Zusammenfassung (PDF):Geschichte, von Robert McKee

Geschichten sind geheimnisvoll – wie Musik üben sie eine emotionale Kraft auf uns aus, die sich kaum erklären lässt. Der Drehbuchautor und Storytelling-Experte Robert McKee vertritt jedoch die Ansicht, dass sich die emotionale Kraft von Geschichten nicht nur erklären lässt, sondern dass man auch lernen kann, sie zu erschaffen. In „Story“ analysiert McKee die Funktionsweise von Geschichten und nutzt diese Theorie, um zu erklären, wie man eine fesselnde Geschichte schreibt. Das Buch richtet sich zwar an Drehbuchautoren, doch seine Grundsätze lassen sich auf jede Art des Geschichtenerzählens anwenden.

In diesem Leitfaden erklären wir, welche Elemente Geschichten ermöglichen, das Publikum sowohl emotional als auch intellektuell anzusprechen. Sie erfahren, wie „Beats“ aus Aktion und Reaktion als treibende Kraft fesselnder Szenen wirken und wie Szenen, Sequenzen und Akte zusammenwirken, um Geschichten zu bilden, die die Aufmerksamkeit fesseln. Wir liefern Hintergrundinformationen zu früheren Werken, die „Story“ wahrscheinlich inspiriert haben, wie beispielsweise Joseph Campbells „Der Held mit den tausend Gesichtern“. Außerdem ergänzen wir McKees Ratschläge zum Schreiben mit Tipps aus anderen beliebten Büchern, wie beispielsweise Stephen Kings „On Writing “ und Blake Snyders „Save the Cat!“.

(Fortsetzung)...

Jede Szene endet mit einer Wertänderung

Eine Abfolge von Handlungsschritten, in der die Handlungen einer Hauptfigur schließlich dazu führen, dass sich ein oder mehrere wesentliche Werte verändern, bezeichnet McKee als Szene. Die Szene ist die kleinste Einheit des Erzählens, die sich wie eine in sich geschlossene Geschichte anfühlt. In „Findet Nemo“ wäre eine Szene beispielsweise die, in der Marlin Nemo auf dessen Klassenfahrt findet, ihn versehentlich dazu verleitet, aufs offene Meer hinauszuschwimmen, und es nicht schafft, Nemo davor zu bewahren, von einem Taucher gefangen zu werden. Die Wertveränderung, die sich daraus ergibt, dass Marlin seinen Sohn verliert, markiert das Ende der Szene.

Alternativ: Szenen mit Fortsetzungen kombinieren

Ähnlich wie bei den „Beats“ sind sich Autoren uneinig über eine genaue Definition des Begriffs „Szene“. Eine gängige und potenziell nützliche Definition stammt von „Techniques of the Selling Writer“ von Dwight V. Swain. Was Swain als „Szene“ bezeichnet, kommt dem näher, was McKee als „Beat“ bezeichnet – ein Protagonist hat ein Ziel, ein Hindernis taucht auf, und es geschieht etwas, das den Protagonisten daran hindert, sein Ziel zu erreichen. Swain fügt jedoch eine Idee hinzu, die McKee nicht berücksichtigt, indem er argumentiert, dass auf jede Szene eine Fortsetzungfolgen muss – der Protagonist reagiert emotional auf sein neues Hindernis, denkt über seine neue Situation nach und entscheidet sich dann für seine nächste Handlung.

McKee räumt zwar ein, wie wichtig es ist, dass deine Figuren auf unerwartete Hindernisse reagieren, doch stellt er diese Nachwirkungen nicht – wie Swain – als ebenso wichtigen Bestandteil wie die Szenen selbst dar. Dennoch kann es hilfreich sein, deine Geschichte im Hinblick auf diese Nachwirkungen zu betrachten, um daran zu denken, mehr Zeit auf die Gedanken und Gefühle deiner Figuren zu verwenden. Sind solche Nachwirkungen gut geschrieben, helfen sie deinem Publikum, sich besser in deinen Protagonisten hineinzuversetzen (die erste Zutat einer Geschichte), und verstärken so die emotionale Wirkung deiner Geschichte.

So verstärken Sie die Aussagekraft Ihrer Geschichte

Wir haben die spezifische Erzählstruktur definiert, die jedem einzelnen Ereignis in Ihrer Geschichte für Ihr Publikum Bedeutung und Emotionalität verleiht: Ein Protagonist verfolgt ein Ziel, stößt auf eine Reihe unerwarteter Hindernisse und bewirkt damit eine Veränderung in seinem Leben. Um jedoch die Bedeutung und die emotionale Wirkung Ihrer Geschichte zu verstärken, müssen Sie laut McKee zwei weitere Elemente einbeziehen:

1. Zunehmendes Risiko
2. Thematische Kohärenz

Lassen Sie uns besprechen, wie Sie diese Mittel jeweils einsetzen können, um die Aussagekraft Ihrer Geschichte zu verstärken.

Verstärkungsfaktor Nr. 1: Zunehmendes Risiko

Um die Bedeutung Ihrer Geschichte zu verstärken, erklärt McKee, dass Sie Ihren Protagonisten dazu zwingen müssen, bei der Verfolgung eines wertvollen Ziels das zu riskieren, was ihm am meisten am Herzen liegt. Warum ? Im Leben beurteilen wir den Wert einer Sache danach, wie viel wir bereit sind, dafür zu riskieren oder zu opfern. Daher ist die Schaffung eines Protagonisten, der bereit ist, alles zu riskieren, was ihm wichtig ist, der direkteste Weg, dem Publikum das Gefühl zu vermitteln, dass die Handlungen des Protagonisten wichtig und bedeutungsvoll sind. Hat Ihr Protagonist hingegen nichts zu verlieren, wirkt die Geschichte langweilig und belanglos.

(Anmerkung zur Kurzform: In Skin in the Gamedreht Nassim Nicholas Taleb diesen Gedanken um und argumentiert, dass man etwas, das man angeblich schätzt, in Wirklichkeit gar nicht wertschätzt, wenn man nicht bereit ist, bei der Verfolgung dieses Ziels etwas Wichtiges zu riskieren – ganz gleich, was man behauptet. Taleb nutzt diesen Gedanken, um diejenigen zu kritisieren, die vorgeben, sich um andere zu kümmern, nur um von einem „tugendhaften“ öffentlichen Image zu profitieren, zum Beispiel einen Politiker, der vorgibt, egalitäre Ideale zu unterstützen, um mehr politische Unterstützung zu gewinnen.)

Zudem ist das Tempo, mit dem du das Risiko in deiner Geschichte steigerst, von Bedeutung: Um eine Geschichte durchgehend spannend zu gestalten, musst du das Risiko für deinen Protagonisten im Verlauf der Handlung schrittweise erhöhen, erklärt McKee. Wenn der Protagonist dieselben Handlungen ausführt wie zuvor in der Geschichte, weiß das Publikum, dass es dieselben Ergebnisse erwarten kann, und es wird sich langweilen. Wenn Sie Ihren Protagonisten hingegen dazu zwingen, immer riskantere und extremere Handlungen zu vollziehen, weiß das Publikum, dass diese Handlungen neue, interessante Konsequenzen haben werden, und es wird gefesselt sein.

(Kurzer Hinweis: Eine einfache Strategie, um das Risiko in deiner Geschichte auf natürliche Weise zu steigern, besteht darin, eine tickende Uhr einzubauen– eine zeitliche Begrenzung, die bestimmte Konsequenzen nach sich zieht, wenn dein Protagonist sein Ziel nicht schnell genug erreichen kann. Drehbuchautoren bauen oft solche Zeitdruck-Situationen ein; in „Matrix“ muss Neo beispielsweise Morpheus in der Simulation retten, bevor die Sentinels seinen Körper in der realen Welt finden und töten. Mit einer tickenden Uhr wird dein Protagonist glaubwürdig immer riskantere Handlungen vornehmen, da ihm die Zeit davonläuft und er zunehmend verzweifelt.)

Handlungsstränge steigern naturgemäß das Risiko

McKee merkt an, dass das Bedürfnis nach zunehmendem Risiko ein weiterer Grund dafür ist, warum der „Beat“ die Grundeinheit des Erzählens ist. Wenn die Handlung eines Protagonisten auf eine unerwartete Reaktion stößt, kann dies das Risiko der Handlungen des Protagonisten auf glaubwürdige Weise steigern. Es liegt in der menschlichen Natur, dass wir unsere Wünsche mit so wenig Risiko und Aufwand wie möglich verwirklichen wollen. Wenn jedoch der einfachste und naheliegendste Weg für einen Protagonisten, sein Ziel zu erreichen, nicht funktioniert, muss er eine aufwendigere, riskantere Handlung versuchen, wenn er es dennoch erreichen will. Nachdem dies oft genug hintereinander passiert ist, hast du auf glaubwürdige Weise eine Geschichte mit hohem Einsatz aufgebaut.

Stellen Sie sich zum Beispiel vor, ein Protagonist sieht ein Kind mitten auf einer gefährlichen Kreuzung stehen. Der Protagonist ruft dem Kind zu, es solle sich in Sicherheit bringen, doch das Kind ignoriert ihn. Diese unerwartete Reaktion zwingt den Protagonisten dazu, eine riskantere Maßnahme zu ergreifen – auf die Straße zu springen und das Kind in Sicherheit zu ziehen.

Das Risiko durch die Entwicklung einer Figur steigern

Wenn du mithilfe von Handlungsschüben den Einsatz deiner Geschichte schrittweise erhöht hast, es sich aber dennoch nicht so anfühlt, als stünde für deinen Protagonisten genug auf dem Spiel, könnte das daran liegen, dass sein Ziel nicht wichtig genug ist, als dass er glaubhaft alles dafür riskieren würde. In diesem Fall solltest du das Ziel deines Protagonisten vielleicht im Verlauf der Geschichte durch etwas Wichtigeres ersetzen.

Dies knüpft an den Begriff des Charakterbogens an – wenn die Ereignisse deiner Geschichte deinen Protagonisten grundlegend verändern. In vielen Geschichten erkennt der Protagonist, dass das Ziel, das er zu Beginn der Geschichte hatte, weniger wichtig ist, als er geglaubt hatte, und er beginnt, ein neues Ziel zu verfolgen, das ihn tiefer erfüllt. Dann ist er bereit, mehr zu opfern, um dieses neue Ziel zu erreichen, was den Einsatz der Geschichte erhöht. In „Mad Max: Fury Road“ zum Beispiel will Max zunächst nur der Sklaverei entkommen, doch am Ende der Geschichte ist er bereit, sein Leben zu riskieren, um das Leben derer zu retten, mit denen er gereist ist.

McKee würde wahrscheinlich argumentieren, dass Handlungswendungen, die Erwartungen unterlaufen, der richtige Weg sind, um eine solche Charakterentwicklung zu erreichen. Grundsätzlich will sich niemand ändern. Da unerwartete Handlungswendungen den Protagonisten jedoch dazu bringen, mehr über die Welt zu erfahren, als er zuvor wusste, kannst du sie nutzen, um deinem Protagonisten die Erkenntnisse zu vermitteln, die notwendig sind, um seine Charakterentwicklung anzustoßen.

Verstärkungsfaktor Nr. 2: Thematische Kohärenz

Neben der zunehmenden Spannung muss eine Geschichte, um beim Publikum eine möglichst tiefgreifende Wirkung zu erzielen, den Eindruck vermitteln, dass jeder Teil der Geschichte dieselbe Bedeutung transportiert. Diese Bedeutung ist das Thema Ihrer Geschichte, das McKee als „leitenden Gedanken“ bezeichnet . Auch wenn manche vielleicht annehmen, dass die Beschränkung Ihrer Geschichte auf ein einziges Thema deren Bedeutung einschränkt, betont McKee, dass die Konzentration auf ein zentrales Thema dem Publikum eine Vielzahl von Implikationen zur Reflexion bietet. Im Gegensatz dazu führt der Versuch, mehrere Hauptideen einzubeziehen, dazu, dass Ihre Geschichte unübersichtlich wird und das Publikum daran gehindert wird, einen Sinn zu erkennen.

(Anmerkung von Shortform: McKee empfiehlt, die Geschichte um ein Thema herum aufzubauen, um die Wahrscheinlichkeit zu maximieren, dass das Publikum sie als bedeutungsvoll empfindet. Es kann jedoch sein, dass das Publikum das Thema anders interpretiert, als Sie es beabsichtigt haben. Viele glauben, dass die einem Text innewohnende Bedeutung jede Absicht des Autors außer Kraft setzt – ein theoretischer Ansatz, der als Anti-Intentionalismus bekannt ist. Wenn Sie eine Geschichte in die Welt hinauslassen, müssen Sie die Tatsache akzeptieren, dass sie nicht mehr vollständig Ihnen gehört – das Publikum könnte sie nutzen, um seine eigenen Botschaften zu vermitteln. Dennoch wird es dem Publikum wohl schwerer fallen, Ihr beabsichtigtes Thema falsch zu interpretieren, wenn Sie Ihre Geschichte, wie McKee vorschlägt, eng um eine einzige Idee herum strukturieren.)

Laut McKee ist ein Leitmotiv immer eine konkrete, wahrheitsgetreue Aussage über die Welt, die Ursache und Wirkung zum Ausdruck bringt. Diese Ursache und Wirkung sind in der Regel die endgültige Veränderung in deiner Geschichte und der Grund für diese Veränderung. Das Leitmotiv von „Findet Nemo“ könnte man beispielsweise so formulieren: „Kinder führen ein erfülltes Leben, wenn Eltern ihnen erlauben, Risiken einzugehen.“

(Anmerkung von Shortform: McKees Definition des Themas ist für Autoren wohl nützlicher als gängigere, allgemeinere Definitionen. Vage, einwortige Themen wie „Familie“ können dazu führen, dass man eine Geschichte schreibt, die man für thematisch stimmig hält , die aber in Wirklichkeit nichts Konkretes aussagt. Wenn du beispielsweise versuchst, eine Geschichte über „Familie“ zu schreiben, könntest du eine Szene über ein Familientreffen und eine andere über die Geburt eines Kindes schreiben, aber auf einer tieferen Ebene haben diese Szenen nichts miteinander zu tun. Wenn dein Thema hingegen lautet: „Man findet persönliche Erfüllung, wenn man Opfer für die Familie bringt“, kannst du sofort erkennen, ob diese beiden Szenen dieselbe zusammenhängende Bedeutung vermitteln.)

Alle Wertänderungen spiegeln das Thema wider

Wie verknüpft man jede Szene in seiner Geschichte mit einem einheitlichen Thema? Denken Sie daran: Um Bedeutung zu erzeugen, endet jede Szene in Ihrer Geschichte mit einer Art Wertwandel. McKee erklärt, dass zur Schaffung thematischer Kohärenz der entscheidende Wertwandel jeder Szene entweder die Wahrheit Ihres Themas oder das Gegenteil Ihres Themas – das wir als Anti-Thema bezeichnen – belegen sollte .

Darüber hinaus behauptet McKee, dass deine Geschichte zwischen diesen beiden Aspekten wechseln sollte, sodass sie immer wieder erst die eine Idee und dann deren Gegenteil zu bestätigen scheint – bis zum Höhepunkt, an dem das Thema endgültig über das Antithema triumphiert. Diese ungewisse Spannung zwischen zwei widersprüchlichen Ideen spiegelt die Komplexität des Lebens auf eine weitaus glaubwürdigere und bedeutungsvollere Weise wider, als wenn jede Szene deiner Geschichte denselben Standpunkt untermauern würde. Dadurch kann Ihre Geschichte eine bestimmte Botschaft vermitteln, ohne sie dem Publikum jemals explizit mitzuteilen.

Wenn beispielsweise das Thema von „Findet Nemo“ lautet: „Kinder führen ein erfülltes Leben, wenn Eltern ihnen erlauben, Risiken einzugehen“, so ist sein Gegenthema im gesamten Film ebenso präsent: „Kinder fügen sich selbst irreparable Schaden zu, wenn Eltern so nachlässig sind, sie in Gefahr zu bringen.“ Am deutlichsten wird dies im Höhepunkt des ersten Akts, als Nemo entführt wird, aber es ist jedes Mal gleichermaßen präsent, wenn Hindernisse zwischen Marlin und Nemo auftauchen. Szenen, die den Eindruck erwecken, Marlin werde Nemo nicht finden können, dienen als Beweis dafür, dass Marlin seinen Sohn von vornherein besser hätte beschützen sollen.

McKees thematische Struktur ist dialektisch

McKees Konzept des thematischen Erzählens ist eine Form der Dialektik–ein Denkmodell, dessen Wurzeln in der antiken griechischen Philosophie liegen. Überzeugendes Schreiben, eine Gruppendiskussion oder eine konstruktive Debatte lassen sich alle in dialektischer Form darstellen.

Um eine Idee dialektisch darzustellen, formuliert man zunächst eine These– das ist die gängige Meinung oder Grundannahme, die die meisten Menschen vertreten. Anschließend hinterfragt man die These mit einer Antithese –einer oder mehreren Tatsachen, die der These widersprechen. Schließlich schließt man mit einer Synthese– einer neuen Wahrheitsaussage, die die Fakten sowohl der These als auch der Antithese berücksichtigt und etwaige Widersprüche auflöst. (In einer längeren oder komplexeren Dialektik stellt man die Synthese dann mit einer zusätzlichen Antithese in Frage und löst diese Logik in eine neue Synthese auf, bis man alles gesagt hat, was man zu sagen hat.)

Da es sich um einen ausgewogenen, unvoreingenommenen Dialog handelt, ist die Dialektik eine überzeugende Methode, um jede Idee darzustellen – was erklärt, warum McKee sie als wirkungsvolles Mittel nutzt, um das Thema Ihrer Geschichte zum Ausdruck zu bringen. Dieses Verständnis der Dialektik steht jedoch wohl im Widerspruch zu einer von McKees Schlussfolgerungen. Wenn Geschichten dialektisch sind, wird das Thema, das am Höhepunkt Ihrer Geschichte offenbart wird, eine Synthese sein – statt eines Themas, das über das Antithema triumphiert, bleibt Ihnen eine komplexe Sicht auf das Leben, die argumentiert, dass sowohl das Thema als auch das Antithema bis zu einem gewissen Grad wahr sind.

Wie man eine Geschichte aufbaut

Wir haben bereits dargelegt, wie Geschichten Bedeutung erzeugen und welche Mittel diese Bedeutung verstärken (zunehmende Gefahr und ein schlüssiges Thema). McKee argumentiert, dass alle besonders wirkungsvollen Geschichten einem einheitlichen Muster oder einer einheitlichen Erzählstruktur folgen, da sie all diese Elemente enthalten müssen.

Die wichtigsten Elemente einer Geschichte: Höhepunkt und auslösendes Ereignis

McKee argumentiert, dass die wichtigste Szene in jeder Geschichte der Höhepunkt ist: die letzte, extremste und unumkehrbare Wende in deiner Geschichte. Der Höhepunkt deiner Geschichte ist die bedeutungsvollste Szene und wirkt sich aufgrund der im vorigen Abschnitt besprochenen Verstärkungselemente intensiver auf das Publikum aus als jede andere Szene. Der Höhepunkt ist der Moment, in dem der Protagonist das größte Risiko eingeht und sein Ziel entweder erreicht oder verfehlt. Darüber hinaus „beweist“ der Höhepunkt endgültig dein Thema, indem er die endgültigen Konsequenzen aller Handlungen deines Protagonisten offenbart.

Um einen wirkungsvollen Höhepunkt zu schaffen, musst du außerdem einen gut durchdachten auslösenden Vorfall schreiben: eine Szene zu Beginn der Geschichte, die die erste große Veränderung im Leben deines Protagonisten auslöst. Diese große Veränderung stürzt das Leben des Protagonisten ins Chaos und in die Ungewissheit und veranlasst ihn, Maßnahmen zu ergreifen, um das Ziel zu erreichen, von dem er glaubt, dass es ihm ein vorhersehbares, erstrebenswertes und normales Leben bescheren wird. Dies ist das Ziel, das der Protagonist während der gesamten Geschichte bis zum Höhepunkt verfolgen wird.

Kurz gesagt: Der auslösende Vorfall wirft die zentrale Frage deiner Geschichte auf, und der Höhepunkt gibt die Antwort darauf. Diese beiden Ereignisse bilden den Kern deiner Geschichte. Der auslösende Vorfall in „Findet Nemo“ ist der Moment, in dem Nemo von einem Taucher entführt wird, und der Höhepunkt ist der Moment, in dem Marlin und Nemo wieder sicher vereint sind.

Ein Vergleich westlicher und östlicher Erzählstrukturen

Obwohl McKee diese Erzählstruktur als universell darstellt, argumentieren einige, dass es sich dabei in erster Linie um eine westliche Struktur handelt, deren Wurzeln im antiken Griechenland liegen. So folgen beispielsweise viele Geschichten in China, Korea und Japan einer Vier-Akt-Struktur namens „Kishōtenketsu“, die weder einen auslösenden Vorfall noch einen Höhepunkt im herkömmlichen Sinne enthält. Vielleicht kennen Sie Kishōtenketsu aus den Anime-Filmen von Studio Ghibli, wie „Chihiros Reise ins Zauberland“ und „Mein Nachbar Totoro“, die typischerweise dieser Struktur folgen.

Im Mittelpunkt von Kishōtenketsu-Geschichten steht eher die innere Entwicklung als äußere Konflikte. Oft schildern sie eher einen ganz normalen Abschnitt im Leben der Figuren als dramatische, lebensverändernde Wendungen. Daher benötigen sie keinen auslösenden Vorfall, der das Leben der Figuren radikal auf den Kopf stellt.

Ebenso gibt es am Ende von Kishōtenketsu-Geschichten keinen wirklichen Höhepunkt. Auch wenn sie manchmal damit enden, dass eines der Hauptprobleme der Figuren gelöst wird, soll diese Auflösung selten ein Gefühl der Vollendung oder Endgültigkeit vermitteln. Vielmehr zeigt sie dem Publikum die neue Normalität der Figuren – oft das Ergebnis einer subtilen und unvollständigen Charakterveränderung – und deutet an, wie ihr Leben von nun an weitergehen wird.

Alles dazwischen: Szenen, Sequenzen und Akte

McKee behauptet, dass auch die Teile deiner Geschichte zwischen dem auslösenden Ereignis und dem Höhepunkt einem einheitlichen Muster folgen. Dieses Muster baut auf den bereits besprochenen Mitteln der Sinnstiftung auf: In einer Szene verfolgt ein Protagonist ein Ziel, stößt auf ein Hindernis, das seine Erwartungen durchkreuzt, und bewirkt, dass sich etwas in seinem Leben verändert . Um eine vollständige Geschichte zu schreiben, wiederhole dieses Muster auf der übergeordneten Ebene.

Mit anderen Worten: Eine Geschichte ist fraktal: So wie sich einzelne Handlungselemente zu einer Szene zusammenfügen, erklärt McKee, dass sich Szenen zu einer Sequenz zusammenfügen, die mit einer bedeutenderen Veränderung im Leben des Protagonisten endet als jede einzelne Szene für sich. Ebenso bezeichnet McKee eine Abfolge von Sequenzen, die zu einer einschneidenden Veränderung führt, als Akt, und eine Handvoll solcher Akte bilden die gesamte Geschichte.

Dieses Konzept sorgt dafür, dass jeder einzelne Handlungsschritt zu mehreren entscheidenden Wendepunkten beiträgt: dem Höhepunkt der nächsten Szene, dem Höhepunkt der Sequenz und dem Höhepunkt des Aktes. Daher fühlt sich jeder Handlungsschritt in jeder Szene wichtig an, und die Wendepunkte deiner Geschichte gewinnen zunehmend an Bedeutung und Gewicht, da die Summe aller Handlungen deines Protagonisten zu immer größeren Veränderungen führt.

Im zweiten Akt von „Findet Nemo“ gibt es beispielsweise eine Szene, in der Marlin sich mit einem Fisch namens Dory anfreundet, was zu einer positiven Wertveränderung führt (Gewinn eines Verbündeten). Diese Wertveränderung auf Szeneneebene (neben anderen) verhilft Marlin zu einer umfassenderen Wertveränderung auf Sequenzebene, in der Dory ihm hilft, die Adresse des Entführers seines Sohnes herauszufinden (Gewinn einer Orientierung). Diese Sequenz (neben anderen) hilft Marlin, erfolgreich die Zahnarztpraxis zu erreichen, in der Nemo festgehalten wird – nur um dort in einem negativen Höhepunkt des zweiten Akts festzustellen, dass sein Sohn Nemo tot ist (oder zumindest glaubt er das). Jede Entscheidung, die Marlin im zweiten Akt trifft, hat direkt zu dieser entscheidenden Wertveränderung (Verlust der Familie) geführt – hätte Marlin sich nicht mit Dory angefreundet, wäre er nicht in der Zahnarztpraxis angekommen.

McKee vertritt die Ansicht, dass Spielfilme mindestens drei Akte haben müssen, um beim Publikum die größtmögliche Wirkung zu erzielen: drei einschneidende Wendungen, die die Welt des Protagonisten auf den Kopf stellen. Man kann gerne mehr als drei Akte einbauen, doch bei weniger als drei wirkt ein Film unvollständig.

(Kurzer Hinweis: Auch wenn McKee argumentiert, dass eine Geschichte so viele Akte haben kann, wie nötig, sind viele der Ansicht, dass alle wirkungsvollen Geschichten in nicht mehr als drei Akten erzählt werden. Diese Idee wurde von Syd Field in seinem Buch Screenplay, in dem Field die drei Akte „Einleitung“, „Konfrontation“ und „Auflösung“ definiert. Auch Aristoteles widerspricht McKee in „Poetik“, in dem er argumentiert, dass Geschichten nur zwei Akte haben sollten– vor und nach dem Eintreten einer Tragödie.)

Tipp: Entferne alles, was du kannst

McKees Vorstellung, dass jeder Handlungsschritt gleichzeitig zu mehreren übergeordneten Wertveränderungen beitragen sollte, ist vielleicht komplexer, als sie sein müsste. Es gibt eine einfache Methode, um festzustellen, ob ein Story-Beat nicht in eine übergeordnete Struktur passt: Wenn man einen Beat entfernen kann und die Geschichte dennoch vollkommen Sinn ergibt, führt dieser Beat zu keiner Veränderung und trägt somit nicht zur Handlung bei. Denn wenn ein Story-Beat eine bedeutende Veränderung bewirkt, wird diese Veränderung später in der Geschichte sichtbar.

Solange du darauf achtest, dass deine Geschichte mindestens drei bedeutende, aktgroße Wendungen enthält, und du alles aus deiner Geschichte gestrichen hast, was nicht zu diesen Wendungen beiträgt, hast du eine gut strukturierte Geschichte. Dieselbe Logik kannst du bei Bedarf auch auf Szenen, Sequenzen und sogar ganze Akte anwenden – entferne alles, was nicht zu einer wesentlichen Wendung beiträgt.

Wie man eine Geschichte schreibt

Nachdem wir nun erläutert haben, wie Geschichten funktionieren, wollen wir konkret beschreiben, wie man eine Geschichte schreibt. McKee beschreibt detailliert, was seiner Meinung nach der ideale Schreibprozess ist: Man beginnt mit einer Gliederung, arbeitet diese zu einem Treatment aus und feilt sie schließlich zu einem endgültigen Drehbuch. McKee stellt dies als einen Prozess für Drehbuchautoren dar, aber man kann ihn auf Geschichten in jedem Medium anwenden.

Schritt 1: Erstellen Sie eine Gliederung

McKees erster Schritt beim Schreiben einer Geschichte besteht darin, eine Gliederung zu erstellen: eine detaillierte Beschreibung jedes einzelnen Handlungsschritts und jeder Wendung in der Handlung. Diese Gliederung ist ausschließlich eine Beschreibung der Handlung und enthält bewusst keine Dialoge oder Beschreibungen im Drehbuchstil. Da Sie im Grunde Ihre gesamte Geschichte in Form einer Gliederung schreiben, wird dieser Schritt den Großteil Ihrer Zeit in Anspruch nehmen.

McKee empfiehlt, viel mehr Szenen zu skizzieren, als man letztendlich verwendet. Der beste Weg, die besten Ideen zu finden, besteht darin, so viele wie möglich aufzuschreiben, dann die allerbesten auszuwählen und den Rest zu verwerfen.

(Kurzer Hinweis: Der Grund dafür, dass man die besten Ideen bekommt, wenn man mehr Szenen schreibt, als man braucht, liegt darin, dass das Bewerten der Ideen während des Schreibens jene Teile des Gehirns hemmt, die für die Kreativität notwendig sind. Wenn man vorhat, nur eine Szene zu schreiben, wird man diese ständig bewerten, um sicherzustellen, dass sie gut ist. Wenn man jedoch vorhat, mehr Szenen zu schreiben, als man braucht, kann man sich darauf konzentrieren, kreativ zu sein, und die Ideen später bewerten.)

Schreibe weiter fesselnde Szenen und arbeite die Welt deiner Geschichte aus, bis du einen Höhepunkt findest, der dich emotional tief berührt. Dieser Höhepunkt wird dir offenbaren, was das Thema deiner Geschichte ist: die endgültige Veränderung in deiner Geschichte und die Ursache hinter dieser Veränderung. Dann kannst du damit beginnen, deine Geschichte rückwärts aufzubauen. Da jeder Abschnitt deiner Geschichte den Höhepunkt logisch und thematisch untermauern sollte, gibt dir der Höhepunkt die Richtung vor, die du brauchst, um die Szenen, Sequenzen und Akte deiner Geschichte zu festigen.

Sobald du eine vollständige Geschichte hast, empfiehlt McKee, sie einem Freund vorzustellen. Erzähl ihm die ganze Geschichte, Schritt für Schritt. Feile so lange an deinem Entwurf, bis du eine Geschichte hast, die bei deinen Zuhörern garantiert eine emotionale Wirkung hinterlässt. Auf diese Weise verschwendest du keine Zeit damit, eine Geschichte auszuarbeiten, die nicht funktioniert.

(Anmerkung zur Kurzform: In „On Writing“empfiehlt Stephen King, sich einen einzigen engen Freund oder ein Familienmitglied auszusuchen, der oder die jedes Mal als Erster oder Erste deine Geschichte zu hören bekommt. Laut King ist es wahrscheinlicher, dass du etwas schreibst, das bei dieser Person Anklang findet, wenn du dir beim Schreiben vorstellst, wie sie auf deine Geschichte reagieren wird.)

Vielleicht solltest du die Gliederung überspringen

Entgegen McKees Ratschlag ziehen es viele Autoren vor, den ersten Entwurf ihrer Geschichten ohne Gliederung zu beginnen. Dieser Prozess wird gemeinhin als „Pantsing“ bezeichnet, in Anlehnung an den Ausdruck „aus dem Stegreif handeln“. Diese Autoren sind der Meinung, dass sie bessere Ideen entwickeln können, wenn sie schreiben, ohne zu wissen, in welche Richtung die Geschichte verläuft. Zudem sind sie der Ansicht, dass das Erstellen einer Gliederung im Vorfeld zu viel Zeit in Anspruch nimmt und dazu führt, dass ihre Geschichten formelhaft und vorhersehbar werden.

Wenn dir das „Pantsing“-Verfahren besser liegt oder du Schwierigkeiten hast, einen Entwurf zu erstellen, solltest du in Erwägung ziehen, zunächst einen vollständigen Entwurf zu schreiben und McKees Erzähltheorie erst im Nachhinein anzuwenden. Erkenne den Höhepunkt, das Thema und die Aktenstruktur deiner bestehenden Geschichte und überarbeite sie anschließend, um sicherzustellen, dass all diese Elemente im nächsten Entwurf aufeinander abgestimmt sind.

Wie man fesselnde Szenen schreibt

Wir haben bereits besprochen, was man mit Szenen machen kann, sobald man sie hat, aber wie entwickelt man überhaupt erst einmal fesselnde Szenen?

Um lebensechte Szenen zu schaffen, müssen Sie realistische Handlungsschritte entwickeln. Dazu empfiehlt McKee, Ihre Figuren in eine Situation zu versetzen und dann tief in Ihre Vorstellungskraft einzutauchen, um herauszufinden, was Ihrer Meinung nach jede Figur in dieser Situation wirklich denken und fühlen würde. Schreiben Sie auf, welche Handlung diese Figur ehrlich gesagt ausführen würde.

Um sicherzustellen, dass jeder Handlungsschritt die Geschichte vorantreibt, betrachten Sie Ihre Szene objektiv und überlegen Sie sich, was realistisch gesehen passieren könnte, das genau das Gegenteil dessen ist, was Ihr Protagonist erwartet. Schreiben Sie dies auf, kehren Sie dann zur Perspektive des Protagonisten zurück und überlegen Sie sich dessen nächsten Schritt. Wiederholen Sie dies, bis Sie zu einer Wende gelangen, die das Ende der Szene markiert. McKee behauptet, dass dieses wiederholte Wechseln zwischen subjektiver und objektiver Perspektive der Schlüssel zum Schreiben fesselnder Szenen ist.

McKees Vorgehensweise entspricht unserer Denkweise

McKees Vorgehensweise beim Verfassen von Szenen ergibt Sinn, wenn man bedenkt, wie unser Gehirn funktioniert. In „A Mind for Numbers“erklärt Barbara Oakley, dass das Gehirn im Laufe des Tages ganz natürlich zwischen zwei Denkmodi wechselt: dem fokussierten Denken, bei dem man sich auf die Ausführung einer logischen Aufgabe konzentriert, und dem diffusen Denken, bei dem man sich entspannt und die Gedanken schweifen lässt. Oakley behauptet, dass der effektivste Weg zur Lösung eines Problems darin besteht, zwischen diesen beiden Modi zu wechseln und bei einer intensiven logischen Aufgabe eine Pause einzulegen, sobald man das Gefühl hat, nicht weiterzukommen.

Man könnte argumentieren, dass McKees Methode zum Schreiben von Szenen zum Teil deshalb so effektiv ist, weil sie einen dazu zwingt, ständig zwischen diesen beiden Denkweisen zu wechseln. Es handelt sich in erster Linie um eine Tätigkeit im diffusen Modus – man stellt sich vor, wie es sich anfühlen würde, jemand anderes zu sein, und hält fest, was sich natürlich anfühlt. Dann wechselt man in den fokussierten Modus und überlegt, wie der nächste unerwartete Handlungsschub aussehen könnte. Da man ständig in den diffusen Modus wechselt, in dem es sich so anfühlt, als gäbe es keine falschen Antworten, gerät man seltener in eine Sackgasse, als wenn man sich ständig den Kopf über das nächste logische Handlungsereignis zerbrechen würde.

Schritt 2: Verfassen Sie ein Treatment

McKees zweiter Schritt beim Verfassen einer Geschichte besteht darin, die Gliederung in ein Treatment umzuwandeln: eine detailliertere Beschreibung jeder Szene, die sowohl den Text als auch den Subtext berücksichtigt. Das heißt, man schreibt nicht nur äußerst detailliert auf, was in jeder Szene geschieht, sondern auch, was jede Figur denkt und fühlt – was sie wirklich antreibt. Wenn Sie eine realistische Geschichte schreiben, steht dieser innere Subtext oft im Widerspruch zu dem, was die Figuren oberflächlich betrachtet zu tun scheinen. Um auf unser Beispiel aus „Findet Nemo“ zurückzukommen: Wenn Marlin Nemo anschreit: „Du wirst da draußen festsitzen!“ (Text), drückt er damit aus: „Ich hoffe, ich kann Nemo kontrollieren, indem ich wütend tue. Ich tue das nur, weil ich Angst habe, dass ihm etwas zustoßen könnte“ (Subtext).

Aufgrund dieses Unterschieds zwischen Text und Subtext müssen Sie beide Textebenen festhalten, um sicherzustellen, dass Sie in jeder Szene genau verstehen, was in Ihrer Geschichte vor sich geht. Laut McKee ist dies der Zweck eines Treatments.

(Kurzanmerkung: McKee empfiehlt, den Subtext als diagnostisches Instrument zu skizzieren, um sicherzustellen, dass alles in deiner Szene realitätsnah ist. Du kannst jedoch auch bewusst Subtext in eine Szene einfließen lassen, um sie spannender zu gestalten, indem du deine Figuren einfach nicht das sagen lässt, was sie wirklich meinen. Subtext macht eine Szene auf zweierlei Weise spannender. Erstens hält er dem Leser Informationen vor und weckt so Neugier. Wenn das Publikum nicht ganz sicher ist, was Ihre Figuren wirklich sagen, motiviert es dies dazu, tiefer in Ihre Geschichte einzutauchen. Zweitens erzeugt Subtext auf natürliche Weise Konflikte. Wenn Figuren vermeiden, ihre wahren Gefühle auszudrücken, erschwert dies die Kommunikation, was die Spannung in zwischenmenschlichen Beziehungen steigern kann.)

Schritt 3: Fertigstellen des Skripts

Der letzte Schritt beim Schreiben einer Geschichte besteht darin, sie in ihre endgültige Form zu bringen, erklärt McKee. In dieser Phase fügst du Dialoge, Szenenbeschreibungen und alles andere hinzu, was letztendlich im Endprodukt enthalten sein wird. Wenn du die Handlung und den Subtext deiner Geschichte in den beiden vorangegangenen Schritten ausführlich skizziert hast, wird dir das Schreiben von Dialogen äußerst leicht und natürlich fallen, da du deine Figuren als Menschen tiefgreifend verstehst.

(Kurzer Hinweis: Falls dir das Verfassen von Dialogen in dieser Phase noch schwerfällt, gibt es viele Quellen, aus denen du Inspiration schöpfen kannst. Achte genauer darauf, wie die Menschen in deinem realen Umfeld sprechen. Informiere dich über bestimmte Dialekte oder Fachjargon, um deinen Figuren einen authentischeren Wortschatz zu verleihen. Studiere, wie die Figuren in deinen Lieblingsgeschichten sprechen.)

McKee weist darauf hin, dass jeder dieser drei Schritte möglicherweise umfangreiche Überarbeitungen erfordert. Möglicherweise wird Ihnen erst dann bewusst, dass Ihre Geschichte nicht funktioniert, wenn Sie bereits die Hälfte des Dialogs geschrieben haben. In diesem Fall, so McKee, müssen Sie den Mut aufbringen, alles zu streichen, was nicht funktioniert – ganz gleich, wie viel Zeit Sie in das Schreiben investiert haben. Wenn Sie dies getan haben, bleibt Ihnen eine fesselnde, gut geschriebene Geschichte.

(Kurzer Hinweis: Diese Idee greift den oft wiederholten Ratschlag für Autorenauf , „deine Lieblinge zu opfern“– mit anderen Worten: Überarbeite jeden Teil deiner Geschichte, der beim Publikum nicht ankommt, ganz gleich, wie sehr du ihn behalten möchtest. Wenn es dir schwerfällt, den Mut aufzubringen, einen Teil deiner Geschichte zu streichen, den du liebst, versuche, diese Passage vorübergehend beiseite zu legen (anstatt sie zu streichen). Das Wissen, dass du die ursprüngliche Passage jederzeit wieder einfügen kannst, gibt dir oft die nötige Ruhe, um etwas Neues zu schreiben, das sie ersetzt – was vielleicht sogar noch besser ist.)