargo, Swain incluye una idea que Mckee no incluye, argumentando que cada escena debe ir seguida de una secuela:el protagonista tiene una reacción emocional ante su nuevo obstáculo, contempla su nueva situación y luego decide su siguiente acción.

Aunque McKee reconoce la importancia de que tus personajes reaccionen ante obstáculos inesperados, no enmarca estas secuelas como una contrapartida igual de importante que las propias escenas, como hace Swain. Dicho esto, pensar en tu historia en términos de secuelas puede ayudarte a recordar que debes dedicar más tiempo a los pensamientos y emociones de tus personajes. Si están bien escritas, este tipo de secuelas ayudan al público a empatizar mejor con el protagonista (el primer ingrediente de la historia), lo que aumenta el impacto emocional del relato.

Cómo intensificar el significado de El guión

Hemos definido la estructura narrativa específica que confiere a cualquier acontecimiento de su historia significado y emoción para su público: Un protagonista persigue un objetivo, se topa con una serie de obstáculos inesperados y provoca un cambio en su vida. Sin embargo, para aumentar el significado y el impacto emocional de tu historia, McKee sostiene que necesitas incluir dos ingredientes adicionales:

1. Aumento del riesgo
2. Coherencia temática

Veamos cómo utilizar cada uno de estos intensificadores para realzar el significado de tu historia.

Intensificador nº 1: Aumento del riesgo

Para aumentar el impacto significativo de su historia, McKee explica que debe obligar a su protagonista a arriesgarse a perder lo que más le importa en pos de un objetivo valioso. ¿Por qué? En la vida, juzgamos el valor de algo en función de lo que estamos dispuestos a arriesgar o sacrificar por ello. Por lo tanto, crear un protagonista que esté dispuesto a arriesgar todo lo que le importa es la forma más directa de hacer que el público sienta que las acciones del protagonista son importantes y significativas. Por el contrario, si el protagonista no tiene nada que perder, la historia resultará aburrida e intrascendente.

(Shortform nota: En Skin in the GameNassim Nicholas Taleb da la vuelta a esta idea, argumentando que si no estás dispuesto a arriesgar algo importante en la búsqueda de algo valioso, en realidad no lo valoras, digas lo que digas. Taleb utiliza esta idea para criticar a quienes afirman preocuparse por los demás únicamente para beneficiarse de una imagen pública "virtuosa" (por ejemplo, un político que afirma apoyar ideales igualitarios para obtener más apoyo político).

Además, el ritmo al que se incrementa el riesgo en la historia es importante: para que una historia resulte interesante de forma continuada, hay que ir aumentando el riesgo del protagonista a lo largo de la historia, explica McKee. Si el protagonista lleva a cabo las mismas acciones que antes, el público esperará los mismos resultados y se aburrirá. En cambio, si se obliga al protagonista a realizar acciones cada vez más arriesgadas y extremas, el público sabe que esas acciones tendrán consecuencias nuevas e interesantes, y se sentirá cautivado.

(Shortform nota: Una estrategia fácil para aumentar el riesgo de forma natural en su historia es establecer un reloj de tiempo, unlímite de tiempo que amenaza con consecuencias específicas si su protagonista no puede lograr su objetivo con la suficiente rapidez. Por ejemplo, en Matrix, Neo debe rescatar a Morfeo en la simulación antes de que los centinelas encuentren y maten su cuerpo en el mundo real. Con un reloj que hace tictac, tu protagonista tomará de forma creíble acciones progresivamente más arriesgadas a medida que se le acaba el tiempo y se desespera cada vez más).

El guión Los latidos aumentan el riesgo de forma natural

McKee señala que la necesidad de aumentar el riesgo es otra de las razones por las que el ritmo es la unidad básica de la narración. Cuando la acción de un protagonista se topa con una reacción inesperada, puede escalar el riesgo de las acciones del protagonista de forma creíble. Es un hecho de la naturaleza humana que queremos reclamar nuestros deseos con el menor riesgo o esfuerzo posible. Sin embargo, cuando la forma más fácil y obvia de que un protagonista alcance su objetivo no funciona, entonces debe intentar una acción más arriesgada y esforzada si aún quiere alcanzarlo. Cuando esto ocurra suficientes veces seguidas, habrás construido de forma creíble una historia con mucho en juego.

Por ejemplo, imagine que un protagonista ve a un niño parado en medio de un cruce peligroso. El protagonista le grita que lo ponga a salvo, pero el niño le ignora. Esta reacción inesperada obliga al protagonista a realizar una acción más arriesgada: saltar a la calle y poner al niño a salvo.

Aumentar el riesgo con un arco de personajes

Si ha utilizado pulsaciones para aumentar poco a poco el interés de la historia, pero sigue sin parecer que el protagonista se arriesga lo suficiente, puede deberse a que su objetivo no es lo bastante importante como para que pueda arriesgarlo todo para conseguirlo. Si este es el caso, es posible que tenga que cambiar el objetivo de su protagonista a algo más importante a mitad de la historia.

Esto enlaza con la idea de un arco argumental: cuando los acontecimientos de la historia cambian radicalmente al protagonista. En muchas historias, el protagonista se da cuenta de que el objetivo que tenía al principio es menos importante de lo que creía y empieza a perseguir un nuevo objetivo que le satisface más profundamente. Entonces, están dispuestos a sacrificarse más para alcanzar este nuevo objetivo, lo que eleva lo que está en juego en la historia. Por ejemplo, en Mad Max: Fury Road, al principio Max sólo quiere escapar de la esclavitud, pero al final de la historia está dispuesto a arriesgarse a morir para salvar las vidas de aquellos con los que ha estado viajando.

McKee probablemente argumentaría que las historias que subvierten las expectativas son la forma de lograr este tipo de transformación de los personajes. Por defecto, nadie quiere cambiar. Sin embargo, como los momentos inesperados hacen que el protagonista aprenda más sobre el mundo de lo que sabía antes, puedes utilizarlos para mostrarle las verdades necesarias para provocar su cambio de carácter.

Intensificador nº 2: Coherencia temática

Además de aumentar el riesgo, para que una historia tenga el mayor impacto posible en el público, debe dar la sensación de que cada parte de la historia transmite el mismo significado. Este significado es el tema de tu historia, que McKee llama "idea controladora". Aunque algunos pueden pensar que limitar la historia a un solo tema limita su significado, McKee insiste en que centrarse en un tema central ofrece al público multitud de implicaciones a tener en cuenta. Por el contrario, intentar incluir varias ideas principales confundirá la historia y dificultará que el público le encuentre sentido.

(Shortform nota: McKee aboga por construir tu historia en torno a un tema para maximizar las posibilidades de que el público encuentre tu historia significativa. Sin embargo, es posible que el público interprete el tema de forma distinta a la prevista. Muchos creen que el significado inherente de un texto prevalece sobre cualquier intención por parte del autor, un marco teórico conocido como anti-intencionalismo. Cuando lanzas una historia al mundo, debes aceptar el hecho de que ya no te pertenece por completo: el público puede utilizarla para transmitir sus propios mensajes. Dicho esto, estructurar la historia en torno a una sola idea, como sugiere McKee, puede dificultar que el público malinterprete el tema que se pretende transmitir).

Según McKee, un tema es siempre una afirmación específica y veraz sobre el mundo que expresa causa y efecto. Esta causa y efecto suele ser el cambio de valor final de la historia y la razón de dicho cambio. Por ejemplo, el tema de Buscando a Nemo podría expresarse como "Los niños viven vidas plenas cuando los padres les permiten correr riesgos".

(Shortform nota: la definición de tema de McKee es posiblemente más útil para los escritores que las definiciones más comunes y amplias de tema. Los temas vagos, de una sola palabra, como "familia", pueden hacer que escribas una historia que crees que tiene cohesión temática, pero que en realidad no dice nada concreto. Por ejemplo, si intentas escribir una historia sobre la "familia", puedes escribir una escena sobre una reunión familiar y otra sobre el nacimiento de un hijo, pero no tienen nada que ver entre sí a un nivel más profundo. En cambio, si tu tema es "Te realizas personalmente cuando haces sacrificios por la familia", podrás detectar inmediatamente si esas dos escenas transmiten el mismo significado cohesivo).

Todos los cambios de valor reflejan el tema

¿Cómo relacionas cada escena de tu historia con un tema cohesionado? Recuerda que, para crear significado, cada escena de tu historia termina con un cambio de valor de algún tipo. McKee explica que, para crear coherencia temática, el cambio de valor culminante de cada escena debe demostrar la verdad de tu tema o lo contrario, lo que llamaremos el antitema.

Además, McKee afirma que tu historia debe alternar entre las dos, de modo que parezca demostrar una idea, y luego su contraria, una y otra vez hasta el clímax, en el que el tema triunfa definitivamente sobre el antitema. Esta tensión incierta entre dos ideas contradictorias refleja la complejidad de la vida de un modo mucho más creíble y significativo que si cada escena de la historia demostrara el mismo punto. De este modo, la historia transmite un mensaje concreto sin decírselo explícitamente al público.

Por ejemplo, si el tema de Buscando a Nemo es "Los niños viven vidas plenas cuando los padres les permiten correr riesgos", su antitema está igualmente presente en toda la película: "Los niños se hacen daño irreversiblemente cuando los padres son tan descuidados como para ponerlos en peligro". Esto es más evidente en el clímax del primer acto, cuando Nemo es secuestrado, pero está igualmente presente cada vez que surgen obstáculos entre Marlin y Nemo. Las escenas en las que parece que Marlin no será capaz de encontrar a Nemo sirven como prueba de que Marlin debería haber protegido más a su hijo desde el principio.

La estructura temática de McKee es dialéctica

El concepto de narración temática de McKee es una forma de dialéctica, unmodelo de razonamiento que tiene sus raíces en la antigua filosofía griega. Un escrito persuasivo, una discusión en grupo o un debate constructivo pueden expresarse en forma dialéctica.

Para presentar una idea como dialéctica, primero se establece una tesis,es decir, la opinión popular o la suposición básica que tiene la mayoría de la gente. A continuación, se cuestiona la tesis con una antítesis, esdecir, uno o varios hechos que la contradicen. Por último, se concluye con una síntesis, unanueva declaración de la verdad que tiene en cuenta los hechos de la tesis y la antítesis y resuelve las contradicciones. (En una dialéctica más larga o compleja, entonces desafías la síntesis con una antítesis adicional y resuelves esa lógica en una nueva síntesis hasta que hayas dicho todo lo que necesitas decir).

Al tratarse de un diálogo equilibrado y ecuánime, la dialéctica es una forma persuasiva de presentar cualquier idea, lo que explica por qué McKee la utiliza como una poderosa herramienta para expresar el tema de su historia. Sin embargo, esta interpretación de la dialéctica podría contradecir una de las conclusiones de McKee. Si las historias son dialécticas, el tema revelado en el clímax de la historia será una síntesis: en lugar de un tema que triunfa sobre el antitema, lo que queda es una visión compleja de la vida que argumenta que tanto el tema como el antitema son verdaderos hasta cierto punto.

Cómo estructurar un El guión

Ya hemos establecido cómo generan significado las historias y qué recursos las realzan (riesgo creciente y tema coherente). McKee sostiene que, dado que deben incluir todos estos ingredientes, todas las historias más impactantes siguen un patrón coherente, o estructura narrativa.

Las partes clave de El guión: Clímax e Incidente Incitante

McKee sostiene que la escena más importante de todas las historias es el clímax: el cambio final, más extremo e irreversible de tu historia. El clímax de la historia es la escena más significativa y tiene un impacto más intenso en el público que cualquier otra escena, debido a los intensificadores de los que hemos hablado en la sección anterior. El clímax es el momento en el que el protagonista arriesga más y consigue o no su objetivo. Además, el clímax "demuestra" definitivamente el tema al revelar las consecuencias finales de todas las acciones del protagonista.

Para crear un clímax significativo, también es necesario escribir un incidente incitador bien elaborado: una escena al principio de la historia que genere el primer cambio importante en la vida del protagonista. Este gran cambio sumerge la vida del protagonista en el caos y la incertidumbre, lo que le lleva a actuar para alcanzar el objetivo que cree que le proporcionará una vida previsible, deseable y normal. Este es el objetivo que el protagonista perseguirá durante toda la historia, hasta el clímax.

En resumen, el incidente desencadenante plantea la cuestión central de la historia y el clímax la responde. Estos dos acontecimientos forman el núcleo de la historia. En Buscando a Nemo, el incidente desencadenante es cuando Nemo es secuestrado por un submarinista, y el clímax es cuando Marlin y Nemo se reúnen sanos y salvos.

Contrastes entre las estructuras occidentales y orientales El guión

Aunque McKee considera que esta estructura es universal, hay quien sostiene que es fundamentalmente occidental y que hunde sus raíces en la antigua Grecia. Por ejemplo, muchas historias en China, Corea y Japón siguen una estructura de cuatro actos llamada Kishōtenketsu, y no incluyen un incidente incitador o clímax como normalmente pensamos de ellos. Es posible que conozcas el Kishōtenketsu por las películas de anime de Studio Ghibli, como Spirited Away y Mi vecino Totoro, que suelen seguir esta estructura.

Las historias de Kishōtenketsu se centran más en el crecimiento interno que en los conflictos externos. A menudo describen un momento ordinario en la vida de sus personajes, en lugar de un giro dramático que les cambie la vida. Por lo tanto, no necesitan un incidente incitador que altere radicalmente la vida de los personajes.

Del mismo modo, no hay realmente un clímax al final de las historias de Kishōtenketsu. Aunque a veces terminan resolviendo uno de los principales problemas de los personajes, esta resolución rara vez pretende crear una sensación de cierre o finalidad. Más bien, muestra al público la nueva normalidad de los personajes -a menudo el resultado de un cambio de carácter sutil e incompleto- e insinúa cómo continuarán sus vidas de aquí en adelante.

Todo lo que hay en medio: Escenas, secuencias y actos

McKee afirma que las partes de la historia entre el incidente incitador y el clímax también siguen un patrón coherente. Este patrón se basa en los medios de creación de significado que ya hemos comentado: En una escena, el protagonista persigue un objetivo, se topa con un obstáculo que subvierte sus expectativas y provoca un cambio en su vida. Para escribir una historia completa, repite este patrón a gran escala.

En otras palabras, la historia es fractal: Al igual que los tiempos se construyen unos sobre otros para formar una escena, McKee explica que las escenas se construyen unas sobre otras para formar una secuencia, que termina con un cambio más significativo en la vida de tu protagonista que cualquier escena individual. Del mismo modo, una serie de secuencias que conducen a un cambio extremo es lo que McKee llama un acto, y un puñado muy pequeño de actos conforman toda la historia.

Este diseño garantiza que cada tiempo contribuya a varios cambios de valor consecuentes: el clímax de la siguiente escena, el clímax de la secuencia y el clímax del acto. Por lo tanto, cada tiempo de cada escena parece importante, y los tiempos de tu historia parecen progresivamente más importantes y significativos a medida que la suma de todas las acciones de tu protagonista conduce a cambios mayores.

Por ejemplo, el segundo acto de Buscando a Nemo incluye una escena en la que Marlin se hace amigo de un pez llamado Dory, creando un cambio de valor positivo (ganando un aliado). Este cambio de valor a nivel de escena (entre otros) ayuda a Marlin a conseguir un cambio de valor mayor a nivel de secuencia en el que Dory ayuda a Marlin a averiguar la dirección del secuestrador de su hijo (ganando orientación). Esta secuencia (entre otras) ayuda a Marlin a llegar con éxito a la consulta del dentista donde tienen a Nemo, sólo para que Marlin descubra que su hijo Nemo está muerto (o eso cree) en un clímax negativo del segundo acto. Todas las decisiones que Marlin toma en el segundo acto han conducido directamente a este cambio de valor culminante (perder a la familia): si Marlin no se hubiera hecho amigo de Dory, no habría llegado a la consulta del dentista.

McKee afirma que los largometrajes deben tener al menos tres actos para causar el mayor impacto posible en el público: tres cambios extremos que pongan patas arriba el mundo del protagonista. Se pueden incluir más de tres actos si se desea, pero menos de tres hacen que la película parezca incompleta.

(Shortform nota: Aunque McKee sostiene que tu historia puede tener tantos actos como sean necesarios, muchos sostienen que todas las historias eficaces se cuentan en no más de tres actos. Esta idea fue popularizada por Syd Field en su libro Guiónen el que Field establece los tres actos de Preparación, Confrontación y Resolución. Aristóteles tampoco está de acuerdo con McKee en la Poética, en el que defiende que las historias deben tener sólo dos actos: antesy después de que ocurra una tragedia).

Atajo: Elimine todo lo que pueda

La idea de McKee de que cada momento de la historia debe contribuir simultáneamente a varios cambios de valor más amplios puede ser más compleja de lo necesario. Hay una forma sencilla de saber si un ritmo no encaja en una estructura más amplia: si se puede eliminar un ritmo y la historia sigue teniendo sentido, ese ritmo no provoca un cambio y, por tanto, no contribuye a la trama. Si un ritmo provoca un cambio significativo, ese cambio se verá más adelante en la historia.

Si te aseguras de que tu historia tiene al menos tres cambios significativos, del tamaño de un acto, y has eliminado todo lo que no provoca esos cambios, tendrás una historia bien estructurada. Puedes aplicar esta misma lógica a escenas, secuencias e incluso actos enteros, si es necesario: elimina todo lo que no contribuya a un cambio importante.

Cómo escribir un El guión

Ahora que hemos explicado cómo funcionan las historias, describamos específicamente cómo escribir una historia. McKee detalla lo que él considera el proceso de escritura ideal: Empezar con un esbozo, desarrollarlo en un tratamiento y luego pulirlo en un guión final. McKee lo presenta como un proceso para guionistas, pero se puede aplicar a historias de cualquier medio.

Paso nº 1: Crear un esquema

El primer paso que da McKee para escribir una historia es crear un esquema: una descripción detallada de cada uno de los tiempos de la historia y de los cambios de valor. Este esquema es únicamente una descripción de la trama y carece intencionadamente de diálogos o descripciones propias de un guión. Dado que, básicamente, estás escribiendo toda la historia en forma de esquema, este paso te llevará la mayor parte del tiempo.

McKee recomienda esbozar muchas más escenas de las que acabes utilizando. La forma de encontrar las mejores ideas es escribir tantas como sea posible, seleccionar las mejores y desechar el resto.

(Shortform nota: La razón por la que escribir más escenas de las que necesitas te da las mejores ideas es que juzgar tus ideas mientras las escribes inhibe las partes de tu cerebro necesarias para la creatividad. Si planeas escribir sólo una escena, estarás constantemente juzgándola para asegurarte de que es buena. Sin embargo, si planeas escribir más escenas de las que necesitas, puedes centrarte en ser creativo y juzgar tus ideas más tarde).

Siga escribiendo escenas convincentes, desarrollando el mundo de su historia, hasta que encuentre un clímax que le impacte profundamente a nivel emocional. Este clímax le revelará cuál es el tema de su historia: el cambio final de su historia y la causa de ese cambio. A continuación, puede empezar a construir su historia hacia atrás. Dado que todos los tiempos de la historia deben apoyar el clímax lógica y temáticamente, el clímax te da la dirección que necesitas para empezar a consolidar las escenas, secuencias y actos de tu historia.

Una vez que tengas la historia completa, McKee recomienda que se la cuentes a un amigo. Cuéntasela entera, paso a paso. Sigue afinando el esbozo hasta que tengas una historia que cause un impacto emocional fiable en tus oyentes. De este modo, no perderás tiempo desarrollando una historia que no funciona.

(Shortform nota: En On WritingStephen King recomienda elegir a un amigo íntimo o familiar que será el primero en escuchar tu historia. Según King, cuando imaginas cómo reaccionará esta persona a tu historia mientras escribes, es más probable que escribas algo que resuene con ella).

Puede saltarse el esquema

Contrariamente al consejo de McKee, muchos escritores prefieren empezar el primer borrador de sus historias sin un esquema. Se trata de un proceso conocido comúnmente como "pantsing", es decir, "volar sobre la marcha". Estos escritores se dan cuenta de que pueden descubrir mejores ideas escribiendo sin saber adónde va la historia. Además, consideran que esbozar sus historias les lleva demasiado tiempo y hace que sean más predecibles y formulistas.

Si le resulta más natural improvisar o tiene problemas para establecer un esquema, considere la posibilidad de escribir un borrador completo y, a continuación, aplicar la teoría narrativa de McKee. Identifica el clímax, el tema y la estructura de los actos de tu historia y revísala para asegurarte de que todos estos elementos coinciden en el siguiente borrador.

Cómo escribir escenas convincentes

Ya hemos hablado de lo que hay que hacer con las escenas una vez que se tienen, pero ¿cómo crear escenas atractivas?

Para crear escenas que sean fieles a la realidad, hay que crear ritmos realistas. Para ello, McKee recomienda que coloques a tus personajes en una situación y luego te sumerjas en tu imaginación para descubrir lo que crees que cada personaje pensaría y sentiría auténticamente en esa situación. Escribe qué acción realizaría honestamente ese personaje.

A continuación, para asegurarte de que cada ritmo hace avanzar la historia, examina la escena objetivamente e imagina qué podría ocurrir, siendo realistas, que fuera lo contrario de lo que espera el protagonista. Escríbalo y, a continuación, vuelva al punto de vista del protagonista e imagine su siguiente movimiento. Repítelo hasta que llegues a un cambio de valor que marque el final de la escena. McKee afirma que esta oscilación repetida entre los puntos de vista subjetivo y objetivo es la clave para escribir escenas convincentes.

El proceso de McKee se ajusta a nuestra forma de pensar

El proceso de escritura de escenas de McKee tiene sentido si tenemos en cuenta cómo funciona nuestro cerebro. En Una mente para los númerosBarbara Oakley explica que, a lo largo del día, el cerebro alterna de forma natural entre dos modos de pensamiento: el modo de pensamiento concentrado, cuando uno se concentra en ejecutar una tarea lógica, y el modo de pensamiento difuso, cuando uno se relaja y deja que la mente divague. Oakley afirma que la forma más eficaz de resolver un problema es alternar entre estos dos modos, haciendo una pausa en una tarea lógica intensa siempre que sientas que te estás atascando.

Podría decirse que el proceso de escritura de escenas de McKee es eficaz en parte porque te obliga a alternar constantemente entre estos dos modos de pensamiento. En primer lugar, se trata de una actividad difusa: imaginas cómo te sentirías si fueras otra persona y grabas lo que te parece natural. Luego, pasas al modo concentrado y determinas cuál podría ser el siguiente momento inesperado de la historia. Al pasar constantemente al modo difuso, en el que parece que no hay respuestas erróneas, es menos probable que te sientas atascado que si estuvieras constantemente devanándote los sesos en busca del siguiente acontecimiento lógico de la trama.

Paso nº 2: Escribir un tratamiento

El segundo paso que da McKee para escribir una historia es convertir el esquema en un tratamiento: una descripción más detallada de cada escena en la que se esbozan tanto el texto como el subtexto. Es decir, no sólo escribes con todo detalle lo que ocurre en cada escena, sino también lo que piensa y siente cada personaje, lo que realmente le motiva. Si estás creando una historia fiel a la realidad, este subtexto interno a menudo contradirá lo que los personajes parecen estar haciendo superficialmente. Volviendo a nuestro ejemplo de Buscando a Nemo, cuando Marlin le grita a Nemo: "¡Te vas a quedar atascado ahí fuera!". (texto), está expresando: "Espero poder controlar a Nemo haciéndome el enfadado. Lo hago porque tengo miedo de que le pase algo" (subtexto).

Debido a esta diferencia entre texto y subtexto, debes anotar ambas capas textuales para asegurarte de que comprendes plenamente lo que ocurre en tu historia en cada escena. Según McKee, este es el propósito de un tratamiento.

(Shortform nota: McKee recomienda esbozar el subtexto como herramienta de diagnóstico para asegurarse de que todo en la escena es fiel a la realidad. Sin embargo, también puedes inyectar intencionadamente subtexto en una escena para hacerla más convincente, simplemente haciendo que tus personajes eviten decir lo que realmente quieren decir. El subtexto hace más atractiva una escena de dos maneras. En primer lugar, oculta información al lector, generando curiosidad. Cuando el público no está seguro de lo que dicen realmente los personajes, se siente motivado para profundizar en la historia. En segundo lugar, el subtexto crea conflicto de forma orgánica. Cuando los personajes evitan decir lo que realmente sienten, se dificulta la comunicación, lo que puede aumentar la tensión en las relaciones interpersonales).

Paso 3: Terminar el guión

El último paso para escribir una historia es pulirla hasta darle su forma final, explica McKee. Es entonces cuando se añaden los diálogos, la descripción de las escenas y todo lo demás que acabará formando parte del producto final. Si en los dos pasos anteriores has esbozado a fondo la trama y el subtexto de tu historia, escribir diálogos te resultará extremadamente fácil y natural, ya que conoces a fondo a tus personajes como seres humanos.

(Shortform nota: Si el diálogo aún no te resulta fácil en esta fase, hay muchos lugares en los que puedes buscar inspiración. Presta más atención a cómo hablan las personas que conoces en la vida real. Investiga dialectos específicos o jerga técnica para dotar a tus personajes de un vocabulario más auténtico. Estudia cómo hablan los personajes de tus historias favoritas).

McKee señala que cualquiera de estos tres pasos puede requerir una revisión exhaustiva. Puede que no te des cuenta de que tu historia no funciona hasta que no hayas escrito la mitad de los diálogos. En este caso, McKee afirma que debes armarte de valor y desechar todo lo que no funcione, por mucho tiempo que hayas dedicado a escribirlo. Una vez hecho esto, te quedará una historia poderosa y bien escrita.

(Shortform nota: Esta idea se hace eco del consejo de escritura a menudo repetido de "matar a tus queridos"; enotras palabras, revisa cualquier parte de tu historia que no funcione para el público, por mucho que quieras mantenerla. Si te cuesta armarte de valor para cortar una parte de tu historia que te encanta, prueba a apartar temporalmente ese pasaje (en lugar de cortarlo). Saber que siempre puedes volver a colocar el pasaje original a menudo te dará la tranquilidad que necesitas para escribir algo nuevo que lo sustituya, lo cual puede ser incluso mejor).