PDF Zusammenfassung:Story: Die Prinzipien des Drehbuchschreibens, von Robert McKee

Geschichten sind geheimnisvoll - wie Musik haben sie eine emotionale Kraft auf uns, die sich nicht erklären lässt. Der Drehbuchautor und Storytelling-Experte Robert McKee ist jedoch der Meinung, dass die emotionale Kraft von Geschichten nicht nur erklärbar ist, sondern dass man auch lernen kann, sie zu erzeugen. Unter Story: Die Prinzipien des Drehbuchschreibensschlüsselt McKee auf, wie Geschichten funktionieren, und erklärt anhand dieser Theorie, wie man eine fesselnde Geschichte schreiben kann. Das Buch richtet sich an Drehbuchautoren, aber seine Prinzipien gelten für jede Art des Geschichtenerzählens.

In diesem Leitfaden erklären wir, welche Zutaten dazu führen, dass Geschichten das Publikum sowohl auf emotionaler als auch auf intellektueller Ebene ansprechen. Sie erfahren, wie "Beats" aus Aktion und Reaktion als treibende Kraft für fesselnde Szenen wirken und wie Szenen, Sequenzen und Akte zusammenpassen, um Geschichten zu bilden, die die Aufmerksamkeit aufrechterhalten. Wir werden Ihnen Hintergrundinformationen zu früheren Werken geben, die Sie wahrscheinlich inspiriert haben Story: Die Prinzipien des Drehbuchschreibensinspiriert haben, wie z. B. Joseph Campbells Der Held mit den tausend Gesichtern. Außerdem ergänzen wir McKees Schreibratschläge mit Tipps aus anderen populären Büchern, wie Stephen Kings On Writing und Blake Snyders Save the Cat!

(Fortsetzung)...

Jede Szene endet mit einer Werteänderung

Eine Reihe von Beats, in denen die Handlungen eines Protagonisten schließlich zu einer Veränderung eines oder mehrerer wichtiger Werte führen, nennt McKee eine Szene. Die Szene ist die kleinste Einheit der Erzählung, die sich wie eine vollständige Geschichte anfühlt. In Findet Nemo wäre eine Szene die, in der Marlin Nemo auf seiner Klassenfahrt findet, ihn versehentlich dazu bringt, aufs Meer hinauszuschwimmen, und es nicht schafft, Nemo vor der Gefangennahme durch einen Taucher zu retten. Der Wertewandel von Marlin, der seinen Sohn verliert, markiert das Ende der Szene.

Alternativ: Paare von Szenen mit Sequels

Wie bei den Beats sind sich die Autoren nicht einig über die genaue Definition des Wortes "Szene". Eine gängige und potenziell nützliche Definition stammt aus Techniques of the Selling Writer von Dwight V. Swain. Was Swain als Szene bezeichnet, entspricht eher dem, was Mckee einen Beat nennt - der Protagonist hat ein Ziel, ein Hindernis taucht auf, und es geschieht etwas, das den Protagonisten daran hindert, sein Ziel zu erreichen. Swain bezieht jedoch eine Idee ein, die McKee nicht hat, und argumentiert, dass auf jede Szene eine Fortsetzungfolgen muss - derProtagonist hat eine emotionale Reaktion auf sein neues Hindernis, denkt über seine neue Situation nach und entscheidet dann über seine nächste Handlung.

McKee erkennt zwar an, wie wichtig es ist, dass Ihre Figuren auf unerwartete Hindernisse reagieren, aber er betrachtet diese Folgen nicht als gleichwertiges Gegenstück zu den eigentlichen Szenen, wie Swain es tut. Wenn Sie also Ihre Geschichte als Fortsetzungsgeschichte betrachten, können Sie sich daran erinnern, dass Sie den Gedanken und Gefühlen Ihrer Figuren mehr Zeit widmen sollten. Wenn sie gut geschrieben sind, helfen Fortsetzungen wie diese dem Publikum, sich besser in den Protagonisten (den ersten Bestandteil der Geschichte) einzufühlen, und erhöhen so die emotionale Wirkung der Geschichte.

Wie Sie Ihre Story: Die Prinzipien des Drehbuchschreibensintensivieren können Story: Die Prinzipien des Drehbuchschreibens Story: Die Prinzipien des Drehbuchschreibens's Bedeutung

Wir haben die spezifische Erzählstruktur definiert, die jedem Ereignis in Ihrer Geschichte Bedeutung und Emotionen für Ihr Publikum verleiht: Ein Protagonist verfolgt ein Ziel, stößt auf eine Reihe von unerwarteten Hindernissen und bewirkt, dass sich sein Leben verändert. Um jedoch die Bedeutung und die emotionale Wirkung Ihrer Geschichte zu erhöhen, müssen Sie laut McKee zwei zusätzliche Zutaten einbeziehen:

1. Eskalierendes Risiko
2. Thematische Kohärenz

Lassen Sie uns besprechen, wie Sie jeden dieser Verstärker verwenden können, um die Bedeutung Ihrer Geschichte zu erhöhen.

Verstärker #1: Eskalierendes Risiko

Um die Aussagekraft Ihrer Geschichte zu erhöhen, erklärt McKee, dass Sie Ihren Protagonisten dazu zwingen müssen, das zu verlieren, was ihm am meisten am Herzen liegt, um ein wertvolles Ziel zu verfolgen. Und warum? Im Leben beurteilen wir den Wert einer Sache danach, wie viel wir bereit sind, dafür zu riskieren oder zu opfern. Ein Protagonist, der bereit ist, alles, was ihm wichtig ist, zu riskieren, ist daher der direkteste Weg, um dem Publikum das Gefühl zu vermitteln, dass die Handlungen des Protagonisten wichtig und sinnvoll sind. Wenn Ihr Protagonist dagegen nichts zu verlieren hat, wirkt die Geschichte langweilig und belanglos.

Shortform AnmerkungShortform : In Haut im Spielstellt Nassim Nicholas Taleb diese Idee auf den Kopf und argumentiert, dass, wenn man nicht bereit ist, etwas Wichtiges zu riskieren, um etwas Wertvolles zu erreichen, man es nicht wirklich wert ist, egal was man behauptet. Taleb nutzt diesen Gedanken, um diejenigen zu kritisieren, die vorgeben, sich um andere zu kümmern, nur um von einem "tugendhaften" öffentlichen Image zu profitieren (z. B. ein Politiker, der vorgibt, egalitäre Ideale zu unterstützen, um mehr politische Unterstützung zu erhalten).

Außerdem ist das Tempo, mit dem Sie das Risiko in Ihrer Geschichte steigern, wichtig: Um eine Geschichte kontinuierlich interessant zu machen, müssen Sie das Risiko Ihres Protagonisten im Laufe der Geschichte schrittweise erhöhen, erklärt McKee. Wenn der Protagonist die gleichen Handlungen vornimmt wie in der Geschichte zuvor, weiß das Publikum, dass es die gleichen Ergebnisse zu erwarten hat, und es wird sich langweilen. Wenn Sie Ihren Protagonisten stattdessen zu immer riskanteren und extremeren Handlungen zwingen, weiß das Publikum, dass diese Handlungen neue, interessante Konsequenzen haben werden, und es wird gefesselt sein.

Shortform Hinweis: Eine einfache Strategie, um das Risiko in Ihrer Geschichte auf natürliche Weise zu erhöhen, besteht darin, eine tickende Uhr einzuführen - einZeitlimit, das bestimmte Konsequenzen androht, wenn Ihr Protagonist sein Ziel nicht schnell genug erreichen kann. Drehbuchautoren bauen oft tickende Uhren ein; in The Matrix beispielsweise muss Neo Morpheus in der Simulation retten, bevor die Wächter seinen Körper in der realen Welt finden und töten. Mit einer tickenden Uhr wird Ihr Protagonist glaubhaft immer riskantere Aktionen unternehmen, wenn ihm die Zeit davonläuft und er immer verzweifelter wird).

Story: Die Prinzipien des Drehbuchschreibens Beats Natürlich Eskalieren Risiko

McKee merkt an, dass das Bedürfnis nach einer Eskalation des Risikos ein weiterer Grund ist, warum der Beat die Grundeinheit des Erzählens ist. Wenn die Aktion eines Protagonisten auf eine unerwartete Reaktion stößt, kann dies das Risiko der Handlungen des Protagonisten auf glaubwürdige Weise erhöhen. Es liegt in der menschlichen Natur, dass wir unsere Wünsche mit so wenig Risiko oder Aufwand wie möglich durchsetzen wollen. Wenn jedoch der einfachste und offensichtlichste Weg, das Ziel zu erreichen, nicht funktioniert, muss der Protagonist eine anstrengendere und risikoreichere Handlung versuchen, wenn er sein Ziel noch erreichen will. Wenn dies oft genug hintereinander geschieht, haben Sie eine Geschichte mit hohem Einsatz glaubhaft aufgebaut.

Stellen Sie sich zum Beispiel vor, ein Protagonist sieht ein Kind mitten auf einer gefährlichen Kreuzung stehen. Der Protagonist schreit das Kind an, um es in Sicherheit zu bringen, aber das Kind ignoriert ihn. Diese unerwartete Reaktion zwingt den Protagonisten zu einer riskanteren Handlung - er springt auf die Straße und zieht das Kind in Sicherheit.

Eskalieren Sie das Risiko mit einem Charakterbogen

Wenn Sie Ihre Geschichte mit Hilfe von Beats langsam eskalieren lassen, es sich aber immer noch nicht so anfühlt, als würde Ihr Protagonist genug riskieren, könnte es daran liegen, dass sein Ziel nicht wichtig genug ist, um glaubhaft alles dafür zu riskieren. Wenn dies der Fall ist, müssen Sie das Ziel Ihres Protagonisten im Laufe der Geschichte möglicherweise auf etwas Wichtigeres umstellen.

Dies steht im Zusammenhang mit der Idee eines Charakterbogens - wenn die Ereignisse Ihrer Geschichte Ihren Protagonisten grundlegend verändern. In vielen Geschichten erkennt der Protagonist, dass das Ziel, das er zu Beginn der Geschichte hatte, weniger wichtig ist, als er glaubte, und er beginnt, ein neues Ziel zu verfolgen, das ihn mehr erfüllt. Dann sind sie bereit, mehr zu opfern, um dieses neue Ziel zu erreichen, wodurch der Einsatz der Geschichte erhöht wird. In Mad Max: Fury Road zum Beispiel will Max zunächst nur der Sklaverei entkommen, aber am Ende der Geschichte ist er bereit, den Tod zu riskieren, um das Leben derer zu retten, mit denen er unterwegs war.

McKee würde wahrscheinlich argumentieren, dass eine Geschichte, die die Erwartungen unterläuft, der Weg ist, um diese Art von Charakterveränderung zu erreichen. Standardmäßig will sich niemand verändern. Da unerwartete Storybeats jedoch dazu führen, dass der Protagonist mehr über die Welt erfährt, als er zuvor wusste, können Sie sie nutzen, um Ihrem Protagonisten die Wahrheiten zu zeigen, die er braucht, um seinen Charakter zu verändern.

Verstärker #2: Thematische Kohärenz

Damit eine Geschichte die größtmögliche Wirkung auf das Publikum hat, muss nicht nur das Risiko eskalieren, sondern es muss auch das Gefühl haben, dass jeder Teil der Geschichte denselben Sinn vermittelt. Diese Bedeutung ist das Thema Ihrer Geschichte, das McKee eine "Leitidee" nennt. Obwohl manche annehmen, dass die Beschränkung auf ein einziges Thema die Bedeutung der Geschichte einschränkt, besteht McKee darauf, dass die Konzentration auf ein zentrales Thema dem Publikum eine Vielzahl von Implikationen bietet, die es zu berücksichtigen gilt. Der Versuch, mehrere Hauptgedanken einzubeziehen, verwirrt dagegen die Geschichte und erschwert es dem Publikum, einen Sinn zu finden.

Shortform Hinweis: McKee empfiehlt, die Geschichte um ein Thema herum zu konstruieren, um die Wahrscheinlichkeit zu erhöhen, dass das Publikum die Geschichte sinnvoll findet. Es kann jedoch sein, dass Ihr Publikum das Thema anders interpretiert, als Sie es beabsichtigt haben. Viele glauben, dass die einem Text innewohnende Bedeutung jede Absicht des Autors aufhebt, ein theoretischer Rahmen, der als Anti-Intentionalismus bekannt ist. Wenn Sie eine Geschichte in die Welt entlassen, müssen Sie die Tatsache akzeptieren, dass sie nicht mehr vollständig Ihnen gehört - die Zuhörer können sie nutzen, um ihre eigenen Botschaften zu vermitteln. Wenn Sie Ihre Geschichte jedoch eng um eine einzige Idee herum strukturieren, wie McKee es vorschlägt, wird es für das Publikum schwieriger, Ihr beabsichtigtes Thema falsch zu interpretieren).

Nach McKee ist ein Thema immer eine spezifische, wahrheitsgemäße Aussage über die Welt, die Ursache und Wirkung zum Ausdruck bringt. Diese Ursache und Wirkung ist in der Regel die endgültige Wertveränderung in Ihrer Geschichte und der Grund für diese Veränderung. Das Thema von Findet Nemo könnte zum Beispiel so ausgedrückt werden: "Kinder leben ein erfülltes Leben, wenn Eltern ihnen erlauben, Risiken einzugehen."

Shortform Hinweis: McKees Definition des Themas ist für Schriftsteller wohl nützlicher als die gängigeren, weiter gefassten Definitionen des Themas. Vage Ein-Wort-Themen wie "Familie" können dazu führen, dass Sie eine Geschichte schreiben, von der Sie denken, sie sei thematisch kohärent, die aber in Wirklichkeit nichts Konkretes aussagt. Wenn Sie zum Beispiel versuchen, eine Geschichte über "Familie" zu schreiben, könnten Sie eine Szene über ein Familientreffen und eine andere über die Geburt eines Kindes schreiben, aber auf einer tieferen Ebene haben sie nichts miteinander zu tun. Wenn Ihr Thema dagegen lautet: "Persönliche Erfüllung erreicht man, wenn man für die Familie Opfer bringt", können Sie sofort erkennen, ob diese beiden Szenen denselben zusammenhängenden Sinn vermitteln).

Alle Wertänderungen reflektieren das Thema

Wie verbinden Sie jede Szene in Ihrer Geschichte mit einem zusammenhängenden Thema? Erinnern Sie sich daran, dass jede Szene in Ihrer Geschichte mit einer Wertveränderung endet, um Bedeutung zu erzeugen. McKee erklärt, dass zur Schaffung thematischer Kohärenz die kulminierende Wertveränderung jeder Szene entweder die Wahrheit Ihres Themas oder das Gegenteil Ihres Themas beweisen sollte, was wir das Anti-Thema nennen.

Darüber hinaus fordert McKee, dass Ihre Geschichte zwischen beiden abwechseln sollte, so dass es scheint, als beweise sie eine Idee, dann ihr Gegenteil, immer und immer wieder, bis zum Höhepunkt, an dem das Thema endgültig über das Antithema triumphiert. Diese unsichere Spannung zwischen zwei widersprüchlichen Ideen spiegelt die Komplexität des Lebens auf eine viel glaubwürdigere und sinnvollere Weise wider, als wenn Sie jede Szene in Ihrer Geschichte dazu nutzen würden, denselben Punkt zu beweisen. Auf diese Weise kann Ihre Geschichte eine bestimmte Botschaft vermitteln, ohne sie dem Publikum ausdrücklich mitzuteilen.

Wenn das Thema von Findet Nemo beispielsweise lautet: "Kinder leben ein erfülltes Leben, wenn Eltern ihnen erlauben, Risiken einzugehen", so ist das Gegenthema im ganzen Film gleichermaßen präsent: "Kinder verletzen sich unwiderruflich, wenn Eltern so unvorsichtig sind, sie in Gefahr zu bringen". Am deutlichsten wird dies im Höhepunkt des ersten Akts, als Nemo entführt wird, aber es ist auch jedes Mal präsent, wenn zwischen Marlin und Nemo Hindernisse entstehen. Szenen, die den Anschein erwecken, dass Marlin nicht in der Lage sein wird, Nemo zu finden, dienen als Beweis dafür, dass Marlin seinen Sohn von vornherein besser hätte beschützen sollen.

McKee's thematische Struktur ist dialektisch

McKees Konzept des thematischen Geschichtenerzählens ist eine Form der Dialektik - einArgumentationsmuster, das seine Wurzeln in der antiken griechischen Philosophie hat. Überzeugendes Schreiben, eine Gruppendiskussion oder eine konstruktive Debatte lassen sich alle in dialektischer Form ausdrücken.

Um eine Idee als Dialektik darzustellen, stellen Sie zunächst eine Theseauf , d. h.die gängige Meinung oder Grundannahme der meisten Menschen. Dann stellen Sie die These mit einer Antithesein Frage - einoder mehrere Fakten, die der These widersprechen. Abschließend wird eine Synthese formuliert - eineneue Erklärung der Wahrheit, die sowohl die Fakten der These als auch die der Antithese berücksichtigt und alle Widersprüche auflöst. (In einer längeren oder komplexeren Dialektik stellen Sie die Synthese mit einer weiteren Antithese in Frage und lösen diese Logik in einer neuen Synthese auf, bis Sie alles gesagt haben, was Sie zu sagen haben.)

Da es sich um einen ausgewogenen, fairen Dialog handelt, ist die Dialektik eine überzeugende Methode, um eine Idee zu präsentieren - was erklärt, warum McKee sie als mächtiges Werkzeug einsetzt, um das Thema Ihrer Geschichte auszudrücken. Allerdings widerspricht dieses Verständnis von Dialektik wohl einer von McKees Schlussfolgerungen. Wenn Geschichten dialektisch sind, ist das Thema, das sich auf dem Höhepunkt der Geschichte offenbart, eine Synthese - anstatt dass ein Thema über ein Gegenthema triumphiert, bleibt eine komplexe Sicht des Lebens übrig, die dafür spricht, dass sowohl das Thema als auch das Gegenthema bis zu einem gewissen Grad wahr sind.

Wie man eine Story: Die Prinzipien des Drehbuchschreibens strukturiert Story: Die Prinzipien des Drehbuchschreibens

Wir haben festgestellt, wie Geschichten Bedeutung erzeugen und welche Mittel diese Bedeutung verstärken (eskalierendes Risiko und kohärentes Thema). McKee argumentiert, dass die wirkungsvollsten Geschichten einem konsistenten Muster oder einer Geschichtenstruktur folgen, weil sie alle diese Bestandteile enthalten müssen.

Die wichtigsten Teile einer Story: Die Prinzipien des Drehbuchschreibens: Höhepunkt und auslösendes Ereignis

McKee argumentiert, dass die wichtigste Szene in allen Geschichten der Höhepunkt ist: die letzte, extremste und unumkehrbare Veränderung in Ihrer Geschichte. Der Höhepunkt Ihrer Geschichte ist die aussagekräftigste Szene und wirkt auf das Publikum intensiver als jede andere Szene, und zwar aufgrund der Verstärker, die wir im vorherigen Abschnitt besprochen haben. Der Höhepunkt ist der Punkt, an dem der Protagonist am meisten riskiert und sein Ziel entweder erreicht oder verfehlt. Außerdem "beweist" der Höhepunkt Ihr Thema endgültig, indem er die endgültigen Konsequenzen aller Handlungen Ihres Protagonisten aufzeigt.

Um einen aussagekräftigen Höhepunkt zu schaffen, müssen Sie auch ein gut ausgearbeitetes einleitendes Ereignis schreiben: eine Szene zu Beginn der Geschichte, die die erste große Veränderung im Leben Ihres Protagonisten bewirkt. Diese große Veränderung stürzt das Leben des Protagonisten in Chaos und Ungewissheit und veranlasst ihn, auf das Ziel hinzuarbeiten, von dem er glaubt, dass es ihm ein vorhersehbares, erstrebenswertes, normales Leben ermöglicht. Dies ist das Ziel, das der Protagonist während der gesamten Geschichte bis zum Höhepunkt verfolgt.

Kurz gesagt, Ihr einleitendes Ereignis wirft die zentrale Frage Ihrer Geschichte auf, und der Höhepunkt beantwortet sie. Diese beiden Ereignisse bilden den Kern Ihrer Geschichte. Das einleitende Ereignis in Findet Nemo ist die Entführung Nemos durch einen Taucher, und der Höhepunkt ist die sichere Wiedervereinigung von Marlin und Nemo.

Kontrast zwischen westlicher und östlicher Story: Die Prinzipien des Drehbuchschreibens Strukturen

Obwohl McKee diese Erzählstruktur als universell ansieht, argumentieren einige, dass diese Struktur in erster Linie eine westliche ist, die ihre Wurzeln im alten Griechenland hat. Beispielsweise folgen viele Geschichten in China, Korea und Japan einer Vier-Akt-Struktur, die Kishōtenketsu genannt wird, und sie enthalten kein einschneidendes Ereignis oder einen Höhepunkt, wie wir sie uns normalerweise vorstellen. Sie kennen Kishōtenketsu vielleicht aus den Anime-Filmen von Studio Ghibli, wie z. B. Spirited Away und My Neighbor Totoro, die in der Regel dieser Struktur folgen.

Der Schwerpunkt der Kishōtenketsu-Geschichten liegt auf dem inneren Wachstum und nicht auf äußeren Konflikten. Sie schildern oft eher eine gewöhnliche Zeit im Leben ihrer Figuren als eine dramatische, lebensverändernde Wendung der Ereignisse. Daher brauchen sie kein auslösendes Ereignis, das das Leben der Figuren radikal umkrempelt.

In ähnlicher Weise gibt es am Ende der Kishōtenketsu-Geschichten nicht wirklich einen Höhepunkt. Obwohl sie manchmal mit der Lösung eines der Hauptprobleme der Figuren enden, soll diese Lösung selten ein Gefühl von Abschluss oder Endgültigkeit vermitteln. Vielmehr zeigt sie dem Publikum die neue Normalität der Figuren - oft das Ergebnis einer subtilen und unvollständigen Veränderung des Charakters - und deutet an, wie ihr Leben von nun an weitergehen wird.

Alles dazwischen: Szenen, Sequenzen und Handlungen

McKee behauptet, dass auch die Teile Ihrer Geschichte zwischen dem einleitenden Ereignis und dem Höhepunkt einem einheitlichen Muster folgen. Dieses Muster baut auf den Mitteln zur Erzeugung von Bedeutung auf, die wir bereits erörtert haben: In einer Szene verfolgt ein Protagonist ein Ziel, stößt auf ein Hindernis, das seine Erwartungen unterläuft, und bewirkt, dass sich etwas in seinem Leben ändert. Um eine vollständige Geschichte zu schreiben, wiederholen Sie dieses Muster auf der Ebene des Gesamtbildes.

Mit anderen Worten: Die Geschichte ist fraktal: So wie die Beats aufeinander aufbauen, um eine Szene zu bilden, erklärt McKee, dass die Szenen aufeinander aufbauen, um eine Sequenz zu bilden, die mit einer bedeutenderen Veränderung im Leben Ihres Protagonisten endet als jede einzelne Szene. Eine Reihe von Sequenzen, die zu einer extremen Veränderung führen, nennt McKee einen Akt, und eine sehr kleine Handvoll Akte macht die ganze Geschichte aus.

Dieses Design stellt sicher, dass jeder einzelne Beat zu mehreren konsequenten Wertänderungen beiträgt: dem nächsten Szenenhöhepunkt, dem Sequenzhöhepunkt und dem Handlungshöhepunkt. Daher fühlt sich jeder Beat in jeder Szene wichtig an, und die Beats Ihrer Geschichte fühlen sich zunehmend wichtiger und bedeutungsvoller an, da die Summe aller Handlungen Ihres Protagonisten zu größeren Veränderungen führt.

Im zweiten Akt von Findet Nemo gibt es beispielsweise eine Szene, in der sich Marlin mit einem Fisch namens Dory anfreundet, was zu einer positiven Wertveränderung führt (er gewinnt einen Verbündeten). Diese Wertveränderung auf Szenenebene (neben anderen) hilft Marlin, eine größere Wertveränderung auf Sequenzebene zu erreichen, bei der Dory Marlin hilft, die Adresse des Entführers seines Sohnes herauszufinden (eine Orientierung zu erhalten). Diese Sequenz (neben anderen) hilft Marlin, erfolgreich die Zahnarztpraxis zu erreichen, in der Nemo festgehalten wird - nur um dann in einem negativen Höhepunkt des zweiten Akts zu erfahren, dass sein Sohn Nemo tot ist (oder so denkt er). Jede Entscheidung, die Marlin im zweiten Akt trifft, hat direkt zu diesem klimatischen Wertewandel (Verlust der Familie) geführt - wenn Marlin sich nicht mit Dorie angefreundet hätte, wäre er nicht in der Zahnarztpraxis angekommen.

McKee behauptet, dass Spielfilme mindestens drei Akte haben müssen, um die größte Wirkung auf das Publikum zu erzielen: drei extreme Veränderungen, die die Welt des Protagonisten auf den Kopf stellen. Man kann mehr als drei Akte einbauen, wenn man möchte, aber bei weniger als drei Akten wirkt ein Film unvollständig.

Shortform Hinweis: Obwohl McKee argumentiert, dass Ihre Geschichte so viele Akte haben kann, wie sie braucht, argumentieren viele, dass alle effektiven Geschichten in nicht mehr als drei Akten erzählt werden. Diese Idee wurde von Syd Field in seinem Buch Drehbuchpopulär gemacht, in dem Field die drei Akte "Aufbau", "Konfrontation" und "Auflösung" festlegt. Auch Aristoteles ist anderer Meinung als McKee in Poetik, in der er argumentiert, dass Geschichten nur zwei Akte haben sollten - vorund nach einer Tragödie).

Abkürzung: Entfernen Sie alles, was Sie können

McKees Idee, dass jeder Story Beat gleichzeitig zu mehreren größeren Wertveränderungen beitragen sollte, ist vielleicht komplexer, als es sein muss. Es gibt einen einfachen Weg, um festzustellen, ob ein Story Beat nicht in eine größere Struktur passt - wenn Sie einen Beat entfernen können und die Geschichte immer noch vollkommen sinnvoll ist, führt dieser Beat nicht zu einer Veränderung und trägt somit nicht zur Handlung bei. Denn wenn ein Taktschlag eine bedeutsame Veränderung bewirkt, werden Sie diese Veränderung später in der Geschichte sehen.

Solange Sie sicherstellen, dass Ihre Geschichte mindestens drei signifikante Änderungen in der Größe eines Akts aufweist und Sie alles aus der Geschichte herausgeschnitten haben, was diese Änderungen nicht verursacht, haben Sie eine gut strukturierte Geschichte. Sie können diese Logik auch auf Szenen, Sequenzen und sogar ganze Akte anwenden, wenn es nötig ist - lassen Sie alles weg, was nicht zu einer größeren Veränderung beiträgt.

Wie man eine Story: Die Prinzipien des Drehbuchschreibens schreibt Story: Die Prinzipien des Drehbuchschreibens

Nachdem wir nun erklärt haben, wie Geschichten funktionieren, wollen wir nun konkret beschreiben, wie man eine Geschichte schreibt. McKee beschreibt detailliert, was seiner Meinung nach der ideale Schreibprozess ist: Beginnen Sie mit einer Skizze, arbeiten Sie sie zu einem Treatment aus und polieren Sie sie dann zu einem endgültigen Skript. McKee beschreibt dies als einen Prozess für Drehbuchautoren, aber man kann es auf Geschichten in jedem Medium anwenden.

Schritt 1: Erstellen einer Gliederung

Der erste Schritt beim Schreiben einer Geschichte besteht für McKee darin, eine Gliederung zu erstellen: eine detaillierte Beschreibung jedes einzelnen Handlungsschritts und jeder Wertänderung. Diese Gliederung ist ausschließlich eine Beschreibung der Handlung und enthält absichtlich keine Dialoge oder drehbuchähnlichen Beschreibungen. Da Sie im Wesentlichen Ihre gesamte Geschichte in Form einer Gliederung schreiben, wird dieser Schritt den größten Teil Ihrer Zeit in Anspruch nehmen.

McKee empfiehlt, viel mehr Szenen zu skizzieren, als man am Ende verwendet. Um die besten Ideen zu finden, sollte man so viele wie möglich schreiben, dann die besten auswählen und den Rest wegwerfen.

Shortform Anmerkung: Der Grund dafür, dass man die besten Ideen bekommt, wenn man mehr Szenen schreibt, als man braucht, ist, dass das Beurteilen der Ideen während des Schreibens die Teile des Gehirns hemmt, die für die Kreativität notwendig sind. Wenn Sie nur eine Szene schreiben wollen, werden Sie sie ständig beurteilen, um sicherzustellen, dass sie gut ist. Wenn Sie jedoch vorhaben, mehr Szenen zu schreiben, als Sie brauchen, können Sie sich auf Ihre Kreativität konzentrieren und Ihre Ideen später beurteilen).

Schreiben Sie so lange fesselnde Szenen und bauen Sie die Welt Ihrer Geschichte aus, bis Sie einen Höhepunkt finden, der Sie auf einer emotionalen Ebene tief berührt. Dieser Höhepunkt wird Ihnen verraten, was das Thema Ihrer Geschichte ist: die endgültige Veränderung Ihrer Geschichte und die Ursache für diese Veränderung. Dann können Sie beginnen, Ihre Geschichte rückwärts aufzubauen. Da jeder Abschnitt Ihrer Geschichte den Höhepunkt logisch und thematisch unterstützen sollte, gibt Ihnen der Höhepunkt die Richtung vor, die Sie brauchen, um die Szenen, Sequenzen und Handlungen Ihrer Geschichte zu festigen.

Sobald Sie eine vollständige Geschichte haben, empfiehlt McKee, sie einem Freund zu erzählen. Erzählen Sie ihm die ganze Geschichte, Schlag für Schlag. Feilen Sie so lange an Ihrem Entwurf, bis Sie eine Geschichte haben, die bei Ihren Zuhörern zuverlässig eine emotionale Wirkung entfaltet. Auf diese Weise verschwenden Sie keine Zeit mit der Ausarbeitung einer Geschichte, die nicht funktioniert.

Shortform AnmerkungShortform : In Über das Schreibenempfiehlt Stephen King , einen einzigen engen Freund oder ein Familienmitglied auszuwählen, der/die Ihre Geschichte jedes Mal als Erste/r hören wird. Wenn Sie sich während des Schreibens vorstellen, wie diese Person auf Ihre Geschichte reagieren wird, ist es laut King wahrscheinlicher, dass Sie etwas schreiben, das bei ihr Anklang findet).

Sie können die Gliederung überspringen

Entgegen dem Rat von McKee ziehen es viele Autoren vor, den ersten Entwurf ihrer Geschichten ohne eine Gliederung zu beginnen. Dieser Prozess ist allgemein als "pantsing" bekannt, was so viel bedeutet wie "in die Hosen gehen". Diese Autoren stellen fest, dass sie bessere Ideen finden, wenn sie schreiben, ohne zu wissen, wohin die Geschichte führt. Außerdem sind sie der Meinung, dass eine Gliederung im Vorfeld zu viel Zeit in Anspruch nimmt und dazu führt, dass ihre Geschichten eher formelhaft und vorhersehbar sind.

Wenn Ihnen das "pantsing" natürlicher vorkommt oder Sie Schwierigkeiten haben, eine Gliederung zu erstellen, sollten Sie einen vollständigen Entwurf schreiben und dann die Story-Theorie von McKee nachträglich anwenden. Ermitteln Sie den Höhepunkt, das Thema und die Handlungsstruktur Ihrer Geschichte und überarbeiten Sie sie dann, um sicherzustellen, dass alle diese Elemente im nächsten Entwurf übereinstimmen.

Wie man überzeugende Szenen schreibt

Wir haben besprochen, was man mit Szenen macht, wenn man sie einmal hat, aber wie kommt man überhaupt zu fesselnden Szenen?

Um lebensnahe Szenen zu schaffen, müssen Sie realistische Beats kreieren. Dazu empfiehlt McKee, dass Sie Ihre Figuren in eine Situation versetzen und dann tief in Ihre Vorstellungskraft eintauchen, um herauszufinden, was jede Figur Ihrer Meinung nach in dieser Situation authentisch denken und fühlen würde. Schreiben Sie auf, welche Handlungen die Figur wirklich ausführen würde.

Um sicherzugehen, dass jeder Abschnitt Ihre Geschichte voranbringt, untersuchen Sie Ihre Szene objektiv und stellen Sie sich vor, was realistischerweise passieren könnte, das das Gegenteil von dem ist , was Ihr Protagonist erwartet. Schreiben Sie dies auf, kehren Sie dann zum Standpunkt des Protagonisten zurück und stellen Sie sich seinen nächsten Schritt vor. Wiederholen Sie diesen Vorgang, bis Sie eine Wertänderung erreichen, die das Ende der Szene markiert. McKee behauptet, dass dieses wiederholte Hin- und Herpendeln zwischen subjektiver und objektiver Sichtweise der Schlüssel zum Schreiben fesselnder Szenen ist.

McKee's Prozess passt zu unserer Denkweise

McKees Verfahren zum Schreiben von Szenen macht Sinn, wenn man bedenkt, wie unser Gehirn funktioniert. Unter Ein Geist für Zahlenerklärt Barbara Oakley, dass unser Gehirn im Laufe des Tages ganz natürlich zwischen zwei Denkmodi umschaltet: dem fokussierten Denken, bei dem wir uns auf die Ausführung einer logischen Aufgabe konzentrieren, und dem diffusen Denken, bei dem wir uns entspannen und unsere Gedanken schweifen lassen. Oakley behauptet, dass die effektivste Art, ein Problem zu lösen, darin besteht, zwischen diesen beiden Modi zu wechseln und eine Pause von einer intensiven logischen Aufgabe zu machen, wann immer man das Gefühl hat, dass man nicht weiterkommt.

McKees Verfahren zum Schreiben von Szenen ist wohl auch deshalb so effektiv, weil es einen dazu zwingt, ständig zwischen diesen beiden Denkmodi zu wechseln. Es ist in erster Linie eine diffuse Aktivität - man stellt sich vor, wie es wäre, jemand anderes zu sein, und nimmt auf, was sich natürlich anfühlt. Dann wechselt man in den fokussierten Modus und überlegt, was der nächste unerwartete Handlungsstrang sein könnte. Da Sie ständig in den diffusen Modus wechseln, in dem es keine falschen Antworten zu geben scheint, ist die Wahrscheinlichkeit geringer, dass Sie nicht weiterkommen, als wenn Sie sich ständig den Kopf über das nächste logische Handlungsereignis zerbrechen würden.

Schritt #2: Schreiben Sie ein Treatment

Der zweite Schritt von McKee beim Schreiben einer Geschichte besteht darin, die Skizze in ein Treatment umzuwandeln: eine detailliertere Beschreibung jeder Szene, die sowohl den Text als auch den Subtext sorgfältig umreißt. Das heißt, Sie schreiben nicht nur sehr detailliert, was in jeder Szene passiert, sondern auch, was die einzelnen Figuren denken und fühlen - was sie wirklich motiviert. Wenn Sie eine lebensnahe Geschichte schreiben, wird dieser innere Subtext oft im Widerspruch zu dem stehen, was die Figuren oberflächlich betrachtet zu tun scheinen. Um auf unser Beispiel aus Findet Nemo zurückzukommen: Wenn Marlin Nemo zuruft: "Du wirst da draußen stecken bleiben! (Text), drückt er damit aus: "Ich hoffe, ich kann Nemo kontrollieren, indem ich wütend handle. Ich tue das nur, weil ich Angst habe, dass ihm etwas zustoßen könnte" (Subtext).

Wegen dieses Unterschieds zwischen Text und Subtext müssen Sie beide Textebenen aufschreiben, um sicherzustellen, dass Sie in jeder Szene vollständig verstehen, was in Ihrer Geschichte passiert. Laut McKee ist dies der Zweck eines Treatments.

Shortform Hinweis: McKee empfiehlt, den Subtext als Diagnoseinstrument zu skizzieren, um sicherzustellen, dass alles in Ihrer Szene der Realität entspricht. Sie können aber auch absichtlich Subtext in eine Szene einbauen, um sie fesselnder zu machen, indem Sie Ihre Figuren einfach nicht sagen lassen, was sie wirklich meinen. Subtext macht eine Szene in zweierlei Hinsicht fesselnder. Erstens werden dem Leser Informationen vorenthalten, was die Neugierde weckt. Wenn das Publikum nicht ganz sicher ist, was Ihre Figuren wirklich sagen, motiviert es sie, sich eingehender mit Ihrer Geschichte zu beschäftigen. Zweitens schafft der Subtext organisch Konflikte. Wenn Figuren nicht sagen, was sie wirklich fühlen, wird die Kommunikation erschwert, was die Spannung in zwischenmenschlichen Beziehungen erhöhen kann).

Schritt #3: Beenden Sie Ihr Skript

Der letzte Schritt beim Schreiben einer Geschichte besteht darin, sie in ihre endgültige Form zu bringen, erklärt McKee. In diesem Schritt fügen Sie Dialoge, Szenenbeschreibungen und alles andere hinzu, was in das Endprodukt einfließen soll. Wenn Sie die Handlung und den Subtext Ihrer Geschichte in den beiden vorangegangenen Schritten ausführlich skizziert haben, wird sich das Schreiben der Dialoge extrem einfach und natürlich anfühlen, da Sie Ihre Figuren als menschliche Wesen sehr gut verstehen.

Shortform Hinweis: Wenn Ihnen der Dialog in diesem Stadium immer noch nicht leicht fällt, gibt es viele Orte, an denen Sie sich inspirieren lassen können. Achten Sie genauer darauf, wie die Menschen, die Sie im wirklichen Leben kennen, sprechen. Recherchieren Sie bestimmte Dialekte oder Fachausdrücke, um Ihren Figuren einen authentischen Wortschatz zu geben. Studieren Sie, wie die Figuren in Ihren Lieblingsgeschichten sprechen).

McKee merkt an, dass jeder dieser drei Schritte eine umfassende Überarbeitung erfordern kann. Es kann sein, dass Sie erst merken, dass Ihre Geschichte nicht funktioniert, wenn Sie schon halb mit dem Schreiben der Dialoge fertig sind. In diesem Fall, so McKee, müssen Sie den Mut aufbringen, alles zu verwerfen, was nicht funktioniert, egal wie viel Zeit Sie mit dem Schreiben verbracht haben. Wenn Sie das getan haben, werden Sie mit einer starken, gut geschriebenen Geschichte dastehen.

Shortform Hinweis: Diese Idee erinnert an den oft wiederholten Ratschlag, "seine Lieblinge zu töten" -mit anderen Worten: Überarbeiten Sie jeden Teil Ihrer Geschichte, der für das Publikum nicht funktioniert, egal wie sehr Sie ihn beibehalten wollen. Wenn Sie den Mut nicht aufbringen können, einen Teil Ihrer Geschichte zu streichen, den Sie lieben, versuchen Sie, diese Passage vorübergehend beiseite zu schieben (anstatt sie zu streichen). Die Gewissheit, dass Sie die ursprüngliche Passage jederzeit wieder einfügen können, gibt Ihnen oft die nötige Ruhe, um etwas Neues zu schreiben, das sie ersetzt - was vielleicht sogar noch besser ist.)