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Está nervoso para começar sua jornada criativa? De acordo com Austin Kleon, em Steal Like an Artist, esperar até se sentir “pronto” é uma armadilha — você descobre quem você é como artista ao fazer arte, não antes. A solução é simples: comece a criar agora, mesmo sendo iniciante, e deixe que o processo lhe ensine.
Kleon oferece estratégias práticas para começar, escolhendo projetos que o entusiasmam, em vez de se limitar ao que já conhece, e combinando materiais físicos com ferramentas digitais para manter suas ideias fluindo. Ele também explica por que aceitar as limitações, na verdade, estimula a criatividade.
Índice
Comece a criar
Depois de estudar profundamente suas influências criativas, é hora de começar a criar. Se isso parece assustador, você está em boa companhia: de acordo com Austin Kleon, em Roube como um artista, muitos artistas sentem que não conseguem criar obras de arte verdadeiramente excelentes até compreenderem exatamente quem são como pessoas e como artistas. No entanto, ele afirma que o oposto é verdadeiro: o processo de criação artística é a forma como você vai compreender a si mesmo. A única maneira de se tornar um artista é criando arte, mesmo que você não seja um especialista. Portanto, você deve mergulhar de cabeça, em vez de esperar até se sentir pronto.
(Nota resumida: Em The War of Art, Steven Pressfield argumenta que fazer arte mesmo que você não se sinta pronto tem um benefício adicional: separa os artistas profissionais dos amadores. Ele não se refere a “profissional” no sentido de que você é pago pela sua arte — ao contrário, ser um artista profissional é uma mentalidade. É um distintivo que você ganha por se comprometer com seu processo criativo e continuar trabalhando duro nele, mesmo quando o processo é difícil ou desgastante. Essa lógica ecoa a afirmação de Kleon de que a única maneira de se tornar um artista de verdade é continuar fazendo arte.)
Começar logo a criar tem outra vantagem: segundo Kleon, isso ajudará você a evitar ficar preso à “síndrome do impostor”, que é uma sensação persistente de que você não tem talento suficiente para ter sucesso. Em vez de dar ouvidos a esses sentimentos, comprometa-se a fazer um trabalho criativo, independentemente de como você se sente em relação ao seu talento.
(Nota resumida: Kleon omite um componente crucial da definição da síndrome do impostor: de acordo com a American Psychological Association, trata-se de um sentimento de inferioridade que atormenta “pessoas de alto desempenho” ou pessoas que apresentam sinais externos de sucesso em suas áreas de atuação . Portanto, se você é um artista profissional e duvida de suas habilidades, pode estar passando pela síndrome do impostor — mas se está tentando fazer um trabalho criativo pela primeira vez, pode estar simplesmente passando pela ansiedade que acompanha a tentativa de algo novo.)
Abordaremos os conselhos práticos de Kleon sobre como começar a criar, incluindo copiar, decidir o que fazer, combinar ferramentas digitais e analógicas e aceitar suas limitações.
Comece copiando outros artistas
Kleon acredita que a melhor maneira de começar como artista é copiar o trabalho de seus heróis criativos. Fazer cópias ajuda a entender como o criador original fez sua obra. Por exemplo, se você está aprendendo a pintar, pode tentar recriar uma das icônicas pinturas de paisagens de Bob Ross. À medida que você acompanha, perceberá como ele aplica camadas de cores para criar profundidade nas montanhas ou usa um pincel em leque para formar árvores suaves e texturizadas. Ao copiar suas técnicas, você começa a entender por que ele faz certos traços ou escolhas de cores. Então, quando criar sua própria pintura original, você terá uma noção muito melhor de como usar essas mesmas técnicas em seu próprio estilo.
Tenha em mente que, ao copiar, seu trabalho inevitavelmente ficará aquém do original (afinal, nenhum pintor novato conseguiria reproduzir Bob Ross perfeitamente na primeira tentativa). No entanto, de acordo com Kleon, isso não é um fracasso — é a fonte da sua força. As diferenças entre suas cópias e o original são o que o tornam único como artista. Aproveite essas diferenças para descobrir e desenvolver sua própria voz criativa. (Essa etapa também é crucial porque, se você nunca adicionar nada único às suas cópias, seu trabalho será apenas uma imitação do original, em vez de algo novo e transformador.)
| Copiar funciona — mas não compare sua arte com a dos outros Pesquisas corroboram a conclusão de Kleon de que estudar o trabalho de outro artista aumenta tanto a criatividade quanto a habilidade artística. Em um estudo, alunos que passaram algum tempo copiando desenhos de um artista profissional produziram posteriormente trabalhos que os críticos de arte consideraram mais criativos e expressivos do que os trabalhos dos alunos que não começaram copiando. É claro que, como sugere Kleon, imitar e aprender com a comparação é o ponto de partida, mas você não desenvolverá uma voz ou expressão autêntica a menos que se baseie nas maneiras em que você não se compara a outros artistas. No entanto, comparar-se a outros artistas às vezes pode ser desmoralizante se você se concentrar em como suas habilidades se comparam às deles. Em The Gifts of Imperfection, Brené Brown reconhece esse perigo e aconselha usar o processo criativo para celebrar sua originalidade, em vez de se comparar desfavoravelmente. Brown destaca o fato de que a expressão criativa é única para cada indivíduo, então não faz sentido comparar seu trabalho com o dos outros. Em vez disso, concentre-se no fato de que ninguém mais poderia fazer o que você fez , porque ninguém mais vê o mundo exatamente como você — sua expressão criativa é literalmente incomparável. |
Decida o que fazer
Depois de ter uma noção da sua própria voz criativa, você precisará decidir o que deseja criar. Kleon recomenda pensar no tipo de arte que mais lhe agrada e tentar criá-la, mesmo que não seja algo com que você esteja acostumado. Isso contradiz o conselho padrão de “escrever (ou desenhar, pintar ou construir) o que você conhece”, que Kleon acredita ser uma receita para uma arte enfadonha.
(Nota resumida: Stephen King, autor de mais de 60 romances e 200 contos, concorda com o conselho de Kleon de não levar muito à letra a ideia de “escrever sobre o que se conhece”. Em On Writing, King aconselha escrever sobre as verdades básicas que você aprendeu com suas experiências individuais, não necessariamente sobre as experiências em si. Por exemplo, se você já se sentiu nervoso por se mudar para uma nova cidade, poderia escrever sobre um astronauta nervoso por ir para o espaço — a situação é diferente, mas a verdade emocional subjacente é a mesma.)
Combine ferramentas digitais e analógicas
Depois de decidir o que fazer, como você deve proceder? Se você costuma fazer todo o seu trabalho digitalmente, Kleon aconselha afastar-se do computador por um tempo e incorporar um componente analógico. Isso aumentará sua criatividade, pois trabalhar com materiais físicos lhe dá a liberdade de explorar possibilidades e cometer erros. Em contrapartida, trabalhar no computador torna muito fácil censurar suas ideias antes que você possa explorá-las completamente. Portanto, Kleon argumenta que você só deve usar o computador quando chegar à fase de edição de um projeto criativo.
(Nota resumida: se você costuma trabalhar exclusivamente no computador, incorporar materiais analógicos pode parecer um incômodo desnecessário — por exemplo, se você é escritor, pode relutar em escrever à mão porque terá que digitar tudo novamente mais tarde. No entanto, estudos mostram que escrever à mão torna você mais criativo, pois o ato físico de escrever à mão envolve regiões maiores do cérebro do que digitar em um teclado. É por isso que muitos escritores de sucesso (incluindo Neil Gaiman, Stephen King e J.K. Rowling) escrevem seus rascunhos à mão antes mesmo de tocar em um computador.)
Para se incentivar a usar materiais físicos, Kleon recomenda dividir seu espaço de trabalho em duas zonas: uma para o computador e qualquer outro equipamento eletrônico, e outra para os materiais que você usa para criar (como canetas e papel, argila ou tintas). Use a zona analógica para explorar e debater ideias e, em seguida, use a zona digital para editar e expandir suas ideias.
(Nota resumida: o espaço de trabalho do próprio Kleon possui duas mesas separadas para trabalhos analógicos e digitais; no entanto, podemos inferir que a mesma ideia funcionaria com uma única mesa, se você a dividisse ao meio. Se você não tiver um espaço de trabalho designado, pode até mesmo recriar a configuração montando um kit portátil com vários materiais analógicos; dessa forma, você pode alternar facilmente entre analógico e digital, independentemente de onde se sentar para trabalhar naquele dia.)
Aceite as limitações
Kleon oferece uma dica final para o trabalho criativo: use restrições e limitações a seu favor. Ter recursos limitados, na verdade, estimula a criatividade, então aceite o desafio. Na verdade, se você estiver em uma rotina criativa, pode até mesmo adicionar uma limitação arbitrária (por exemplo, desafiando-se a cozinhar uma refeição usando apenas os ingredientes que já tem à mão). Como bônus adicional, isso também torna seu trabalho mais interessante — as pessoas ficarão maravilhadas com o quanto você conseguiu fazer com tão pouco.
(Nota resumida: Kleon não explica por que as limitações estimulam a criatividade, mas pode ser porque as restrições forçam o cérebro a entrar no modo de resolução de problemas para encontrar uma maneira de contorná-las. Na verdade, estudos mostram que as pessoas apresentam soluções mais criativas quando têm menos opções disponíveis.)
Saiba mais
Se você quiser saber mais sobre como começar sua jornada criativa, leia nosso guia completo sobre o livro de Kleon Roube como um artista.
